ЧТО: Второй студийный альбом бристольского трио пионеров трип-хопа. Важный релиз с точки зрения творческого пути Massive Attack, ознаменовавший начало перехода от чистой электроники к живым инструментам. Альбом на перепутье. Дебютный Blue lines - уверенный электронный проект, а великий (без преувеличения) третий альбом Mezzanine - построен на живом звуке. Protection - это перевалочный пункт, своеобразная запятая. Не слишком популярный альбом, хотя и принципиально важный в дискографии MA, как звено в цепи. КАКОЙ: Музыка Massive Attack не определяется жанровыми рамками. Все, что мы можем услышать, - звуковой коллаж из разнообразных сэмплов, живых инструментальных партий, вокала разных исполнителей и элементов если не всех, то уж точно половины жанров музыки на планете. Многие песни, включая титульную, обладают относительно медленным темпом и сообщают спокойствие и сдержанность, характерные в принципе для трип-хопа. Темп композиций в целом упал по сравнению с Blue lines. Интересные, но местами грубоватые сочетания электроники с акустикой. Фортепианные мелодии на Heat Miser, например. На Mezzanine это смешение достигнет апогея, идея будет доведена до необходимого выражения. Песня Karmacoma потягивает на шедевр. Такой наэлектризованный рэгги. Очень занятно. Кроме того, коллега MA по изобретению трип-хопа - Трики появляется на этой песне с речитативом. Вообще на альбоме крайне заметно регги-даб влияние. Стоит только вспомнить об альбоме ремиксов на Protection от Mad Professor (одного из самых больших даб-продюсеров не только Британии, но и мира). Однако не обходится здесь, конечно, и без трип-хопа (куда без него), и звучит он мощно, не даром Massive Attack - признанные пионеры жанра. Поразительно кинематографичная музыка. Sly могла бы легко стать саундтреком к фильму про Джеймса Бонда. Даже духовая секция на четвёртой минуте как у Джона Барри. Про скрипку я вообще молчу. Сильная песня. Эти ребята мастера саундтреков. В целом ощущение от музыки приятное, даже во рту сладкий привкус. И все-таки не могу не придраться. Надо признать, что иногда Protection звучит не слишком уверенно и убедительно из-за метания между электроникой и акустикой. Стыки выходят грубоватыми. Но трое отличных музыкантов способны отшлифовать все неровности и сгладить переходы, что они и доказали на следующем альбоме. О ЧЕМ: Текстовая составляющая не выступает здесь движущей силой песен; она ставит акценты, подчеркивает мысль. В случае Karmacoma текст - также наследие регги. Тема духовной свободы от границ и стереотипов вписывается в любовную историю: «Нам будет плохо вместе. Ты не торопись, иди погуляй и выдохни, потом поговорим спокойно» - говорит лирический герой. Основная тема - душевные проблемы в различных вариациях. Важную роль играет тема незащищенности, возникающей вследствие отчуждения и обособления от общества. Об этом свидетельствует даже название. ИТОГ: Такой альбом - всегда показатель упорной работы исполнителя: эмоциональной, умственной, физической в конце концов. Крепкий и интересный, важный для самих Massive Attack, начинающий робко использовать живые инструменты вместе сэмплов. Такая музыка должна выпускаться и жить, потому что заставляет отвлечься от самокопаний и задуматься о чем-то, помечтать, справиться со всем, что навалилось, и побыть в кои-то веки собой. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Protection, Sly, Karmacoma

ЧТО: Признанная классика гранжа и американского рока в принципе. Как показывает время, большой и влиятельный альбом для рок-музыки. Третий и последний студийник Nirvana, записанный под влиянием нежелания участников группы делать второй Nevermind (с их точки зрения слишком попсовый, со временем сжавшийся до состояния «микса для радио», что не слишком лестно для рок-группы). КАКОЙ: Энергетика альбома значительно агрессивнее, чем на принесшем группе мировую известность Nevermind. Настроение постоянно изменяется, смещаясь от меланхолии и усталости к недовольству и гневу, и обратно. Во многом этому способствует работа Кобейна с вокалом, который то уходит в неразборчивое бормотание, то срывается в истошные вопли. Весь альбом мечется между крайностями, сохраняя общее состояние надрыва, что, возможно, отражает внутренние переживания фронтмена. Не обходится и без традиционного бунтарства, начиная с названия и обложки, заканчивая лирикой. Интересная запись ударных. Мастерство Грола попало здесь в надежные руки продюсера Стива Альбини, который при помощи записи на примерно тридцать микрофонов смог добиться рассеянного звучания установки. Ощущение, будто удары (особенно малый барабан) звучат как измененный стук капель дождя. Чувствуется, что альбом был создан таким, каким участники Nirvana и хотели его получить (о чем свидетельствует и то, что и лэйбл, и Альбини дали Кобейну и компании полную свободу творчества). О ЧЕМ: Лирика так же неоднородна и своевольна, как музыка, позволяющая себе затрагивать весь спектр тем и эмоций, интересующих и привлекающих музыкантов (в основном, конечно, Кобейна). Встречаются литературные отсылки к Парфюмеру и Стране теней. Все это только подчеркивает личностную ценность