1001 Albums Summary

5/10 L’album non è sicuramente un pop mediocre; sia musicalmente che per testi non ha molto da invidiare ad altri giganti del settore, come Billie Eilish o Taylor Swift. Si stanzia quindi, grazie a una voce effettivamente molto piacevole (e soprattutto una produzione di qualità) che rendono molte delle canzoni alquanto catchy, come uno scoglio che, tra un’onda e l’altra, sembra riuscire a riaffiorare tra una marea di album simili. Alcune canzoni, come “Green Light”, “Sober” e “Homemade Dynamite” sono orecchiabili ed il ritornello resta facilmente in testa, ma non riesco davvero a trovare, oltre alla semplice qualità di voce e produzione, qualcosa che lo differenzi in modo rilevante da altre canzoni pop da club, che non rientra certamente nei miei generi preferiti. Certo, questo album parte svantaggiato in quanto il suo genere non sia propriamente il mio pane quotidiano, ma credo che mi sarei potuto ricredere sulla mia valutazione, se solo avessi colto una particolare profondità di temi e testi, o se le scelte musicali fossero state talmente innovative da lasciarmi sorpreso. Da ascoltare in un appartamento spoglio di qualsiasi mobilio, sdraiati sul pavimento alle 3 di notte, cercando di indossare le cuffie nel modo più confortevole possibile con la testa appoggiata sul fianco al cuscino, un po’ come Lorde nella cover dell’album.

In Disraeli Gears i Cream fondono il rock blues con quello psichedelico, dando vita a canzoni molto riuscite (e assoli di chitarra strafighi), come Sunshine Of Your Love, Tales Of Brave Ulysses e SWALABR, canzoni che sono decisamente le mie preferite tra le 11 dell’album. Altre devo dire che mi hanno colpito decisamente meno, come World Of Pain, Dance The Night Away, Blue Condition e We’re Going Wrong, forse perché non mi prende molto il loro essere a tratti un po’ troppo simili a litanie cadenzate e ripetitive intervallate da assoli di chitarra che però non riescono a smuovermi con abbastanza energia come fanno invece in modo molto apprezzabile canzoni come Tales Of Brave Ulysses e SWALABR. In Blue Condition ammetto che questa possa benissimo essere una scelta atta a trasmettere quella melanconica *blue condition* della canzone, ma ciò non è abbastanzaun dal farmi cambiare idea sul fatto che sia un album con alcuni singoli davvero riusciti, circondati da brani che percepisco perlopiù come filler. Alcune canzoni, come Strange Brew e Blue Condition mi ricordano molto i Beatles per i loro aspetti psichedelici e melodici, anche se i Cream sembrano avere un’impronta blues più evidente. Il finale dell’album arriva inaspettato, con Outside Woman Blues e Take It Back, due pezzi che tendono molto più al blues (Take It Back in particolare. L’ultima canzone, Mother’s Lament, è ancora più inaspettata e non sembra avere molto a che fare con il resto dell’album. In breve, l’album ha alcune canzoni davvero piacevoli, ma, sebbene mi sia piaciuto e sia anche molto interessante, non penso che andrei attivamente a ricercarlo per riascoltarmelo, o perlomeno non interamente. Perciò gli darei un 7/10, o un ★★★☆☆.

