1001 Albums Summary

Bueno, comenzamos este viaje visitando estos 1001 discos. Voy a hacer, si tengo paciencia y consistencia, una pequeña crítica de cada uno, solo para dejar mis pensamientos asociados a ellos. Creo que ya debo haber escuchado la mayoría, pero comenzamos con uno que no conozco. Siempre es injusto juzgar un disco desconocido, el trabajo de un artista, a partir de un par de escuchas, especialmente cuando uno no está familiarizado con el género que hace. Si conozco el trabajo de Dagmar Krause en el proyecto inglés alemán Slapp Happy. Esperaba encontrar algo similar a eso, pero nada que ver. Todo el disco parece haber sido compuesto por Hans Eisler con música de Bertold Brecht y tiene ese sonido cabaretero que mucho no conozco. Otro problema (mío) es que el disco tiene MUCHAS canciones (más de 20) y al no estar familiarizado termina sonándome todo muy parecido, con una producción similar en las canciones y la voz de Krause que tal vez no sea la indicada para el género (me suena muy aparatosa una alemana cantando en inglés para este tipo de música, como cuando escucho discos de la gran Nico, pero que parece aprovecharse de esto). Las últimas canciones del disco parecen ser más interesantes, en mi humilde opinión, que la primera parte. Algo que le puede interesar a alguien (si le muestro estas pequeñas revisiones a alguien más) es que este disco tiene músicos que participaron en Frank's Wild Years del enorme Tom Waits.

Hacía años que no volvía a reescuchar este disco. Tiene un je ne sais quoi que me aleja: su propuesta no me resulta atractiva. Sin embargo, si hubiera que juzgar a este disco por su importancia habría que ponerle no cinco, sino 10 estrellas. Antes de votarlo y ponerle 3 estrellas decidí escucharlo otra vez. Y ahí vuelvo a entender lo importante y significativo que es este trabajo. Me resultan desagradables las últimas dos canciones, las más experimentales del proyecto. Y podría vivir sin Run Run Run y tal vez I'll Be Your Mirror. Pero las otras canciones son fantásticas. Mi favorita es, y no creo estar solo, Venus in Furs, oda al sadomasoquismo con la experimental viola de John Cale. Pero realmente la calidad de todo este trabajo es muy alta: cuando lo iba a reescuchar me había olvidado de algunas canciones: qué las canciones que canta Nico no son muy buenas, qué Waiting for the Man es medio repetitiva y tiene una melodía tonta, qué Heroin es una canción larga donde no pasa nada. Pero no, mi memoria probó no ser segura (otra vez más): la voz de Nico en canciones como All Tomorrow's Parties es perfecta (tal vez sí no me interese tanto como suena en Femme fatale), I'm Waiting for the Man tiene pequeñas sutilezas que la hacen interesante, además de describir a la New York gritty de una forma que cientas de canciones de Frank Sinatra y similares nunca habían hecho, y Heroin es una canción envolvente y atrapante que no me aburrió ni me dio sensaciones de déjà vu pese a sus 7 minutos de duración. Por todo esto voy a subir la calificación a 4 estrellitas, aunque sea probable que no vuelva a escuchar este disco por un largo periodo más. Lo disfruto, entiendo su importancia, pero también consigue saturar.

Si está este disco es probable qué estén todos los de los Doors (o al menos cuatro). Está bien, no son discos malos. Pero me hace preguntar cuántos discos de artistas como Spinetta, Serrat, Silvio Rodríguez, Chico Buarque o demás artistas periféricos puede haber en esta lista. En fin, el disco está bueno. No me parece de los mejores discos de los Doors porque no me interesa tanto el sonido más "blusero" que tiene este disco (ojo Morrison Hotel y el primero también lo tienen, pero me parece que está mejor hecho en esos). Así, canciones como Been Down So Long, Crawling King Snake, Cars Hiss by My Window y The Wasp me aburren un toque. Creo que deberían haber quitado alguna de éstas, porque es un disco laaaargo (56 minutos). Después hay dos temas que no me gustan mucho, pero tienen momentos interesantes, como The Changeling (buena música, la letra me parece medio pelotuda), y L'America (en mi opiniónla peorcita de las canciones no bluseras) El resto del disco es excelente y hace que no pueda ponerle menos de 4 estrellas. Como toda persona normal (?) mi canción favorita es Riders on the Storm con ese piano mágico que nos hace saber que estamos ante un clásico. Pero las otras canciones están muy buenas y tienen un plus que no tienen los primeros discos de la banda: no están quemadas. Love Her Madly es un TEMAZO, con unos teclados y una melodía lírica bastante juguetonas. Y no la vas a ver en ningún greatest hits. Hyacinth House también es una gran canción (que no recordaba tanto, tal vez por estar en la 2da mitad del disco, entre canciones que no me gustan tanto. Y por supuesto, la canción homónima que es brillante. En fin, muy buen disco y gran cierre de la carrera de Jim Morrison.

Gran disco. Otro que hace mucho que no escuchaba. Estas bandas norteamericanas de hip hop siempre representan un desafío para los que no hablamos inglés de manera nativa. Siempre hacen mucho hincapié en las letras (naturalmente) y exceptuando tal vez los estribillos, son siempre una ametralladora de versos: uno atrás del otro. Como discos de Bob Dylan pero reproducidos a doble velocidad. Al menos personalmente, siempre me pareció más sencillo escuchar discos más producidos (Kanye West), más cercanos al rock (The Roots) o al Pop (Eminem). Y siempre es así, excepto cuando no. The Low End Theory es un disco perfecto. Incluso las canciones que me gustan menos (Vibes and Stuff, Skypager) tienen algo para mostrar; las letras, si bien personalmente no me interesan tanto son ejecutadas con un flow perfecto (hasta donde entiendo la mayoría hablan sobre el hip hop, sobre ellos cantando hip hop, sobre ser trues y demás cosas que conforman uno de los tropos del hip hop, eso sí, hechos con buen gusto y sin putear demasiado). El disco además omite uno de los grandes vicios del género (especialmente en los 90s), al no tener ningún desagradable skit Lo que caracteriza a este álbum (y donde creo que radica su originalidad, si bien un especialista del género me podría decir que estoy siendo un imbécil) es en su mezcla de hip hop con jazz: y ahí los tipos encuentran oro. Si no recuerdo mal, es en la primera canción donde Q-Tip nos dice algo como que "mi papá escucha hip hop y nos dice que eso se parece al be-bop" (igual me doy cuenta que en varios de los precursores del hip hop como The Last Poets o Gil Scott Heron esta continuidad ya está explícita): más allá del paralelismo entre ambos géneros, lo que hace maravillo a este disco es la producción minimalista con samples muy bien elegidos de jazz. Todas las canciones tienen algo para mostrar: ¿Mis favoritas? Posiblemente la primera, la ya mencionada Excursions. Pero también quiero destacar a Verses from the Abstract, Jazz (We've Got) y Scenario. Pero realmente son todas las canciones buenas. Este es el primer disco 5 estrellas que me tocó.

Eh... impresiones encontradas. Escucho a este disco más que cualquiera de los que me aparecieron (por ahora), pero es el efecto nostalgia. Por ahora es el peor disco, y es peor que el primer disco de Oasis. "(What's the Story) Morning Glory" nos muestra a la banca estancada, incurriendo en los mismos vicios que en el disco anterior pero con menor retorno: canciones que tal vez duren un poco más de lo que deberían y melodías fantásticas ocultas tras walls of noise tan altas que harían a Roger Waters obnubilarse "Did they had to be so high?": Parece que sí, Roger. No está todo perdido: el disco es irregular y las canciones BUENAS son mejores que las canciones de Definitely Maybe, y eso es lo que le garantiza a este disco sus tres estrellas: el single Don't Look Back in Anger (mi favorita del disco), Champagne Supernova, la infravalorada She's Electric y Roll wit It elevan al disco, mientras que los más de cinco minutos que duran Some Might Say, Morning Glory y Hey Now! lo hunden. No es solo la duración de canciones, sino las constantes citas a otras bandas como T.Rex, así como la comparación (que hago yo) con otras bandas de la época que son muy superiores a ellos, como Ocean Colour Scene. En fin, tres estrellas para Morning Glory.

Otro disco que hacía mucho que no reescuchaba. Este tampoco me gustaba mucho pero, en este caso, mi memoria no me traicionaba. No entiendo mucho su importancia histórica ni porque merece estar en esta lista. ¿Por un éxito meramente comercial? ¿Por haberle introducido el reggae a cabezas blancas y angloparlantes? ¿Por ser el regreso triunfante de un Clapton acosado por sus demonios, años después de que otros músicos como Jimi Hendrix hubieran muerto? No lo sé, pero no me interesa para nada. Dicho esto, el segundo lado del álbum es MUY superior al primero. El primero es una porquería, tenés al clásico tradicional de blues Motherless Children, canción super lúgubre, hecha medio poppy y upbeat. Daría a entender que Clapton no entiende la letra. Después tenés un tema de blues de Clapton que en mi humilde opinión no aporta nada, y no uno, ni dos, sino TRES canciones de reggae (incluyendo I Shot the Sheriff, la más conocida del disco y la única que me parece algo interesante, aunque sea por ganchos y por nostalgias). El segundo lado es mejor. Por un lado tiene a la que es lejos, lejos, lejos, lejos, lejos la mejor canción del disco y una de las mejores canciones de Clapton. Este disco tiene 2 estrellas y una es por ella. La mejor, la soñada, la indiscutible Let It Grow. Además hay un tema de blues de Willie Dixon que está bien, Please with be me y Mainline Florida, que son las otras dos canciones del disco que están buenas, y un tema más de blues medio genérico. En suma, en este disco tenés tres canciones buenas (superlativas), un cover que está bien, y lo demás es medio pelo. Si vamos, por otro lado, a considerar originales, Clapton compuso solo tres canciones en este disco (una en coautoría): una es la mejor del disco; las otras dos pertenecen al lado uno, el lado de la muerte. En fin, peor disco (por ahora) que veo en los 1001 discos: 2 estrellas.