этих песен для Курта Кобейна. По свидетельствам участников группы, это глубоко личный альбом, где Кобейн затрагивает темы стремительного роста популярности, развода родителей, экзистенциального кризиса, рождения и смерти. Трагичные истории в соответствии с общим концептом альбома прерываются гневными тирадами и возгласами, выражающими злобу Кобейна на СМИ. Всё здесь есть провокация, недоверие к нормам как таковым. Тем не менее это уже более взрослое произведение, отражающее жизненный опыт творца, его становление в различных ролях. По словам Дэйва Грола, «это уже не отчаяние подростка; это отчаяние рок-звезды». ИТОГ: Исторически важная пластинка, передающая живую эмоцию как через музыку, так и через лирику. Более осознанный и зрелый, при том сохраняющий дерзость и панк-энергетику альбом-исповедь, полный дуализма и душевной борьбы. Включая In Utero, вы оказываетесь посреди поля боя: неистовый панк ведёт безжалостную войну с поп-звучанием и псевдобитловскими мотивами. Альбом искренности. Тем печальнее наблюдать за тем, что происходит с наследием группы сейчас (шараут милому малышу с обложки Nevermind, который внезапно повзрослел). Осталось только бизнес-акулам, уцепившись за современную тенденцию переиздания легендарных альбомов, нанести ещё один удар по свободному духу главных героев рок-музыки начала 90-х. Как бы то ни было, In Utero, как и все творчество Nirvana, буквально кричит о том, как ценны искренность, творчество и свобода быть тем, кто вы есть. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ (по мне): Serve The Servants, Rape me, Very Ape.

The Velvet Underground; Nico - The Velvet Underground & Nico (1967) !!! Все, написанное ниже, является личным мнением автора и не претендует на признание в качестве истины первой инстанции. Здесь только то, что в альбоме услышал я, и в той форме, в которой я это воспринял. Всем мир. ЧТО: Один из самых влиятельных альбомов в истории рока. Дебютник TVU, записанный при участии немецкой певицы Нико. Классическая культовая пластинка со всеми атрибутами: экспериментальное звучание, первоначальный коммерческий провал, критика, переходящая в признание культового статуса произведения. Альбом оказал огромное влияние на развитие рок-музыки (особенно альтернативы) и популярной культуры, в частности на историческое становление постпанка в 1970-х. КАКОЙ: Один сплошной эксперимент. В первую очередь внимание привлекает стандартное использование необычных инструментов и нестандартное использование обычных. Так на Sunday Morning появляется челеста (вообще уважаемая и любимая рок-музыкантами того времени), а Venus In Furs сыграна Ридом особой техникой, которую он назвал ostrich (все струны настроены на одну ноту). Причину, видимо, следует искать в сотрудничестве участника TVU Джона Кейла с экспериментальными композиторами (например, с Джоном Кейджем и его подготовленным фортепиано). Кроме того, сам Кейл использует электронный альт. На треке Heroin он издаёт одну ноту на протяжении всей песни, передавая ощущения наркотического трипа. Интересное использование темпоритма, который то ускоряется, то замедляется. Под конец Heroin вовсе срывается с цепи, заливаясь нойзом и делая прослушивание местами невыносимым, что также работает на атмосферу и стиль композиции. Напротив, Venus In Furs не отпускает слушателя до конца. Она нравится, она привлекает и затягивает своей вязкой, барочной, вальяжной атмосферой, олицетворяя тем самым человеческую страсть, нечто потаённое, скрытое (что пересекается с текстом). Встречаются здесь и, с позволения сказать, логичные поп-песни 60-х. Занятное сочетание даёт американская рок-музыка и европейское угловатое звучание вокала Нико. Альбом разнообразен настолько, насколько это возможно, и подчёркнуто экспериментален. Отдельно можно сказать про обложку авторства Энди Уорхолла, которая, с моей точки зрения, не только вновь иллюстрирует экспериментальность альбома, но и позволяет ощутить самобытность творческой среды, в которой он создавался. О ЧЕМ: Лирика альбома выдержана Лу Ридом в традиционных для него мрачных, прямых и провокационных тонах. Тексты затрагивают нетрадиционные для воздушных замков 60-х темы наркозависимости, человеческих пороков и влечений, сексуальности и сексуальных девиаций, садизма и мазохизма. Рид как всегда пишет смело и прямо, но не для намеренного провоцирование слушателя. Его вдохновляли книги и стихи, смысловые концепции которых он переносил в контекст музыки. Постоянная смена настроений, создающая уникальную атмосферу пластинки, явно достигается, в том числе, за счёт работы с текстами и достижения их совместимости с вокалом. ИТОГ: Альбом, влиянию которого нет предела. TVU & Nico учит быть более открытыми не только в музыке, но и в осознании себя как человека, имеющего пороки, несовершенного существа; забыть о страхе. Полный интересных музыкальных решений, этот альбом является точкой пересечения аудио-визуального таланта нескольких гениев, собравшихся, условно говоря, в одной комнате, чтобы изменить музыку навсегда. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Sunday Morning, Venus In Furs, All Tomorrow’s Parties.