Non disperate, cittadini dell’universo! La Nave Madre è finalmente attraccata sul nostro pianeta e, con le sue funk-astiche onde radio, la stazione WEFUNK ed il suo spaziale DJ Lollipop Man si impossesserà presto di tutte le reti terrestri (e non solo!). Si tratta di alieni spaziali, giunti direttamente dalla casa degli extraterrestrial brothers per redimere il pianeta con il funk, per liberarci tutti dalla nostra esistenza terribilmente unfunky e uncool. Perciò, indossate i vostri occhiali da sole (è obbligatorio da queste parti) e lasciate che il funk riempia tutti i vostri orifizi con le sue funkasmagoriche onde cosmiche! Ascoltando singolarmente i 7 brani dell'album Mothership Connection dei Parliament, si rischierebbe di perdere l'essenza di questo disco: oltre a essere caratterizzati da un funk spaziale e da un groove micidiale, i pezzi costituiscono una vera e propria (perdonate il gioco di parole) esperienza Funk-a-scientifica, che vi promette fin dal primo brano di farvi muovere e, allo stesso tempo, di ri-muovere tutti i mali che vi affliggono. Il punto forte del disco, e la caratteristica che più di tutte me l’ha fatto apprezzare, è proprio la sua fresca comicità e teatralità, che trasforma l’album in un’esperienza quasi visiva, o, come viene cantato in “P-Funk (Wants To Get Funked Up)”, addirittura tridimensionale. L’album, pioniere del genere dell’afrofuturismo, narra dell’arrivo della Nave Madre sul pianeta Terra e del suo funkico messia intergalattico, Star Child, venuto a redimere gli uomini dalla loro banale e noiosa esistenza terrestre, e della conseguente invasione dei Thumpasoriani, venuti dal Sole con i loro UFO con lo scopo di rubare tutto il funk della Terra e di farlo proprio, per poter salvare il loro pianeta morente dalla sua funklessness, fino ad invadere finalmente la Terra nell’ultimo brano, “Night Of The Thumpasorus Peoples”, in cui si esprimono esclusivamente con i versi gutturali “Gaga googa, ga ga googa”. Ascoltandolo non ho potuto fare a meno di pensare al libro “Guida galattica per autostoppisti” di Douglas Adams, altro esempio di comicità spaziale, pubblicato peraltro in quegli stessi anni, in cui degli alieni entrano in contatto con la popolazione terrestre, raffigurata come immersa in un’esperienza banale e noiosa, per trasportarla in un intero universo di comicità assurda, fantastica e stupidamente geniale. Altro punto interessante è come George Clinton, leader del collettivo “P-Funk”, che univa i gruppi “Parliament” e “Funkadelic”, usi la comicità, la satira e l’immaginario afrofuturistico e fantascientifico per commentare la sua attualità, tra dissing indirizzati ad altri cantanti, accusati di non essere fedeli al Funk originario, o alle stazioni radiofoniche, accusate di non trasmettere abbastanza in funk (portando Clinton ad immaginarsi la rivalsa di una stazione puramente dedicata al Funk che si impossessi di tutte le radio del pianeta), e riferimenti al clima generale di discriminazione razziale degli stati uniti di quegli anni, contesto in cui si inserisce per l’appunto la nascita dell'afrofuturismo e dell’idea di una casa per tutti gli extraterrestrial brothers, anche se l’intento dell’autore è meglio espresso con le sue stesse parole, dicendo: «Put niggas in places that you don't usually see 'em. And nobody had seen 'em on no spaceships! Once you seen 'em sittin' on spaceships like it was Cadillac then it was funny, cool.» Se l’album va quindi considerato come un’opera inscindibile, devo dire che il mio brano preferito resta comunque il primo, “P-Funk (Wants To Get Funked Up)” (niente da fare, sarò sempre un sucker per annunci parlati di questo tipo all’interno di una canzone), mentre quello che ho capito meno è “Handcuffs”, che mi è sembrato un po’ fuori posto all’interno dell’esperienza, interrompendone il flusso teatrale cozzando un po’ con la trama del disco. Devo ammettere che la lunghezza dei brani ogni tanto mi tentava di saltare a quello successivo, ma penso che questo sia un problema in comune un po’ a tutti, trasformati in un gruppo di criceti affamati di dopamina, e non tanto dell’album, che giustamente si prende il giusto tempo necessario a lenire l’anima dell’ascoltatore con il suo groove spaziale. In conclusione, questo è un album da riascoltarsi ogni tanto, per intero, in tutti quei momenti in cui ci sentiamo schiacciati dalla pesante banalità dell’essere e sentiamo bisogno di una ricarica sotto forma di funkadeliche vibrazioni cosmiche. Gli darei un 8.5 (o ★★★★☆) , un album veramente ben riuscito, che, anche se non totalmente di un genere che mi attira, riesce con la sua originale comicità e con il suo groove a catturarmi, come se fossi vittima di un raggio traente. Un album che rivisiterei con piacere qualche volta, ma che non sento di inserire nell’olimpo dei miei preferiti.

Devo ammettere che non mi è piaciuto molto. Più che altro le canzoni mi sembravano un po’ tutte uguali e non sento che l’album mi abbia detto qualcosa. Certo, chi sono io per dubitare che per x ragioni “At Newport 1960” dei Muddy Waters meriti un posto nel canone della musica occidentale, ma oltre a dei vocals anche buoni del cantante e dei fraseggi carini al pianoforte, non ho sentito nulla di particolarmente interessante e tutti i brani mi sono sembrati uguali tra loro. Brano preferito è “I’m Your Hoochie Coochie Man”: tra tutti mi è sembrato quello più energico e interessante musicalmente. Magari in futuro potrò apprezzare meglio quest’album. Gli darei un 3/10, o un ★★☆☆☆. Esperienza dimenticabile.

Tentando di ascoltare attivamente “Modern Sounds in Country and Western Music” di Ray Charles, questo mi è risultato un po’ noioso e monotono, in quanto le canzoni mi sembravano suonare tutte allo stesso modo, come se fosse tutto un’unica lunga canzone; ascoltato facendo altro, invece, l’album si è rivelato una musica di sottofondo davvero gradevole, e le canzoni che normalmente mi avrebbero dato sui nervi per il loro suonarmi tutte simili tra loro si sono invece trasformate in un caldo e piacevole sottofondo musicale che, da un lato, forse anche grazie alla sua monotonia, ha il pregio di essere poco distraente, e dall’altro, paradossalmente, è riuscito a non stancarmi, nonostante la continua ripetizione di brani che mi sembrano tutti uguali fra loro, ma, anzi, ad avvolgermi in una accogliente atmosfera senza sembrarmi invadente, che ho trovato particolarmente adatta alla lettura. Probabilmente non ho l’orecchio per questo genere di musica, pur immaginando sia stato molto popolare ai suoi tempi. Immagino che, a ruoli invertiti, anche un ascoltatore degli anni ‘60 considererebbe il pop moderno sgradevole. Come dargli torto. Potrei considerare di usare l’album come musica di sottofondo in futuro, ma sicuramente non andrò a cercarmelo per ascoltarlo attivamente. Gli darei un 4/10, o un ★★☆☆☆.