Soy de la minoría que prefiere Fear of Music (en mi opinión es un poco más punk, con canciones con más ganchos y más cortas, más directas). Pero es imposible negar que este es un disco perfecto. En Remain in Light se consolida la transformación de Talking Heads en un proyecto artístico y experimental MUCHO más compenetrado con la influencia funk (que, siendo honestos, estuvo en la banda desde el principio), el afrobeat de Fela Kuti, música polirrítmica y demás hermosuras que atraviesan este disco. Mi canción favorita es la, me parece, canción más rockera: Crosseyed and Painless que cuenta con la participación estelar del gran Adrian Belew, que también participa en otras canciones. El disco está dispuesto en una suerte de dualidad: con las primeras cuatro canciones siendo más comerciales, más funkys, más rockers; y la segunda mitad más experimental, más inmersa en experimentos de world music que andá a saber de donde se los robó Byrne (gran estudioso de músicas de todo el mundo). Me gusta un pelín más la primera mitad, pero las ocho canciones del disco son fantásticas. Segundo disco CINCO ESTRELLAS que me tocó.

Otro que hacía mucho que no escuchaba. Gran disco. Me debato entre el cuatro y el cinco. Creo que no es tan bueno como Remain in Light pero me parece mejor que L.A. Woman. Finalmente me decanto por el 4. Está más cerca de ese valor. El disco es impecable, pero tal vez tenga excesos con los solos y en el minutaje de algunas canciones. Esto se ve en la canción más conocida del disco, Child in Time. Es un temazo, no quiero ser mal interpretado, pero dura más de 10 minutos y no estamos hablando de una suite progresiva que amerite esa duración. Le sobran un par de minutos, no jodamos. Obviamente es un merecido clásico, con la secuencia clásica del órgano de Jon Lord y los uuh uhhh de Gillan... que van in crescendo y ahí se levanta la bestia, Blackmore y se pone a patear traseros y es todo espectacular. Y después aparece otra vez Lord y dice "Ritchie, te quiero acompañar con mis teclados re locos". Y después por el minuto 6 todo para y volvemos al principio, y la canción se alarga cuatro minutos más. Las mejores canciones, en mi humildísima opinión, son las más cortas: son concisas y van al punto: haciendo un riff, un estribillo o un solo cuando corresponde, con una brutal precisión. Y es una lástima porque, si bien este disco es un clásico, estas canciones son las que nadie menciona nunca: Bloodsucker, Into the Fire y Living Wreck (esta última siendo mi favorita del disco). Pero bueno, son todas buenas. La que menos me gusta es Speed King. Una lástima porque el mejor usuario del viejo foro de rock.com.ar había elegido esa canción como nick. Pero arranca medio fea y, como pasa con Child in Time, creo que se excede unos minutos. Es un rock and roll salvaje y brutal, me gustaría que dure tres minutos y que se acabe dejándonos la sensación de que fue corta. Mi favorita de las largas es Flight of the Rat. De vuelta, tal vez sería mejor que durara un minuto menos, pero no sabría bien que recortarle. Cada cosa que hace Blackmore en este tema es genial. En síntesis: gran disco. Super importante y el que puso a Deep Purple en la cresta de la ola. Posiblemente sea el mejor disco de la Mark II, si bien es discutible. Creo que solo le faltó un poquito de edición en las canciones más largas para darnos un disco verdaderamente perfecto.

Seguimos con los discazos. Como pasó con In Rock estoy entre el cuatro y el cinco, y otra vez me voy a desencantar por el 4. Solo porque hay como 7 o 8 discos de Dylan que para mi son 5 estrellas. Este podría ser tal vez el disco que menos me gusta de él, de los que más me gustan de él, si es que eso tiene sentido. Como todo el mundo sabe la primera cara es eléctrica, la segunda acústica. Dylan estaba buscando expandir su paleta desde el disco anterior (Another Side of Bob Dylan), que me gusta bastante menos y acá termina de consolidar esa transición a una paleta nueva de sonidos, letras y sensaciones. Y creo que queda claro en la primera mitad del disco, con una selección de canciones que va para todas partes. Dylan se siente comodísimo haciendo este tipo de canciones. Aquí está mi canción favorita del disco, la clásica Love minus zero/No limit (que es una de esas canciones que le recomendaría a cualquiera que esté buscando adentrarse en la discografía de Dylan: es tan BUENA la melodía que duele). Pero son realmente fantásticas las cinco: Subterranean Homesick Blues es una de esas canciones que pasan una vez en la vida, una canción fantástica que podría ser el símbolo de la contracultura norteamericana de los 60s. Brillantemente poética y surrealista al mismo tiempo que refiere el zeitgeist de la época: palabras como verdades, crítica política, lírica beatnick: todo cantado rápido, sin dejar respiro; Maggie's Farm y Outlaw Blues son dos grandes canciones (especialmente la primera) en las que el maestro se acerca al blues como tal vez nunca antes y nunca después lo haya hecho; completa el primer lado la hermosísima She Belongs to Me y la surrealista Bob Dylan 115th Dream, que tal vez se hace un poco larga y se asemeja un poco a los experimentos líricos de Another Side of Bob Dylan pero, gracias a una mayor velocidad en la ejecución vocal y el acompañamiento musical la hacen mucho más entretenida que las canciones "largas" del otro disco. Quedó sin mencionar On the Road Again, la peor canción del primer lado (¿Y tal vez del disco?), que es afortunadamente breve. El segundo lado tiene solo cuatro canciones. Voy a comenzar diciendo que Mr. Tambourine Man no me gusta mucho (y es, junto Knocking on Heaven's Door el peor "clásico" de Dylan en mi opinión). Este tema y On the Road Again son las que hacen que me termine decantando por el 4. Los otros tres son temazos. El mejor sin dudas es It's Alright Ma (I'm Only Bleeding), una de las mejores canciones de este artista. Mi 2do tema favorito de este disco y merecidísimo clásico. Gates of Eden podría haber estado en Another Time of Bob Dylan. Es una canción que no desentonaría junto a Chimes of Freedom o My Back Pages, al mismo tiempo que es mejor que esas canciones. Y cierra con la bellísima y emotiva It's All Over Now, Baby Blue. Es curioso. Este disco me gusta menos que Highway 61 Revisited y Blonde on Blonde (y varios otros), pero al mismo tiempo, siento que es un disco con más clásicos que todos los otros, con la mayor parte de estas canciones habiendo sido tocada numerosas veces tanto en recitales de la época como en otros conciertos de Bob muy posteriores. Es de esos discos que nos dejan con la sensación de que cada canción es un clásico.