ЧТО: Второй студийный альбом бристольского трио пионеров трип-хопа. Важный релиз с точки зрения творческого пути Massive Attack, ознаменовавший начало перехода от чистой электроники к живым инструментам. Альбом на перепутье. Дебютный Blue lines - уверенный электронный проект, а великий (без преувеличения) третий альбом Mezzanine - построен на живом звуке. Protection - это перевалочный пункт, своеобразная запятая. Не слишком популярный альбом, хотя и принципиально важный в дискографии MA, как звено в цепи. КАКОЙ: Музыка Massive Attack не определяется жанровыми рамками. Все, что мы можем услышать, - звуковой коллаж из разнообразных сэмплов, живых инструментальных партий, вокала разных исполнителей и элементов если не всех, то уж точно половины жанров музыки на планете. Многие песни, включая титульную, обладают относительно медленным темпом и сообщают спокойствие и сдержанность, характерные в принципе для трип-хопа. Темп композиций в целом упал по сравнению с Blue lines. Интересные, но местами грубоватые сочетания электроники с акустикой. Фортепианные мелодии на Heat Miser, например. На Mezzanine это смешение достигнет апогея, идея будет доведена до необходимого выражения. Песня Karmacoma потягивает на шедевр. Такой наэлектризованный рэгги. Очень занятно. Кроме того, коллега MA по изобретению трип-хопа - Трики появляется на этой песне с речитативом. Вообще на альбоме крайне заметно регги-даб влияние. Стоит только вспомнить об альбоме ремиксов на Protection от Mad Professor (одного из самых больших даб-продюсеров не только Британии, но и мира). Однако не обходится здесь, конечно, и без трип-хопа (куда без него), и звучит он мощно, не даром Massive Attack - признанные пионеры жанра. Поразительно кинематографичная музыка. Sly могла бы легко стать саундтреком к фильму про Джеймса Бонда. Даже духовая секция на четвёртой минуте как у Джона Барри. Про скрипку я вообще молчу. Сильная песня. Эти ребята мастера саундтреков. В целом ощущение от музыки приятное, даже во рту сладкий привкус. И все-таки не могу не придраться. Надо признать, что иногда Protection звучит не слишком уверенно и убедительно из-за метания между электроникой и акустикой. Стыки выходят грубоватыми. Но трое отличных музыкантов способны отшлифовать все неровности и сгладить переходы, что они и доказали на следующем альбоме. О ЧЕМ: Текстовая составляющая не выступает здесь движущей силой песен; она ставит акценты, подчеркивает мысль. В случае Karmacoma текст - также наследие регги. Тема духовной свободы от границ и стереотипов вписывается в любовную историю: «Нам будет плохо вместе. Ты не торопись, иди погуляй и выдохни, потом поговорим спокойно» - говорит лирический герой. Основная тема - душевные проблемы в различных вариациях. Важную роль играет тема незащищенности, возникающей вследствие отчуждения и обособления от общества. Об этом свидетельствует даже название. ИТОГ: Такой альбом - всегда показатель упорной работы исполнителя: эмоциональной, умственной, физической в конце концов. Крепкий и интересный, важный для самих Massive Attack, начинающий робко использовать живые инструменты вместе сэмплов. Такая музыка должна выпускаться и жить, потому что заставляет отвлечься от самокопаний и задуматься о чем-то, помечтать, справиться со всем, что навалилось, и побыть в кои-то веки собой. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Protection, Sly, Karmacoma

ЧТО: Второй студийный альбом хип-хоп дуэта из Бруклина. Признанная классика хип-хопа. Группа, каждый альбом которой продавался многомиллионными тиражами. КАКОЙ: Классический хип-хоп из 90-х. Много джаза, ритм-н-блюза, фанка и соула в сэмплах. Мелодичный ярко выраженный бас. Развитая техника сэмплирования. Я уловил только очевидное (например, сэмпл из Rapper’s Delight), уверен, там очень много всего. Чувствуется, что Gang Starr с Восточного берега. Они сочетают африканскую музыку с танцевальной, подхватывая свой уникальный стиль. Получился мягкий джаз-рэп времён расцвета американского хип-хоп олдскула, который заметно контрастирует с жёсткими остросоциальными мотивами в творчестве их, если так можно сказать, коллег: Public Enemy и Run-D.M.C. Довольно революционно звучит интерлюдия посреди альбома. Это сейчас их стали пихать когда можно и когда нельзя. В то время это было редкостью. О ЧЕМ: Лирика альбома, естественно, не обходится без сторителлинга. Альбом полон рассказов о женщинах, трудностях жизни чёрного человека в Америке, о религии. Важная тема - мастерство исполнителей. Они доказывают, что лучше всех управляются на битах. Об этом свидетельствует и название. DJ Premier и Guru предлагают всем, кто их критикует, выйти с ними на арену и разобраться. На Check the technique они советуют их соперникам в игре (как бы это не звучало) поработать над своей техникой, чтобы быть с участниками Gang Starr на одном ринге. Это те основы, без которых не обходится хип-хоп. Это базис хип-хоп культуры как образа жизни и принципа творчества. Это не мои выдумки; а то, что говорят об этом классические исполнители и преданные слушатели этой музыки. ИТОГ: Замечательный хип-хоп альбом. Повлиял на звук многих современных рэперов. Обильное использование джаза и интерлюдии - то, что стало можно значительно позже. Это альбом-заявление, который начинается с того, что участники дуэта представляются. Они не собираются прятаться и готовы доказать, что лучшие в игре (ещё раз извиняюсь за слово «игра» в этом контексте). Альбом не зря назван классикой хип-хопа.

ЧТО: Третий студийный альбом легенды фолка Рода Стюарта, представляющий собой классическую для исполнителя смесь рока, фолка и кантри. Прорывной альбом для Стюарта, закрепивший его в статусе звезды. КАКОЙ: Музыка на протяжении всего альбома пронизана ощущением трогательного и забавного рассказа. Несколько меланхоличную атмосферу дарит фолк-звук, которого здесь немало. Слышно, сколько работы в этой пластинке. Каждый звук отполирован, доведён до абсолюта, что, честно говоря, несколько мешает мне восхищаться Every Picture Tells a Story, потому что звучит альбом местами откровенно скучно. Хотя рок-н-ролльная энергия сохраняется. Местами очень интересные музыкальные решения. Мандолина на самой хитовой на альбоме Maggie May, орган на (Find A) Reason to Belive в сочетании со скрипкой, хоровой вокал на (I Know) I’m losing you и много ещё чего. Вообще (FA) RtB - образцовая фолк песня. Поражает талант сторителлинга. Это чувствуется даже без слов. Как будто ты сидишь в лондонском баре и слушаешь красивую историю человека, который испытал многое за свою жизнь и готов поделиться этим с тобой своим искренним хрипловатым голосом. Песни звучат тепло. Скорее всего это достигается за счёт элементов кантри. Но здесь, повторюсь, мне не хватает экшена, рок-н-ролла, но видимо только мне, потому что Род Стюарт - один из вдохновителей великого британского панка 1970-х. О ЧЕМ: Я уже говорил про истории на этом альбоме, и это действительно впечатляет. Такой талант сторителлинга - огромная редкость. Пожалуй, Род Стюарт, Боб Дилан и Кендрик Ламар. Вот моя команда по спасению мира. Рассматривая первую же, и по совместительству титульную, песню на альбоме, мы получаем историю человека, отправившегося в путешествие по миру, чтобы начать чувствовать себя полноценным. Он уходит из дома, конфликтует с французской полицией, посещает Ватикан, занимается парусным спортом, находит любовь в Шанхае и обретает себя. Одной этой песни достаточно, чтобы понять уровень текстов. Просто скажу, что на Maggie May (на минуточку самой популярной песне с альбома, да и в принципе в дискографии Стюарта) Род рассказывает историю о школьнике, которому подруга мамы «помогает» с утратой невинности. Я думаю, о лирике можно заканчивать. ИТОГ: Я полностью солидарен с Джоном Мендельсоном, который написал для Rolling Stone: «Какой бы скучной не была половина этой пластинки, на другой половине достаточно безоговорочно великолепного». Стоит только чуть-чуть повнимательнее прислушаться, чтобы почувствовать эту музыку. Да, местами интереснее писать про Every Picture Tells a Story, чем слушать его. Но заряженность пластинки винтажной рок-энергетикой, которую сейчас невозможно воспроизвести, и невероятное искусство рассказать историю спасают ситуацию. Этот альбом стоит послушать хотя бы раз в жизни, и, поверьте, магическим (без шуток) образом каждый сможет вынести оттуда что-нибудь нужное для себя именно в данный момент жизни. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Maggie May, Every Picture Tells a Story, (I Know) I’m losing you

ЧТО: Пятый студийный альбом великого и ужасного Нила Янга, где он даёт волю своим взглядам на мир, без прикрас предоставляя их общественности. Кроме того, альбом, обложка которого опередила своё время и могла бы появиться на любом фолк релизе в 2021. КАКОЙ: Альбом на стыке фолка, кантри и блюза. Первое отчетливо слышно на Motion pictures, второе - на For the Turnstiles. Ну и разумеется не обошлось без блюза с классическим словом «blues» в названиях песен. Местами музыка заставляет скучать, иногда завораживает. То стремится в небо, то упирается в землю. Это, как по мне, главная проблема альбома. Он, несмотря на общие ретроспективные мотивы, не воспринимается как единый альбом. Walk On заряжает позитивом, ты попадаешь на пляж, думаешь о людях вокруг, мечтаешь. И тут все внезапно обрывается, ты оказываешься посреди пасмурного пейзажа и смотришь в небо, из которого скоро прольётся дождь. Грустный, меланхоличный настрой тоже моментально уходит и сменяется нигилистическим революционным духом. А затем вовсе наступает трехминутная кантри-песня. И это только половина альбома. Музыку бросает из стороны в сторону. При этом песню Ambulance Blues можно заносить в список моих любимых песен. Музыкально это фолк, причём довольно замороченный. Но то, как на музыку ложится вокал - удивительно. Кто бы мог подумать, что можно сделать девятиминутную фолк-песню, которую будешь слушать на