La Banda sensacional de Alex Harvey es un proyecto con el que nunca me interioricé mucho. Creo que es distinta mi experiencia con este disco que con Tank Battles. Yo había escuchado, aunque poco, a Next, mientras que con Tank Battles ésto no había pasado. Al mismo tiempo, yo sí estoy familiarizado con Slapp Happy, la banda que supo tener Dagmar Krause en los 70s, mientras que esta banda medio que ni fu ni fa. Sé que son una banda de glam, de las que están en la 2da mitad de tier list, sé que son más rockandroleros y cabeza, y escuché un par de discos de ellos (incluyendo Next) sin que me hayan provocado una sensación memorable. ¿Qué cambia ahora, habiendo escuchado Next un par de veces más con mayor detalle? No mucho, la verdad. Son rock and roll (tema uno del disco) y boogie (tema dos del disco) con cero pretensiones. Suenan bien, pero también hacen música medio pelotuda. Creo que no destacan. Yo prefiero mi glam más sesudo (Roxy Music, Cockney Rebels) o más histriónico (Bowie, Mott the Hoople), y dentro del más rock and rollero me quedo con el gran Marc Bolan y, si necesito una dosis extra de actitud cruzo el océano y me quedo con los New York Dolls. Otro minus del disco es que, como Deep Purple con su superior In Rock, es imposible no sentir que las canciones se ALARGAN unos minutos de más. La mayoría de ellas, al menos. Y las mejores. Mi canción favorita es The Faith Healer, pero tiene una introducción que se alarga por dos minutos y medio. Es la canción más seria, la más épica. El tema en el que ellos dicen "bueno, vamos a dejar de hacer boogie boogie y vamos a patear algunos culos" y, sacando algunos ruiditos medio infantiles y campanitas que cada tanto aparecen, y esa introducción larga es una muy buena canción. Tan buena que ha sido interpretada por mejores artistas que Alex Harvey (qué me perdonen). El gran Fish tiene una EXCELENTE versión de este tema. Gang Bang está bien también, pero es solo un boogie pelotudo y divertido. Re bien tocado, con arreglos de vientos muy simpáticos. Pero es eso, un boogie pelotudo. No es el único, el track 4 del disco, Giddy up a ding dong también es un boogie pelotudo. Mucho más pelotudo. Es la peor canción del disco. Por suerte también es la más corta. Además de Gang Bang y The Faith Healer me gustó la última canción, aunque también tiene problemas: The last of the Teenage Idols. Es la canción más larga del disco, pero en este caso su duración está más justificada porque tiene distintas partes, aunque igual se podría decir que todas estas partes se estiran un poco: la canción empieza como una balada que se va electrificando, esto da paso a la parte más glam de la canción, un rock and roll que arranca por los tres minutos: es super genérico pero espectacular (me gustan los arreglos de vientos) y engancha perfecto con la primera parte de la canción. Es un tema que suena divertido tocar y que debía ser divertido verlos ejecutar en un show. En los últimos dos minutos la canción da lugar a un doowop. El paso de rock and roll a doowop es más forzado (y da cuenta de las limitaciones de la banda): parece que priorizaron el concepto por sobre la composición. Las otras canciones cumplen y están bien. Swampsnake, referida pero no mencionada al principio es un rock and roll competente. No aporta mucho, pero está bien tocado. Casi 5 minutos: ese es su problema; la canción homónima está bien, pero es medio pelotudo. Es un "tango", noten las comillas; o sea, no es un tango real, sino la cosa que los gringos interpretan como tango. Está bien ubicado por la mitad del disco, proporcionando cierta "variedad" al álbum, pero la canción no parece cambiar mucho en sus cuatro minutos de duración. Otro rock and roll es Vambo Marble Eye. Es un poco más interesante: es una especie de rock and roll genérico mezclado con Doctor John, y después en el estribillo recuerdan que son una banda glam, repitiendo el título de la canción en una melodía muy buena (que no renuncia a las vibes Doctor John). De vuelta: 4 minutos, 25 segundos. Y también cuenta con una letra medio pelotuda. Humorística en este caso. Es una curiosidad, pero una que dura más de lo que debería. Estoy entre dos o tres estrellas. Me inclino por lo segundo, considerando otros ratings que hice. Este disco no es mucho peor que What's the Story Morning Glory y es mejor que 461 Ocean Boulevard, pero es un TRES ESTRELLAS débil.

Uff, discazo. Gran sorpresa de la lista. Mi canción favorita es la primera: "Plástico". Posiblemente la primera canción que haya escuchado de Rubén Blades (no me acuerdo si este disco o Buscando América fue lo primero que escuché). Una canción MUY actual para escuchar en la Argentina de Milei, en el Brasil de Bolsonaro o en cualquier otro de nuestros países tan vapuleados: "Era una ciudad de plástico De esas que no quiero ver De edificios cancerosos y un corazón de oropel Donde en vez de un Sol amanece un dólar Donde nadie ríe, donde nadie llora Con gente de rostros de poliéster Que escuchan sin oír y miran sin ver Gente que vendió por comodidad Su razón de ser y su libertad" Impresionante. "¿Qué falló?" Se preguntan Blades, Colon en la canción y es imposible no hacerse la misma pregunta. Los arreglos de la canción también son buenísimos. Una cosa que me encanta de Rubén Blades, pero que creo es común a la salsa, es como en las outros el tipo empieza a decir cosas, muchas improvisadas, muchas veces humorísticas. Obviamente, el disco tiene mucho más para ofrecer. Está la "mejor canción" de Blades. Al menos para casi todo el mundo: Pedro Navaja, gran personaje del inframundo. Imaginario, pero no tanto. Todo el mundo conoce este tema, así que no me voy a detener en él. Solo voy a recomendar que tiene una segunda parte, Sorpresas, que me gusta más y creo que no recibe tanto amor. Otro tema que me parece fantástico es María Lionza (la canción se refiere a una deidad venezolana producto del sincretismo religioso). Con Plástico me parece la canción más alejada de la salsa. Desconozco si la música tiene motivos musicales venezolanos. Es posible que sea así, porque la precusión es más prominente y, en mi opinión, muy afro (más allá de que en la salsa haya obviamente mucha influencia de África). La otra canción para destacar es la homónima, "Siembra", que es un temón que podría ser el soundtrack de una película imaginaria sobre la liberación de América, con unos arreglos orquestales de otro planeta. El disco se completa con unas tres canciones algo menores: dos más romanticonas: Buscando Guayaba y Dime, y una más salsera típica: Ojos. Gran disco. Aquí me dirimo entre 4 o 5 estrellas, pero me decido por CINCO porque las canciones que me gustan, me gustan MUCHO. Es un disco de 9/10 estrellitas.

Primal Scream, Primal Scream... banda RARA. Banda que saca un disco y no sabés que verga esperar. Realmente. Hay MUY pocos artistas que logran eso. Dicho eso, Screamadelica es un trabajo que nunca me interesó mucho. Es mucho mejor que los dos que hicieron antes, sin duda alguna. Pero lo mejor todavía está por venir. ¿Como definiría al sonido de Screamadelica? Como si los Rolling Stones en su peak se hubieran consumido una banda de barbatúricos con un amigo DJ. Y eso es un poco el combo que hace este disco: Rolling Stones + Psicodelia + House. Y a mi me pierden en la parte House. La electrónica no es de mis géneros favoritos. Nunca lo fue. Pero la electrónica de fines de los 80s y principios de los 90s me parece la peor. Suena BOBA. En algún momento, fines de los 90s, principios de los 00s, se volvió más sofisticada. Pero en los 90s, sacando a popes como Richard James, deja mucho que desear. Y eso lo noto canciones de este disco: Slip Inside This House: canción que dura más de cinco minutos, con un ritmo monótono que no cambia nunca. Es buena la canción. Pero es buena A PESAR de eso. Es buena por el "solo" de guitarra que aparece en los tres minutos, es buena por la cítar medio tecno que tiene... pero la parte electrónica (incluyo también al teclado) la hacen muy monótona. Y es un disco LARGO, de más de una hora de duración, con canciones así: con muchos elementos dance que alargan el trabajo innecesariamente. Discos como este tendrían que tener una "Dance version" con remixes todos estirados para bailar. Pero esto no es música para ñoños sedentarios que les gusta sentir como se va acumulando tejido adiposo en sus arterias. Don't Fight It, Feel It es todavía peor, sin elementos Stones que rediman al tema y alargándose por 7 minutos. Durante esa longitud (tres canciones de los Beatles) aparecen por momentos algún tecladito o alguna guitrra que podrían llegar a construir algo, pero se quedan en la nada. Y decepciona: está este disco y seguro que no está Clics Modernos. Yanquis putos: ptiú ptiú (escupidas). Después viene Come Together: diez minutos. Repito: diez minutos. Lo peor es que ni siquiera me parece bailable o memorable. Esta canción tiene como tres cosas: samples de un predicador, ritmo dance ad infinitum y un canto gospel que dice "come together, together as one". Y en la segunda parte de la canción (es decir, en los últimos 5 minutos, las 3 cosas aparecen a la vez, con un tecladito-viento (¿o será un sample?) que se añade. Aburridísima. Y este creo que fue el primer single del disco. Y bueno, el final. Al final tenemos un dub de Higher than the sun. Completamente innecesario. Las canciones en las que el elemento dance se encuentra minimizado son las mejores: Movin' On Up, Higher Than the Sun (mi canción favorita del disco, soy una oveja), Inner Flight, Damaged. El primero es una gran canción perdida de los Rolling Stones. Si para Exile on Main Street hubieran elaborado una canción gospel bien poderosa y muy producida, podría haber sido esa. Higher Than the Sun es una gema pop que no excede los 4 minutos. Con tiene algunos elementos dance, pero solo refuerzan la melodía de Bobbie Gillespie. Mismo los teclados bellísimos que acompañan a la canción. Este tema, a diferencia del resto del disco, fue producido por The Orb y está Kris Weston como invitado. ¿Recuerdan que había excepciones a la electrónica de estos años oscuros? Ahí hay otro nombre clave. Inner Flight, por su parte, tiene una base electrónica medio minimalista, siendo el tema medio psicodélico, medio sesentoso y principalmente instrumental. Le noto ciertas vibes de Beach Boys a este tema. Es "bello". Damaged es otra canción Rolling Stones. Es la canción que en un disco de los Stones te canta Richards. Gran tema. No tiene nada que ver con el resto del disco y destruye por completo su flow, pero está muy bien. Deberían haberla puesto en el superior Give Out but Don't Give Up. Y también destaco como buena, aunque podría estar en la próxima categoría: Shine Like the Stars: un cierre minimalista que tiene el disco, bastante tierno. Es beneficiado porque dura menos de 4 minutos. En un disco como éste eso es un plus. Produce un efecto similar a Good Night después de Revolution Night: es el final de la pesadilla. Después está Loaded: es otro tema dance que se alarga por 7 minutos, pero es más soportable que los otros mencionados. Tiene buenas guitarras (muy Rolling Stones) y los synths-vientos están bien. Si la canción no se extendiera por 7 minutos estaría buena. Y también tenemos a I'm Coming Down: una canción lenta y minimalista con un saxo (o un sample de saxo) bastante bueno. Le pasa parecido, el tema está bien, pero se estira por 6 minutos. El final es bueno though. Es complicado ratear este disco. Serían 2 o 3 estrellas. Me voy a inclinar por DOS. El tema es que tiene cosas muy buenas y siento que es un poco injusto. Pero las cosas MALAS son muy malas, y muy largas. Rompe las pelotas escuchar este disco. Gente, escuchen cualquier otro disco de la banda: Give Out but Don't Give Up, XTRMNTR, Vanishing Point, Evil Heat. Les prometo que son mejores.