одном дыхании. О ЧЕМ: В текстах разброс примерно такой же, как в музыке. На Walk On Янг совмещает свой цинизм с желанием двигаться дальше и жить в своё удовольствие. Лучше всего это видно в строчках: «Люди не замечают счастливых времён. Они заняты своим делом, я - своим». Очень интересная мысль. Лирический герой только подмечает, что людям вокруг было бы гораздо легче жить, если бы они перестали идти на поводу у общества и стали бы делать то, чего им действительно хочется. Он это замечает, но тут же оговаривается, что не собирается никому указывать, что им делать и как чувствовать. «Они заняты своим делом, а я своим». На Revolution blues не обошлось без влияния Чарльза Мэнсона. После чего нас ждёт милое кантри, где Янг весело бренчит на бонго. В этом весь альбом. Есть ещё песня, в которой Янг говорит, что он вампир, сосущий кровь, что является циничным уколом в сторону топливной индустрии. Motion Pictures о любви, отношениях и на этом все. Классика. Главной песней на пластинке, по моему мнению является завершающая альбом Ambulance blues. Песня уходит в ретроспективный взгляд уже опытного музыканта на пройденный путь. Песня описывает чувства Янга по отношению к критике, Ричарду Никсону и состоянию квартета CSNY, в котором он в то время состоял. Эта песня сочетает в себе великую музыку и подходящий текст, который не внедряется в песню, а аккуратно ложится новым слоем, погружая тебя все глубже и глубже в свои мысли и чувства. ИТОГ: Если музыка заставляет человека задуматься о себе, взглянуть на себя изнутри, даже если это одна песня, это уже огромный плюс пластинке. Парадоксально, что циник и нигилист создал альбом, из которого трудно вынести что-то, кроме конструктива и осознанности. Видно, что творец себя не сдерживал, и хорошо, что так. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Ambulance blues, Walk On, See the Sky About to Rain.

ЧТО: Шестой студийный альбом короля ритм-н-блюза - Принса, который стал самым популярным альбомом в дискографии артиста, а также неким манифестом его уникального стиля. Считается одним из самых успешных альбомов в истории (чтобы было понятно, по миру было продано 22 миллиона копий). КАКОЙ: Лучший R&B альбом, что я слышал. Одно решение здесь выглядит безумнее другого. Весь альбом пропитан энергией провокации и сексуальности. Но смысл пластинки, конечно, гораздо глубже банальной провокации. В каждой песне подбор инструментов, звучание вокала, структура песен индивидуальны. Но общее звучание альбома вдохновлено каким-то готическим нуаром из бёртановского «Бэтмэна» (саундтрек к которому кстати тоже написал Принс). При этом сексуальная энергия борется как одна из сторон личности музыканта с другой стороной - религиозностью. Первое начало проявляется в бодрых гитарных риффах и вокальных изысканиях Принса (например, на Darling Nikki). Сексуальность вообще одна из главных тем в творчестве исполнителя. Религиозное же начало проявляется в использовании органа на некоторых песнях, а также в некоторых фишках, которые Принс делает со своим голосом: то он похож на госпэл, то звучит по-дьявольски (например, гроул (гуттеральный вокал; звуки, издаваемые за счёт резонирования гортани) на When the doves cry). Видны попытки избежать посредственности. Именно поэтому все на той же When the doves cry напрочь отсутствует басовая линия, что необычно для танцевальных песен. Интересно, что начинается альбом с некой небольшой интерлюдии в начале Let’s go crazy, а оканчивается долгим проигрышем и аплодисментами на Purple rain. Таким образом происходит своеобразное замыкание альбома на самом себе, по форме напоминающее цельный музыкальный перфоманс. Подводя итог, можно сказать, что Purple rain структурно и музыкально вовсе никаким нормам не подчиняется, по крайней мере он так выглядит; очень старается быть таким: ярким и неформатным, при этом штурмуя мировые чарты. Такое может себе позволить только поистине гениальный музыкант. О ЧЕМ: Тексты оплетают уже высказанную выше основу: единство противоположностей в душе Принса, выраженных сексуальной свободой и религией. Многие песни повествуют о прекрасном времяпрепровождении с любимым человеком. Но, естественно, всё не настолько целомудренно. Darling Nikki - вовсе история о безумном сексе, в которой Nikki - это дьявол. Последние реверсивные (здравствуйте, мистер Нолан) строчки показывают, что эта песня есть признание в грехах, перекликающееся с историей Фауста. Тут стоит упомянуть, что именно «Пурпурный дождь» стал поводом для появления знака Parental Advisory, обозначающего, что альбом содержит ненормативную лексику, либо тексты провокационного или непристойного характера. Вспоминая о прекрасной титульной песне Purple rain, следует сказать, что весь этот альбом является саундтреком к одноименному фильму. Вкратце: Принс учится исполнять роли бойфренда, музыканта, лидера, сравнивая себя со своим отцом, который не смог реализоваться, растерял все свои мечты и стал жестоким. При этом, сколько бы боли этот человек не вызвал в сердце, Принц все равно говорит, что любит его. Короче говоря, секрет в том, чтобы быть собой и верить в свои силы даже если больше никто не поддержит. ИТОГ: Во всех смыслах сильный альбом супер-звезды в зените славы. Справедливо названный классическим этот альбом затрагивает проблему неидеальности людей. Человек ошибается, но от этого не перестаёт быть человеком. Эта пластинка не только триумф Принса, но и манифест свободы и оригинальности, который покажется потрясающим до глубины души всем хоть сколько-нибудь мыслящим людям. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Let’s go crazy, When doves cry, Purple rain.

ЧТО: Четвёртый лонгплей и третий студийный альбом Стивена Ли Бруннера, более известного под псевдонимом Thundercat. Интересный и крайне важный, в том числе для моего личного музыкального вкуса, альбом великого басиста и мастера фриковатых образов. КАКОЙ: На пластинке встречаются типичные для Thundercat элементы: глубокий проработанный бас, обильное использование живых инструментов, нестандартная структура песен и так далее. Альбом вдохновлён джазом и фьюжном 1970-х. Широкий набор инструментов, отход от типичных ритмических структур, атмосфера странности и неформальности - все это стало неотъемлемой частью стиля Thundercat. Музыка получилась довольно сентиментальной. В отличие от двух предыдущих студийных альбомов, которые в некотором смысле «исследуют» смерть и являются переработанными и отрефлексированными чувствами Ли Бруннера по поводу гибели своего друга, пианиста, композитора и частого коллаборатора - Остина Пералты, Drunk более ориентирован на то, как продолжать жить и ограничивать самокопания. О ЧЕМ: Альбом в целом довольно лиричен. Значительное влияние на тексты, как я упоминал выше, оказала смерть друга Thundercat - Остина Пералты в 2012 году (вероятнее всего от передозировки наркотиков и алкоголя, что важно, но об этом ниже). На Drunk Бруннер, используя своё мастерство применения обыденной, но точной и глубокой лирики, рассказывает слушателю, как он сам переживал утрату и заново учился жить в ладу с самим собой. Зачастую Thundercat работает в своём образе фриковатого, забавного человека с трагичной судьбой, использующего странность и юмор в качестве механизмов защиты. Хотя любое описание в данном случае выглядит неполно, и полноценно выразить словами многоуровневый эмоциональный фон артиста-творца проблематично. Важной темой текстов на Drunk является беспредел полицейских по отношению к чёрному населению Америки и проблема расизма в целом. Thundercat часто поднимает проблемы жизни чернокожего человека в США и безопасности (читай «небезопасности») чёрного коммьюнити. В этих моментах на альбоме появляется агрессия и гнев, редкие для данной работы в целом. Название альбома может обозначать самый распространённый способ «решения проблем» - опьянение. Люди зачастую «запивают» трагические события своей жизни, попадают в зависимость и в конце концов оказываются на дне бутылки (и в кругу «лишних» членов общества, что окончательно уничтожает душу). И с первых же песен Thundercat говорит слушателям, что справится с горем можно, для этого надо продолжать жить обычной жизнью. ИТОГ: Самоутверждающая пластинка от одного из главных джаз-фьюжн артистов современности. Противоречивая (местами трогательная, местами агрессивная), как и все гениальное, работа от опытного музыканта, который знал, что и как нужно делать. Альбом выглядит как «желанный ребёнок» и получился, вероятно, таким, каким Стивен Бруннер a.k.a. Thundercat и хотел его создать. Это может вызывать только приятные эмоции, что может также быть частью творческого замысла такого влиятельного и значимого не побоюсь этого слова культурного явления, как альбом Drunk. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Трудно выделить. С Кендриком хорошая. Мне ещё нравятся Jameel’s Space Ride и Friend Zone. Нельзя не отметить и Them Changes.