Gran disco. Me parece bastante atípico. Como dice todo el mundo, esto es punk acústico, gente. Punk acústico. Es raro de pensar. Pero además, es un disco adelantadísimo. Hay canciones de este disco que me hacen acordar un poco al gran Billy Bragg, un músico contemporáneo; otras en las que el canto de Gano tiene una onda a un Syd Barrett (un poco más explosivo. Pero además el disco tiene cosas que parecen adelantadísimas. No sé si estoy loco o simplemente soy divertido, pero yo escucho en este disco cosas de bandas tan disímiles como los Smiths o de Pixies. Además las canciones son todas super pegadizas y atractivas. Y es un disco VARIADO. ¿Qué canción me gusta más? Difícil saber, porque las 10 canciones son buenas pero bastante parejas, y no es uno de esos discos que escuche constantemente y me sepa de pe a pa. Me puedo inclinar por la última canción, "Good Feeling", una balada excelentemente colocada al final. También me gustan las canciones más punkies, más rocanrolleras, como Add It Up o Blister in the Sun, pero son todas realmente muy buenas. Por ahí las que tienen un ritmo un poco más lento como Please Do not Go son un poco más pelotudas, pero es un disco excelente. Le pongo un 4, porque si bien todas las canciones me parecen muy buenas y como dije al principio, creo que es un disco que avisora el futuro, también me parece que es uno de esos discos que no son parte de mi, que nunca supe o pude apropiarme y los siento como un poco ajenos a mi vida.

Carajo. Se me borró la reseña. Voy a sintentizar lo que recuerde que había puesto: este es un gran disco, le pongo 5 estrellas (sería un 9/10 como Siembra). Spiritualized es un gran combo de neopsicodelia, rock and roll y música religiosa y creo que este disco es el mejor para empezar a escucharlo y no el tal vez más popular Ladies and Gentlemen (que tiene mejores canciones, pero también peores). Este disco en cambio es muy parejo aunque perjudica que las canciones estén medio en bloques. Mi canción favorita es Shine a Light (como la de casi todo el mundo, creo); me gustan mucho también If I Were with Her Now, Smile y el cierre del disco. Todo el disco es bueno, pero tal vez lo peorcito es Take Your Time (que irónicamente dura mucho tiempo) y Run, que es muy reminiscente de The Velvet Underground y corta un poco el trip. Eso, in a nutshell.

Lindo disco. Nunca me gustó tanto como los otros de los 90s, pero creo que ahora que lo escucho siendo más viejo me gusta más. En su momento, cuando le entré a Björk. Había canciones que me parecían medio una porquería: muy tecnosas. Y otras muy melosas. Por ejemplo, la única canción que no es de ella: Like Someone in Love. En su momento me parecía aburrida. Una canción romántica de 4 minutos donde Björk estaba acompañada solo por un arpa (creo que es un arpa). Claro, no sabía ahí que era un standard de jazz, no conocía otras versiones de esa canción. Ahora, claro, me parece mucho mejor. ¿Qué canciones me gustaban cuando era chico? No tantas: la primera, siempre me pareció FANTÁSTICA: Human Behaviour. Creo que Björk siempre la rompió con las primeras canciones. Por ahí en los últimos discos donde hace música más rara la rompió un poco menos, pero incluso allí. Y la última parte del disco me pareció siempre muy buena: se acerca un poco más a la Björk de Post y Hegemonic: es Björk siendo Björk: Violently Happy: otro temazo, Aeroplane es una canción buenísima con todos esos vientos extraños super imbricados; Come to Me es una canción perfecta con arreglos super sutiles y atípicos como la tabla india (¿quién verga puede hacer eso aparte de Björk?; The Anchor Song una canción atípica pero con una instrumentación rara que siempre me pareció simpática; el bonustrack Play Dead, oscurísimo y fantástico (sería mi canción favorita si estuviera en el tracklist original; como no está me inclino por el primer tema). El resto del disco no me gustaba tanto, ahora en general mi opinión cambió. Me sigue sin convencer One Day. Ya critiqué la electrónica de principios de los 90s en la review de Screamdelica. Con este tema pasa un poco lo mismo. Igual es mucho mejor que los temas de electrónica de ese día, pero las vocesitas sampleadas y algunos de los arreglitos me parecen medio pelotudos; There's More Life than this, por otro lado, era una canción que me parecía inescuchable la primera vez que escuché este disco y ahora me parece buenísima. Björk ahí encontró algo que el resto del mundo no. Al disco le pongo 4 estrellas, me parece que es la puntuación precisa. Es un disco bueno, pero lo mejor todavía está por venir. Igual me gustaría escuchar algo como esto otra vez, donde se prioricen las melodías más que un concepto.

Este es el primer disco que no voy a reescuchar. Siento que ya lo conozco mucho y es parte de mi ADN. Es un disco fantástico, pero que no le alcanza para las 5 estrellitas por la inclusión de un par de canciones que no me gustan mucho. ¿Qué es Led Zep III? Es el disco de folk de Zepp. Un primer lado variadito. Un segundo lado de folk puro y peludo. ¿Qué vale la pena? Casi todo. Mi canción favorita es el blues Since I've Been Loving You. Es el mejor blues de Led Zeppelin en mi humilde opinión: no es moco de pavo. La canción de ROCK, Inmigration Song, también es fantástica. Gran apertura del disco. Siento que los chicos quisieron ponerla al principio para decir "disfruten chicos, ya cumplimos; ahora vamos a hacer lo que queremos". Pero es un temazo. Celebration Day también me parace espectacular: otra canción donde se rockea un poco, pero ya mezclado por folk; y dentro de las folk me gustan sobre todo el cover Gallows Pole, un tema de folk tradicional... la versión que hace Zeppelin es DEMENCIAL; Friends y Bron Y Aur Stomp. Las otras no me gustan tanto, pero están bien. Creo que en el balance le pondría un 5 (9 estrellitas) pero lo que lo termina tirando para abajo es el último tema Hats Off to Roy Harper, que siempre me pareció una pérdida de tiempo. Todo bien con Roy Harper. Es un capo. Pero esta canción es una falta de respeto. Prefiero recordarlo como el único hombre no integrante de Pink Floyd que hace una lead voice en uno de sus discos.