ЧТО: Дебютник О’Ши Джексона, более известного под псевдонимом Ice Cube, выпущенный в 1990 году после ухода Кьюба из легендарной группы N.W.A. Классический хип-хоп из 1990-х. И текстово, и музыкально альбом наследует традиции предыдущих поколений развития жанра и использует их для создания новой классики. В этом, как мне кажется, невероятная сила этой культуры - в уважении и бережном отношении к своим корням. Сразу оговорюсь, что мне трудно писать о хип-хоп музыке. Мне до конца не осмыслить данную пластинку. Это не мой культурный код, но моя сфера интересов. Так что здесь будет исключительно объективный анализ из вне, построенный на человеческой логике, одинаковой для белых и чёрных. Only facts. КАКОЙ: Бумбэп во всей своей красе. Альбом состоит из, если можно так выразиться, качевых ударных партий, сэмплов из фанка и соула и агрессивной читки Кьюба. Как известно, в каждом таком альбоме огромное количество отсылок к поп культуре. Но не мне их искать. Скажу только, что настроение альбома можно описать как «straight outta Compton”. Альбом начинается с интерлюдии - диалоге приговорённого к смерти на электрическом стуле со своим палачом. Это иллюстрирует все эмоциональное наполнение альбома. О ЧЕМ: Темы текстов классические для хип-хопа 1990-х, да и в принципе для хип-хопа. Трудности жизни чёрного человека в Америке, существование в тяжелых условиях гетто - все это отражается в агрессивности подачи и лирики. Кроме того, Кьюб демонстрирует своё мастерство МС, что логично после его ухода из N.W.A. и нападок со стороны коллег по цеху и СМИ. Повторюсь, что мне трудно осознавать посыл таких альбомов, но тем не менее можно сказать, что тексты охватывают набор важных (и обязательных для жанра) концептов, связанных с самолюбованием, криминалом, уличной жизнью и разборками разного рода, успех в которых доказывает обеспечивает kind of street credibility. ИТОГ: Хорошая музыка и классические жанровые тексты. Для меня некоторые биты (в частности на указанных ниже песнях) являются образцовыми. Хотя альбом и не в моем культурном коде, но я уверен, что я не заброшу его сразу после прослушивания, а сохраню для прослушивания в определенные моменты жизни. Альбом безусловно повлиял на развитие хх на западном побережье, в целом в Америке да и во всем мире. Пластинка по праву располагается в ряду важнейших хх альбомов 90-х. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: The N**a Ya Love To Hate, A Gangsta’s Fairytale, Once Upon A Time In The Projects.

ЧТО: Пятый студийный альбом сингер-сонграйтерки Люсинды Уильямс. Альтернативная кантри музыка конца 1990-х. КАКОЙ: Не совсем моя музыка. Я люблю слушать такое на фоне (уж извините, если кого обидел). Но звучит все очень интересно за счёт отступления от канонов кантри и замешивания в общий коктейль духа путешествия и вообще «кочевой» жизни, тихого фолка (то, что сейчас делает Фиби Бриджерс), рваной DIY-энергии PJ Harvey времён «Uh Huh Her», щепотки Oasis и в хорошем смысле «американщины». Все время не отпускает чувство сменяющихся пейзажей за окном. Идеальный саундтрек для одиноких вечерних путешествий. Мне гораздо больше нравится, когда альбом подключает драйвовую оптимистичную атмосферу и демонстрирует смелость. Но происходит это, к сожалению, на трёх первых песнях, после чего исчезает до предпоследней «Joy». Думаю, именно этого мне не хватило в потоке красивой меланхолии. О ЧЕМ: В плане текстов альбом напрямую отражает свою жанровую принадлежность. Тексты затрагивают тему путешествий, вернее сказать передвижений и жизни в передвижениях и завязаны на образе романтичного скитальца. Еще альбом можно назвать «Мир в доме на колёсах». Важная тема - признание в любви Америке, а именно провинциальной глубинке южных штатов. Сама Уильямс родом из Луизианы, а в песнях на альбоме (например, в «2 Kool 2 Be 4-Gotten») можно встретить штат Миссисипи в качестве места действия. ИТОГ: Повторюсь, не совсем моя музыка. Тем не менее в этой музыке наблюдается стиль. Чудесный голос Люсинды Уильямс идеально подходит под основную идею. Вокал как и музыка свою задачу выполняют: погружают слушателя в, прошу прощения, «трушную кантри атмосферу». Есть много альбомов, цель которых передать настроение меланхоличной поездки на закате, но «Car Wheels On A Gravel Road» - один из лучших примеров. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Right In Time, Car Wheels On A Gravel Road, 2 Kool 2 Be 4-Gotten.

ЧТО: Третий студийный альбом героев Земли, принявших участие в спасении планеты от Армагеддона, а также по совместительству хард-рок пионеров Aerosmith. Пластинка получила новый продакшн, отличный от предшествующей Get Your Wings и подчёркивающий значительный прогресс в музыке и лирике, достигнутый группой за небольшой срок. КАКОЙ: Музыка передаёт дух хард-рока в полной мере, хотя на Toys In The Attic «смиты» ограничивают свою тягу к Led Zeppelin-образным ходам и формам, следуя таким образом по своему уникальному пути. Яркое гитарное звучание. В современных условиях, когда гитароцентричная музыка переживает не лучшие времена, а саму гитару пытаются любыми путями спрятать за синтами и вокалом, мощные гитарные риффы греют душу. Альбом слушается на одном дыхании и, в отличие от некоторых хард-рок альбомов 70-х, не вызывает зевков. Особый шарм всему происходящему придаёт надрывной вокал Стива Тайлера. Этот голос, местами сипловатый, время от времени переливающийся оттенками, заостряет внимание на жанровой принадлежности альбома, где красивый вокал - это вроде как принято. Особую радость вызывает заключительная песня на альбоме - You See Me Crying. В ее записи принял участие полноценный симфонический оркестр. В ней множество слоев и небольших элементов, не очень заметных, но создающих атмосферу. Хотя звучит это все очень несложно. И в этом, как мне кажется, главная фишка этого альбома. Toys In The Attic с порога представляется слушателю не очень сложным и мудрёным. Однако стоит прислушаться, и прямо на глазах монолитная целостность исчезает и музыка оказывается слоёным пирогом. Тем временем звучит альбом как нечто полноценное, структурно соответствующее канонам жанра: несколько песен на классик хард-рок риффах (Adam’s Apple, Round And Round), более задорная без пяти минут панковая вещь (Toys In Attic), дань прошлому, а в данном случае наследию Чака Берри и в целом рокеров-шестидесятников (Big Ten Inch Records), романтичные рок-баллады (No More No More, You See Me Crying) и стоящие особняком Walk This Way и Sweet Emotion (по моему мнению, лучшие вещи на альбоме). На первой мы слышим мощный самодостаточный бас, на котором в сочетании с вокалом Тайлера во многом держится песня. На второй создаётся устойчивое ощущение джем-сессии. Так эти песни в общем-то и создавались. Walk This Way - одна из величайших песен группы - вообще результат случайного «баловства Джо Перри с риффами». А слова для Sweet Emotion Стив Тайлер написал на стене в студии записи. Одно слово - рок-н-ролл. О ЧЕМ: Лирика разнообразна, но опять же удивительным образом связывает все песни альбома вместе. Само название альбома является американским аналогом русского выражения «шарики за ролики». То есть безумие. Сам Тайлер подчеркивал, что с этим альбомом группа хотела войти в историю. Да так войти, чтобы о них узнали даже инопланетяне. Пластинка как то, что никогда не будет выброшено, лежит на чердаке с другими любимыми вещами. И дальше на альбоме Aerosmith демонстрируют те самые «игрушки на чердаке». Uncle Salty - песня о чувствах работника дома для детей-сирот. Как говорил Тайлер: «Солти работает в доме для потерянных детей. Я - маленькая девочка, осиротевший мальчик. А также я Солти. Вот, что все это означает». Ощущение отчужденности и одиночества оставленного ребёнка - первая «игрушка на чердаке». Adam’s Apple обыгрывает идею запретного плода. Учитывая, что многие члены группы находились в момент записи в наркотической и алкогольной зависимости, можно предположить, что вызванные этим ощущения лежат на «чердаке», обёрнутые страницами из Библии, как листами оберточной бумаги. Walk This Way - рок-н-ролльная история о сексе и свободе, которым также найдётся место на «чердаке». О том же, можно сказать, и песня с говорящим названием Big Ten Inch Records, и Sweet Emotion, которая по поверьям фанатов группы связана с репутацией жены гитариста Джо Перри. На No More No More Тайлер рассказывает, что он «не видел дневного света с тех пор, как была создана группа» и стирал пальцы в кровь, играя на пианино. Round And Round фиксирует ощущение повсеместных изменений. Юность уходит, любовь - тоже. Ничего из этого не вернуть назад. Заканчивается это все пятиминутной балладой You See Me Crying, рассказывающей о моральной поддержке и о том, что своими проблемами можно и нужно делиться. Странным образом то, что в начале казалось сумасшествием, в конце приводит к осмыслению и оказывает чуть ли не терапевтическое воздействие на слушателя. Не в первый раз замечаю такое. ИТОГ: Мое отношение к альбому, как я понимаю, можно определить хотя бы по количеству написанного выше текста. Это лучший хард-рок альбом, который я слышал. Поражает высокий уровень концептуальности и в целом монолитности пластинки, учитывая разнообразие песен, если взять их по отдельности. И здесь все работает как в супе: каждый ингредиент можно есть отдельно, но вместе они приобретают новое качество, принципиально другой вкус. Следите за своим «чердаком» и заглядывайте туда хоть иногда с мыслью, что там лежит все, что останется в этом мире после вас. ЛУЧШИЕ ПЕСНИ: Walk This Way, Sweet Emotion, You See Me Crying.