Seguimos con discazos. Este es uno que no tengo escuchado de pe a pa debido a su extensión y sus 17 canciones. Siempre que tengo ganas de escuchar a John, generalmente voy a otro de sus primeros discos, mucho más escuetos; o a alguno de los últimos, porque el tipo tuvo un gran comeback. Este disco tiene igual temas tremebundos que me vuelven loco. Las mejores: Mi canción favorita del disco es la primera: Funeral for a Friend / Love Lies Bleeding, que también es una de las primeras canciones que me gustaron de él. A mi John siempre me gustó más como compositor y como pianista que como cantante (su voz es demasiado perfecta). Y la primera mitad de esta canción, los primeros 4 minutos, me parecen gloria pura. Después maduré y me empezó a gustar como canta John, así que también pasé a disfrutar mucho la 2da mitad de la canción, más rockera. Otra canción fantástica 10 estrellas es la homónima, Goodbye Yellow Brick Road, con una letra buenísima y conmovedora (prefiero pensar que no es un mensaje de Taupin para John, eso le quita algo de magia) y una melodía eterna. Otra canción espectacular es Grey Seal (¿La canción infravalorada del disco?: es un art rock perfecto, con tal vez la línea de bajo más memorable de todo el disco. Es una canción que siento que si estuviera en otro disco con menos canciones hubiera sido el highlight; al mismo tiempo esta canción me parece superior a otras que sí fueron hits como Candle in the Wind, así que no sé. Otro temón: I've Seen That Movie Too. No sé si no es la 2da mejor canción después de Funeral for a Friend. Lo que hace John con el piano es espectacular. Y la letra!? Impresionante. The Ballad of Danny Bailey: posiblemente la mejor canción del 2do disco. Por alguna razón creo que hubiera sido una gran canción de Lennon. Social Disease: El disco vuelve a repuntar al final: Social Disease es un temazo mucho más memorable que los anteriores. Un pop muy melódico donde John se acompaña con un banjo que le da un factor un "toque" más country: una canción divertida en un momento en el que el disco se estaba volviendo aburrido. Harmony: el cierre del disco: una balada pop perfecta de las que solo John nos puede dar. En este disco se extrañaron (está Candle in the Wind que no me gusta mucho), pero viene al final y hay recompensa. Las que están bien: Otro hit del disco fue Bennie and the Jets. Está bastante bien. Me gustaría que durara un poco menos, pero es innegable la melodía que tiene. Y es una canción en la que John se suelta, ¿no? Siento que en un disco con 10 canciones sería una cosita más acotada y no se hubiera convertido en el hit que fue. This Song Has No Title es divertidísima, pero dura solo 2 minutos. Es difícil no verla como una coda a GYBR. Me hace acordar a esas canciones de Queen de vaudeville que me parecen divertidísimas pero tmb sé que son un poco pelotudas. Sweet Painted Lady también está bien. Lo que pasa es que es el tema 9 y, a esta altura, quiero MÁS Y MÁS como Karina (?). Es un tema simpático que en otro disco con menos canciones me gustaría más. Me hace acordar un poco a Francia (no sé si es la intención) con ese acordeón. Las canciones 11-14: están bien pero es una secuencia de 15-16 minutos de rockandrolles medio genéricos (un tema más twist que rock and roll): por separadas estas canciones son buenas (de hecho Saturday's night... fue single y es un buen single): todas juntas son mucho de lo mismo, y llegando al final del disco. Roy Rogers: está bien, pero me aburre un poco. Es el tema 15 del disco, quiero un tema que destaque acá. Las que no me gustan: "Candle in the Wind" es una canción que no me gusta mucho; nunca entendí a Marilyn Monroe, me parece sobrevalorada. Y cuando después le re-dedicó el tema a la pelotuda de Lady Di es peor. Me cuesta mucho disociar el tema de eso. No sé, está bien, pero prefiero skippear este tema. "Jamaica Jerk-Off" es un tema influenciado por el reggae. Bastante pelotudo. Seguro: es mejor que los intentos de Eric Clapton por emular este género, en un disco que ya revisé y que no debe ser mencionado. Al menos es solo UNA canción, y es relativamente divertida, si bien, boludona. En suma, es un disco excelente. Agrupé las canciones en tres categorías; la peor solo tiene dos canciones (y estoy seguro que la mayoría discreparía con una de esas dos), pero son muchos temas, muchos, muchos, muchos. Y es un disco que creo que pierde con tantas canciones. Hay discos como el álbum blanco que me parecen perfectos por sus imperfecciones; y hay otros como éste en el las imperfecciones son solo imperfecciones. Por todo esto le pongo 4 estrellas. Pero no se equivoquen. Algunas de las mejores canciones de John están acá.

Soy una persona de Argentina, descendiente de europeos, nacido en la segunda mitad de los 80s. Hay pocas cosas que me puedan ser tan ajenas como un disco en vivo de soul o proto soul grabado en los primeros años de los 60s en EEUU, y sin embargo este disco me lleva ahí y me siento parte de una fiesta. Me parece rarísimo que exista esto, es una anomalía. ¿Cuántos discos hay anteriores al 67 o al 68 que suenen ASÍ DE BIEN y que no sean de jazz? No se me ocurre ninguno. La selección de canciones es perfecta (solo falta el mejor tema de Sam Cooke, que iba a aparecer en el siguiente disco en 1964), los músicos están afiladísimos (amo la batería del disco) y se nota que la gente está pasándola genial. Otra cosa que creo que hace este a este disco buenísimo es que Cooke parece estar con toda la frula encima, hablando todo el tiempo. Introduce canciones, le habla a la banda, canta, intercambia con el público... todo de una manera fluida y super natural. Y no tengo mucho más para decir al respecto. Es un disco cortito, en vivo, que suena muy bien, con un banger atrás del otro. Mi tema favorito es Chain Gang, pero todo el disco es realmente muy bueno. Nunca me pude enganchar con ningún disco de Sam Cooke. Murió demasiado joven y en su época los álbums tenían demasiado relleno y estaban muy orquestados. Este es el disco de él que hay que escuchar. Y en mi humilde opinión es uno de los mejores vivos de todos los tiempos. Increíble que la discográfica haya decidido esperar 20 años para publicarlo. Cinco estrellas.

Bueno, hay que ratear esto. No conocía al disco. A la banda solo de nombre. ¿Me gustó? Definitivamente no. Fue duro, sobre todo al principio. Los AHHH AHHHH de Skunk, la primera canción, y que mencionaran al pelotudo de Weird Al Yankovich me hicieron pensar que esto era una especie de parodia del blues y el garage rock. Estuve tentado a ponerle una estrella y seguir de largo. Por suerte insistí y lo escuché un par de veces más. Me sigue sin parecer muy bueno, pero alcanza las dos estrellas. El poroto que tienen es por hacer una especie de revival del garage rock en los 90s. Son unos White Stripes adelantados. Mucho menos talentosos que Jack pero quizás un poco más que Meg jaja. Y mucho más punkies. Y eso es un poco todo lo que es este disco: una amalgama garage, blues y punk, grabada medio para el orto. No le di mucha pelota a las letras, pero viendo la actitud de la banda y los títulos de las canciones, creo que hice bien. El disco empieza muy mal. Se empieza a volver escuchable a partir del track 5. No entiendo porque el disco está entre los 1001 discos. ¿Habrá sido muy popular en EEUU? No lo registro. No entiendo su importancia como para incluirlo acá. Por lo general no hay canciones memorables, no te vas a quedar con ninguna melodía tarareando en la cabeza. ¿Temas a destacar? El primero, sin dudas, Skunk: si hay algo que todos (lo que participemos acá) vamos a recordar de este disco es esta canción y sus primeros segundos AHHHH que hacen una buena presentación del disco; 2Kindsa of Love está "bien", si bien tiene un riff feo que se mantiene durante casi toda la canción, es algo RECORDABLE, y el estribillo está simpático. La que le sigue, Love of me, está simpática. Es cortita y no molesta. Es la que podría haber sido grabada con mejor calidad y estaba bien. ¿La mejor canción del disco? Es muy probable. La que sigue también está bien, Chicken Dog, con cositas interesante con la guitarra. Estas tres canciones están bien, pero después el cantante borracho hace una impresión de Lou Reed bastante mala y volvemos a foja cero. Y después el tipo vuelve a imitar a Mick Jagger. Me imagino a Lou y Mick tomándose un par de birras y después ir a la casa del cantante a pegarle en las "partes bajas". Después el disco vuelve a repuntar un poquito con Can't Stop y Firefly Child (esta última también puede ser la mejor canción del disco), pero después cae otra vez. Y después rescato Get Over Here casi al final. ¿Soy un Patriota por haber escuchado este disco varias veces en vez de ponerle un uno? Creo que sí. En fin: dos estrellas, pero es un dos estrellas débil: serían 3/10 estrellitas. Me inclino por el 2 y no por el 1 porque en algunas canciones se ve algo de talento, y chusmeando las reviews vi que varios le pusieron un 1 sin pasar por más de un par de canciones. Comprensible, pero igual es un poco injusto ratear antes de escuchar. Por suerte ya vi que el que me tocó después es de Radiohead.

"¿Sos un soñador que querés arreglar el mundo? Yo me voy a quedar en mi casa eternamente, donde 2 + 2 siempre es 5" Así abre este disco genial. Otro que podría referirse al mundo de hoy, al de la posverdad y el oscurantismo medieval en el que vivimos. Yo pensaba ponerle a este disco 4 estrellas, porque Radiohead tiene tres discos que me parecen mejores que este, pero después de escuchar los primeros segundos, y a medida que fui reescuchando el disco le tengo que poner las 5. Es un 9/10 estrellitas, un 5 débil. Pero le tengo demasiado cariño a este disco como para ponerle menos: 2+2= 5, Sail to the Moon, Where I End and You Begin, There There (mi canción favorita del disco), We Suck Young Blood, A Punch Up at the Wedding y A Wolf at the Door están entre las mejores canciones de la banda. O sea, 7 de 14 canciones están entre las MEJORES canciones de la banda. Y el resto del disco está muy bien también: Scatterbrain, Sit Down, Stand Up, I Will, Myxomatosis... son muy buenas. Hay un par de canciones que no me gustan mucho. Un par de canciones DE CATORCE: Backdrifts es la "mayor ofensa". Simplemente porque es una canción que no me dice mucho y dura más de 5 minutos. Entre comillas, tampoco está mal. Hay efectos con la guitarra que están buenos. Algunos electrónicos también. The Gloaming es la otra que nunca me convenció mucho, pero su electrónica es más interesante. ¿Y qué es Hail to the Thief? Es un disco que rompe con su pasado reciente, los electrónicos Kid A y Amnesiac, con Johnny Greenwood volviendo a agarrar la guitarra para patear culos. También creo que es el disco más cancionero de Radiohead, tal vez junto a The Bends y In Rainbows. HTTT es el disco con más canciones de la banda y es el disco que tiene más canciones cortas (si bien también Backdrifts y There There superan los 5 minutos y hay otras cuantas que duran más de 4). También es el disco más variado de la banda: tiene canciones como Backdrift que podrían haber estado en Amnesiac o Kid A, más electrónica y con weas raras; tenés canciones que rockean como 2+2=5, Go to Sleep o There There; baladas radioheadianas como Sail to the Moon a A Punchup at a Wedding, y también tenés canciones raras que solo Radiohead puede hacer: la marcha fúnebre de We Suck Young Blood, el recitado (super melódico) de desgracias como A Wolf at the Door o la pequeña balada minimalista de I Will. Después están las letras. Este sería el disco "político" de Radiohead, como dije al principio. Un comentario pelotudo porque Radiohead casi siempre fue político. ¿OK Computer y Kid A no son discos políticos? Pero sí es un disco que tomó inspiración a partir de los discursos de Bush y su Guerra contra el Terror. Dicho eso, Radiohead siempre fue una banda muy inteligente y va más allá. Todo bien con American Idiot y ese tipo de discos, pero Hail to the Thief no es un disco anti-Bush, sino que refleja el estado de neurosis y psicosis que tenemos las personas comunes en la vida moderna. Los Bush son la consecuencia (y tal vez también la causa) de eso, pero el tema es la vida de hoy. Entonces, tenemos letras que son explícitamente políticas, como 2+2=5 (que describe la distopía orwelliana en la que estamos viviendo hace 20 años) o ese lamento a las corporaciones (los vampiros de la vida real), We Suck Young Blood; pero también tenemos canciones que hablan sobre la distancia que hay entre las personas, como Where I End and You Begin, o sobre las neurosis que aquejan al hombre cotidiano (A Wolf at the Door). Hasta la tapa es totalmente icónica, presentando distintos carteles y panfletos que nos forman y deforman. En fin, DISCAZO. No es tan bueno como Kid A, Ok Computer y A Moon Shaped Pool, pero eso solo nos muestra lo increíble que es esta banda.

Jane's Addiction es una banda que me gusta, pero no tanto, y nunca entendí el appeal para que sea nombrada en todas partes como una de las grandes bandas de rock. ¿Tal vez sea porque es una banda de rock mainstream que se animó a rockear en la época de peinados raros y glam estilizado? Puede ser, pero Guns N' Roses también, y son mucho mejores. ¿Precursores del grunge? Pero si Pixies y Dinosaur Jr. ya existían. En fin, no lo entiendo mucho. Tienen, sí, un elemento de psicodelia que no era tan común en el rock mainstream de los 80s. Kudos por eso. Nunca me terminó de cerrar la producción del disco, pero lo que creo que siempre va a alejarme de esta banda es la voz de Perry Farrell. Me irrita mucho el chabón. Por otro lado, las guitarras de Dave Navarro me parecen espectaculares, y creo que no me aburren en ningún solo tema. ¿Se imaginan si a Navarro le hubiera tocado estar en una banda con un cantante que no fuera insoportable? Es como esas personas que siempre entran en relaciones donde el hombre les pega y les trata mal. En fin. El disco me parece que es muy parejo. No tiene TEMAZOS que destaquen, pero tampoco tiene BASURA. Si te gusta la propuesta de la banda esto te va a parecer un discazo, y si no te gusta te va a parecer un dispositivo para torturar disidentes en Guantánamo. Para mi están bien pero con un cantante que no soporto, así que le pongo tres estrellas. ¿Mejores canciones? No sé si tiene mucho sentido porque, como dije, todo el disco es muy parejo, pero voy a mencionar Mountain Song como mi favorita; Ocean Size y Summertime rolls como las mejores; e Idiots Rule como la peor.

Antes era todavía bastante más pedante que ahora. Y miraba con mucho rechazo los 80s. Los 80s no eran como los 70s donde había música de verdad como Pink Floyd o Led Zeppelin. No eran como los 90s donde la cordura había vuelto gracias a bandas como Radiohead o artistas como Tori Amos. Eran una década oscura en la que aparecieron cacosos como George Michael y Mike and the Mechanics, y los artistas buenos como Elton John, Stevie Wonder y Yes entraron en cualquiera. La línea George Starostin que todo melómano ñoño tuvo alguna vez. Ahora, en esa nube de pedos en la que yo estaba, siempre había excepciones: los 80s también nos habían dado a Nick Cave and the Bad Seeds, la mejor banda de la historia, a los Talking Heads, a Morrissey, Talk Talk... y a The Blue Nile. Ahí fue cuando conocí a esta banda y, particularmente, este disco (siempre pensé que el sucesor Hats era más popular; así que es una grata sorpresa verlo aquí), que me encantó: estos eran los 80s BIEN HECHOS. Y no fui el único (por algo el disco está acá), y se ve en el nombre del género: "esto es sophisti-pop. Es sofisticado, no es pop mersa como Madonna o Cyndi Lauper". En fin, más allá de lo despreciables que éramos (o somos) los que alabábamos a esta banda por esas razones, tanto en los 80s cuando salió este disco como, en mi caso, en los 00s, lo cierto es que no hay con que darle a este disco. Es un disco que, si bien no escucho todos las veces que se merece, es perfecto, y es imposible no escuchar la perfección. La producción es inmaculada y fantástica. Creo que es de público conocimiento que este disco nació por razones publicitarias: los tipos habían grabado un sencillo y una empresa los contrató para que muestren lo bien que sonaban sus productos; el resultado fue tan bueno que la empresa terminó financiando este disco. Y se nota mucho. Es un disco que suena perfecto incluso hoy, la producción no envejeció nada. Y otra cosa que hace fascinante a este disco es la variedad: cada canción es bastante diferente entre sí, mostrando distintos matices y efectos. Y al mismo tiempo cada canción es parecida: son todas canciones entre 4 y 6 minutos, minimalistas con un Paul Buchanan fantasmal que nos habla desde una noche alejada y distintos efectos, arreglos y orquestaciones sintetizados con instrumentos. Mejores canciones: todo el disco es bueno, pero destaco sobre todo las canciones Tinseltown in the Rain y Heatwave. Diría que son, junto a Stay, las más pop del disco. Le pongo cuatro estrellas. El disco es un 8/10 redondo.

Posiblemente el primer disco de hip hop que haya escuchado en mi vida (este o uno de Public Enemy). Un amigo de la universidad, Fernando, escuchaba mucho hip hop y, durante nuestros interminables intercambios sobre música, siempre me decía que yo tenía que escuchar a Nas. Y yo escuchaba a Nas, sobre todo a este disco, y me parecía una reverenda porquería. Todo bien con Fernando, pero tenés que ser un poco pelotudo para tener a un yanqui joven que habla sobre la marginalidad neoyorkina como máxima evidencia, ¿no? Más allá de todo el talento que tiene Nas, es algo demasiado ajeno a nuestra realidad. Es un poco como ser Johah de Veep. Otro amigo, Rafaela, me recomendó unos años después My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye, que definitivamente cambió mi percepción sobre el género. Y recién ahí pude empezar a apreciar a Nas, y sobre todo a Illmatic, por la grandeza que tiene. ¿Cuál es la fuerza de este disco? Tiene una gran ventaja respecto a otros discos, tanto de Nas como de otros músicos de la época: es super conciso: es un disco inmersivo que te cuenta una historia desde el principio (la intro The Genesis y NY State of Mind), donde se describe la sórdida realidad de los negros pobres de Nueva York, en el que Nas emerge hasta el final "Nas will prevail" (en It Ain't Hard to Tell) en menos de 40 minutos. No explotan la capacidad del CD para darnos 70 minutos de contenido, y no tiene skits molestos de gente garchando, gangsters pegándose tiros o interludios humorísticos que pierden su gracia para la tercera vez que los escuchás. Y cada canción tiene algo para decir. La recordamos por x o por y. Tanto las canciones que me gustan como las que no. Es el caso de Life's a Bitch. Nunca me gustó mucho el estribillo, "Life's a bitch and then you die, that's why we get high 'Cause you never know when you're gonna go". No niego su potencia lírica, pero siempre me irritó la ejecución de AZ. Dicho eso, recuerdo Life's a Bitch, entiendo su mensaje, su importancia. ¿Con cuantas canciones de It Was Written... pasa lo mismo? Ni con la mitad. Y eso que It Was Written... es un buen álbum. No estamos hablando de Distant Relatives, for Christ sake. ¿Cuáles son las canciones que me gustan más? Creo que mi tema favorito es inusual, Halftime. Los samples de la Average White Band son perfectos, y también ese bajo con todo el groove del mundo. La melodía es buena y la letra también. El otro gran highlight del disco es el último, It ain't hard to tell, donde Nas se corona como nuevo campeón de la escena. Tanto en el disco como en la realidad. Me encanta como está usado el sample de Human Nature (Me debe gustar Large Professor). En general todas las canciones son buenas, y solo mantengo cierta distancia porque realmente son temas muy alejados de mí. Memory Lane y One time 4 the Mind deben ser las peores canciones, junto a The Genesis (que está bien pero es solo una introducción). Con Life's a Bitch no conecto nada, tampoco con Represent... aunque reconozco su importancia. The World is yours y One Love en cambio me gustan bastante más (sin llegar a la altura de Halftime). Ah, otra cosa que tengo para destacar de este disco es que salió en 1994, pleno auge del gangsta rap, y Nas consigue hacer un álbum que atraviesa problemáticas similares a las del género sin caer nunca en él, mostrando así la flexibilidad tanto del hip hop como una forma de arte, así como de Nas como artista. Cuatro estrellas.

Nunca conecté con Incubus. Probé varias veces con tres discos: SCIENCE (me acuerdo que en el foro de LIA había un personaje con la tapa del disco como avatar), con este y con Morning View. Y no sé, reconozco el talento y virtuosismo de la banda, pero cuando termina el disco me quedo sin ningún recuerdo efectivo de las canciones. No sé, todo bien con la gente a la que le gusta esto, pero para mi siempre va a ser una segunda marca de Faith No More. Ni siquiera los singles me parecen muy memorables. Vamos a ver, voy a poner acá las canciones que me gustan a medida que vayan apareciendo: Nowhere Fast está buena, tiene efectos con la guitarra que son interesantes que parten de la melodía vocal (pero que tampoco es muy memorable, no me extraña recordar poco de este tema); The Warmth es bastante mejor. Mucho más memorable la melodía vocal (más que a Patton me parece que acá se copiaron de Kiedis y los RHCP) y el tema de vuelta tiene cosas muy interesantes con la guitarra. Potencial mejor canción del disco; Make Yourself también está bien: es más punky y radio friendly; después de ese tema viene Drive, canción más pop que también está bien. Obvio single del disco. Por ahora es la 2da mejor canción después de Warmth: de vuelta me parecen alucinantes los arreglos con las guitarras. Out from Under: el último tema es uno de los mejores, es de los más agresivos del disco, y eso es algo que me parece que la banda debería hacer más. Las otras ("Meh"): la primera canción me parece un mal opener, muchos scratches y muy genérico; Consequence: tmb menor: tiene una melodía simple pitipitití, pitpipipitú que primero se hace de forma desnuda con la guitarra y después viene en forma de explosión y distorsión; When It Comes es super genérica, me aburre y no tengo ganas de escribir tanto; Clean tiene como mucha intro y construcción pero no llega a nada; Battlestar Scrachláctica es una verga (iba a poner Garchláctica): es un tema instrumental que no dice nada. La única canción mala del disco; I Miss You es un temita menor, una balada de menos de 3 minutos, en un disco con mayor contenido me caería mejor que acá; Pardon Me, otro sencillo del disco también me parece un toque genérico. No sé, me da lástima no poder conectar con esta banda. Es un tipo de música que ME DEBERÍA GUSTAR, pero no conecto, no conecto para nada. No entiendo cuál es la gracia de este disco. Tiene potencial para crecer, pero todavía no llegó ese momento. Le pongo 2 estrellas. Sería un 5/10 para mi.

Abandoné por un par de días este coso. Pasó lo siguiente: este disco no lo tengo muy escuchado (le tengo cariño a The Three EPs pero no me enganché mucho con lo demás que hizo la banda) y PASARON cosas: el miércoles estuvo el cierre de campaña en Buenos Aires de LLA, haciendo un acto en el que fue muy poca gente y fue muy divertido burlarse de ellos (noche twittera) y el jueves salió SILKSONG. Todo bien con el 1001 albums generator, pero un hombre tiene necesidades, amirite? En fin, Heroes to Zeros está bien pero es un poco decepcionante. Es The Beta Band intentando llegar al mainstream. Nunca entendí porque, porque creo que ya habían decidido separarse después de este disco. Y es un problema un The Beta Band más mainstream, más pop, más accesible... porque Beta Band no hace música más mainstream más pop, más accesible. Lo digo de otra forma: esta es música agradable, pero no se me queda en la cabeza, no tiene melodías espectaculares que tarareo mientras lavo mis turgentes pectorales en la ducha... es música que se queda a medio camino, y eso es un problema. Estoy siendo muy crítico y no es la idea. El disco ESTÁ BUENO. Simplemente se nota que quisieron dar un salto al pop, de ser más como U2 y no lo consiguieron: no es tan memorable..., pero sí es un disco agradable. Por ahí en varios años me termina de hacer click y digo "ah, no, esto es buenísimo", pero parece poco probable. Sobre canciones: hay algunas que creo que podrían haber sido grandes canciones con algún estribillo más pegadizo o incluso con un cantante más adecuado para este tipo de música; otras son canciones que "están bien": no sobresalen pero tampoco son malas, tienen arreglitos y soniditos simpáticos (el disco lo mezcló, después de todo, Nigel Godrich, pero no se le puede pedir mucho más). Canciones que banco: Space: Empieza medio pelotuda y tal vez lo sea, pero los arreglos están buenos y nunca deja de ser interesante. Desconozco si fue single pero podría haber sido el tema del disco. Lion Thief: También está bien. Es la primera canción muy Elbow del disco. Como es la primera todavía no aburre el efecto. Y está muy buena la electrónica de la canción. Lindo título jaja. Out-Side: Otro claro para sonar en las radios (como el primer tema y Wonderful). Este es el mejor del montón. Rhodendron: Es muy simpática. Me hace acordar a música de Charly García. Y eso es una cosa buena. Hay como unos ruidos de distorsión que me caen medio para el orto. Simple: La mejor canción del disco, sin dudas. Anticipa un poco a Vampire Weekend, pero menos freak. Es VW haciendo una canción más normalita. Canciones que no banco mucho: La primer canción: una declaración de principios: "Queremos ser U2". James quiso ser U2 y le salió bien. A ustedes, muchachos, no tanto. Easy: lo más cerca a una canción mala del disco. Quiere cancherear y ser sassy. No lo consigue. Wonderful: Claro single del disco. Si bien tiene algunos leves toques psicodélicos que están buenos, la veo apuntando a la radio con demasiadas ganas. Y es un tema largo, dura como 5 minutos. Canciones como Space Beetle o la última: son canciones breves con arreglitos de Godrich copados. Están bien, pero siento que no van a ningún lado. Bueno, y toda otra canción que no nombré. Tres estrellas, pero son tres estrellas que duelen: Si hubieran tenido un poco más de pelotas o si el disco tuviera una GRAN GRAN canción hubieran obtenido 4.

Discazo. Y gratísima sorpresa que esté incluido en los 1001 discos. Le voy a poner 5 estrellas solo por fanboy, jaja. Hablando en serio, es un disco buenísimo: las 12 canciones son buenas y hay una que podría estar entre las mejores canciones de los 90s (How Could I Be Wrong). No sólo eso, sino que es una banda con una propuesta sonora original. ¿Cuántas bandas conocen que tengan un cello como uno de los instrumentos principales? (En este técnicamente Banbury todavía no era miembro de la banda pero está en casi todas las canciones). Y es una banda con letras de la grandísima San Puta, y encima cínicas y misántropas como son las mejores de todas. Y no sé, todo el disco increíble. La mejor canción sin dudas es How Could I Be Wrong: el puente con el cello me pone la piel de gallina. Tenían demasiado talento estos tipos. Pero realmente son varias las canciones que me gustan acá: Bailed Out es una canción que nadie generalmente destaca, pero es buenísima. El cambio de arreglos en el 2do verse es tremendo. Y el último minuto, oh por Dios. Junk Shop Clothes con todos sus tecladitos tan ingleses (sonido que iban a continuar y mejorar en Now I'm a Cowboy): es bellísima. Después está Don't Trust the Stars: una de mis canciones favoritas del disco (Cuando empecé el borrador la había puesto como otra candidata a mejores de los 90s, lo quité porque tal vez sea una opinión demasiado personal): es una especie de rock and roll auteriano, cortito, con una letra super contundente. Y es todo el puto disco así de bueno. Porque después viene Starstruck que es otro temazo. Y después está Housebreaker, y después las últimas canciones que también son magníficas. ¿Cómo describirlo a alguien que no lo conozca? Es difícil: es como un disco de Oasis (pero bueno) con cello, cantado por Bob Dylan con letras de Nick Cave. Los cuatro discos de la banda son recomendadísimos para todos.

El mejor disco de Simon & Garfunkel en mi opinión. Yo divido a la discografía de la banda en tres etapas: 1. Etapa religiosa: Wednesday Morning 3 AM; 2. Simon & Garfunkel Classic (1966-68): Sounds of Silence, Parsley... Bookends; 3. Emancipación de Paul Simon: Bridge Over Troubled Water. Y es así porque creo que este disco tiene más en común con los primeros discos de Simon solista, los grandes Paul Simon, There Goes Rhymn' Simon y Still Crazy antes que con los otros discos que valen la pena de S&G. Eso se nota principalmente en la incorporación de otros ritmos y géneros a la música de la banda (trend que efectivamente había iniciado en Bookends pero que acá es donde se consolida y domina todo el disco) y especialmente en la inclusión de la tradicional canción peruana El cóndor pasa. Yo creo que esta es una de las peores canciones del álbum (no es decir mucho porque todas las canciones son bastante buenas), pero lo importante acá es que la incorporación de la llamada "world music" es un elemento que en la carrera solista de Simon se iba a profundizar cada vez más. Es fácil darle este mérito a El cóndor pasa porque es una canción popular peruana, pero en otras canciones como Cecilia se puede escuchar también la incorporación de distintos elementos de world music. Por otro lado la mejor canción del álbum es, sin duda, la canción homónima (sí, soy una oveja). Obra maestra de la música popular que va cada vez más para arriba y para arriba hasta que termina. También creo que es la única canción en la que Simon deja que Garfunkel brille: "Vos tenés mejor voz que yo entonces este es tu momento, pibe. Aprovechalo porque el resto del disco es solo mío". Mis otras canciones favoritas son The Boxer, un temazo que puede interpretarse como la despedida de Simon and Garfunkel, ya que es una de las primeras canciones que fueron compuestas para el disco - junto a Baby Driver que no me gusta tanto- y es la que sonoramente se parece más al sonido clásico de la banda. Es un pedazo de canción folk con arreglos muy bellos que nos cuenta la historia de un boxeador y, dentro de ella, Simon nos pinta también un cuadro de la pobreza en EEUU en la década de 1960. The Only Living Boy in New York, una canción sobre la inminente ruptura de la banda (entre otras cosas) es otro de los highlights del disco. Keep the Customer Satisfied, que tiene un poco de rockabilly también es una gran canción que destaca. En síntesis, tenemos un gran disco. No es parejo porque tiene cuatro o cinco canciones (las que nombré) que destacan sobre el resto, pero las otras no son malas y es un disco que no aburre. Hay dos o tres que creo que no están a la altura de las circunstancias y hacen que le baje un puntito: Baby Driver y El cóndor pasa no me gustan mucho, pero la principal responsable es Bye Bye Love: es una canción pelotuda que no tiene, en mi opinión, razón de ser en este disco. Tal vez también la hayan puesto por la inminente ruptura de la banda; tal vez se hayan quedado sin otras canciones para poner en el disco. Lo cierto es que no es muy buena y desentona con el disco: es un cover, es un tema en vivo metido en un disco de estudio, el sonido es claramente peor al resto del disco y, como dije, es un tema medio pelotudo. Deja un sabor un poco amargo (si bien la pequeña y bella Song for the Asking levanta un poco al final). Pero sacando eso es un muy buen disco.

Veo esa tapa y escucho "War, War Never Changes", aunque ninguna canción del disco está en los juegos (después de todo es música instrumental). Bueno: The Atomic Mr. Basie es un buen disco. Tengo, en general, una gran deuda con la música de big bands. No es lo mío. Voy poco a poco. Con el único con el que me pude adentrar en profundidad es con el gran Duke Ellington. Entonces, no sé como este disco se configura dentro de la discografía de Count Basie. Entiendo lo que repiten todos: que esto es como un "last big hurrah" de las Big Bands en el contexto en el que surge el rock and roll. Por supuesto que no comparto para nada: el mencionado Ellington siguió pateando culos hasta su muerte (y de hecho me gustan más sus últimos trabajos, con mejor producción: Afro-Eurasian Eclipse no tiene nada que envidiarle a sus primeros trabajos); el gran Charles Mingus (al que me cuesta considerarlo como un director de Big Band porque lo quiero mucho más, pero era un músico de Big Bands) tenía casi todo por hacer. Incluso podemos considerar a piezas excelentemente ponderadas como The Grand Wazoo de Zappa como Big Band... Africa/Jazz de Coltrane también... en fin, hay varios discos posteriores. El disco: está conformado por 11 canciones todas compuestas y arregladas por Neal Hefti, un trompetista cuya obra no conozco para nada. Me imagino que trabajó en soundtracks o arreglando música para orquestas. No es uno de esos nombres que conocemos todos. Y las canciones en general no son muy conocidas, no son grandes standards del jazz. Y es que en realidad no parecen tan interesantes, comparados con otras cosas que se hacían en la época. Lo que sí son tremebundos son los arreglos: esto es, obviamente, una big band, y están los instrumentos de viento dándole murra mientras está por detrás Count Basie haciendo magia con el teclado. Esto sucede, por ejemplo, en The Kid from the Red Bank, la primera canción del disco, una de mis favoritas del disco. Otra que destaco es Flight of the Foo Birds, y acá tenemos el caso inverso del anterior: Basie acompaña, igual que la batería y el contrabajo (aunque la batería se nota más porque es una canción movidita) y los vientos hacen el trabajo: otra vez, no me parece que sea un tema de composición, porque la melodía básica parece simplona, sino que son los solos que hacen los vientos líderes los que hacen que el tema destaque. Y un poco es así el disco: es una especie de Manual de estilo de la Big Band: tuvimos todas estas décadas donde perfeccionamos este tipo de música, y las aplicamos para hacer este disco. Se nota el talento presente. Lo que creo que falta es la presencia de un autor. Es una película sobre el holocausto o la esclavitud destinada a ganar el Oscar: le falta el amor de un director, si bien los actores se rompen el orto actuando para que la película funcione. Y consecuentemente con eso, me parece que las canciones tienen más o menos la misma calidad todas. Destaco, además de las ya mencionadas Midnite Blue y la última; pero realmente están todas al mismo nivel: están bien y hay buenas interpretaciones, pero me hace extrañar a Duke Ellington. Igual puede ser que con las escuchas este disco suba de nivel, veremos. Tres estrellas.

Menos de treinta discos y ya dos de Spiritualized? What are the odds? (Porque me imagino que son los únicos dos de los 1001 discos que aparecen). Espero no contradecirme con esa otra review. En fin, este también es un gran disco y fue mi puerta de entrada a la banda. Creo haber dicho que tiene mayores altos que Lazer Guided Melodies pero también puntos más bajos. Lo sostengo. La fórmula también se mantiene: Psicodelia + gospel + rock and roll. Este disco tiene, además, un componente extra, está más orquestado. Esto se nota sobre todo en mi canción favorita del disco (y posiblemente de la banda), Broken Heart: me hace llorar. Es conmovedora. Y en el tema homónimo que abre el disco, que también es muy bello. Y también Cool Waves, que es además más gospel. Estas tres canciones son excelentes. La otra que AMO con toda mi alma es Come Together: esta es gospel también pero rockea de puta madre. Qué temazo la concha de Dios. Es la parte más psicodélica del disco la que no me agrada tanto. Especialmente el último tema, Cop Shoot Cop, que dura 17 minutos (!!!), pero también I Think I'm in Love, No God Only Religion, The Individual... todas estas canciones tienen sus momentos, pero es mucha música drogueta. Igual está bien, la banda es así. Se llama Spiritualized y miren la tapa del disco. Es un disco con excelentes canciones pero demasiado largo y con muchas que se estiran con drones o psicodelia droguetta. Eso hace que no sea para escuchar muy seguido o para que se lo escuche pero más como música de fondo. Y es una lástima porque las canciones buenas son mucho muy buenas. Le pongo 4 estrellas.

Qué discazo. Estoy entre las cuatro y las cinco estrellas. Esta vez me inclino por las cuatro por el pésimo cover de Let's Spend the Night Together y porque voy a reservar las cinco estrellas para Ziggy (si está este disco, va a estar el otro). Pero es un disco espectacular. Yo creo - nótese el verbo, no tengo evidencias - que Bowie se apresuró para sacar este disco porque tenía 3 o 4 TEMAZOS que quería publicar rapidamente. Porque me parece que este disco es desparejo. Tiene a una de las mejores canciones de Bowie de esta época - por no decir de todas sus épocas: Time. Una canción apropiadamente inmortal. Bowie en su lugar más histriónico. También son alucinantes la canción homónima Aladdin Sane (¡ese piano!) y el infravalorado cierre, Lady Grinning Soul. Estas tres canciones son increíbles y creo que se puede decir que superan todo o casi todo lo que Bowie hizo en Ziggy, Diamond Dogs, Hunky Dory, etc. Casi todo el resto del disco lo veo como un disco de rock and roll glam, bastante más sucio que Ziggy, bastante más interesante que Pin Ups: esto lo disco sin querer desmerecer el disco, pero un poco lo desmerece, ja: Watch That Man, The Jean Genie, Panic in Detroit, Cracked Actor son solo rock and roll. Muy buen rock and roll, pero son solo eso. De éstas, mi favorita es Cracked Actor. Definen un poco el estilo del disco (cuando pienso en Aladdin Sane primero pienso en el rock and roll; después me acuerdo que tiene Time y mi estimación sube más). El disco además tiene dos muy buenas canciones más "suaves" que tranquilamente podrían estar en Ziggy Stardust: la balada Drive-In Saturday y la poppy The Prettiest Star, que creo que debería ser más conocida. En fin, un muy buen disco, manchado solo por el cover de los Rolling Stones. Un ocho fuerte o un nueve débil.

Hace MUCHO que no escuchaba este álbum. A priori pensaba ponerle 3 estrellas. Siempre lo vi como inferior a Return to Cookie mountain y Dear Science, mis favoritos de la banda. Pero después lo volví a escuchar y nah, son todos temazos. Está bueno esto de revisitar discos que hace mucho que no escuchaba. Dear Science (y lo que hicieron después) son trabajos más catchy que retienen un poco de la locura que la tenían; Return parece el mix perfecto entre melodía y locura, pero este disco lo recordaba como demasiado experimental. Bobadas: el disco mola. La canción que recordaba del disco es el que, creo, fue el single, Staring at the Sun (que es una regrabación; el tema ya estaba en el EP que habían sacado uno o dos años antes), pero hay varios otros que ahora estoy redescubriendo. Escuchen Poppy, por Dios, una amalgama rarísima pero maravillosa entre unos coros a capella, una percusión africana y una guitarra drone que distorsiona como loca: la combinación de estas cosas parecería a priori una porquería pero no lo es: "es un TEMAZO" decreta Luis XIV. Y yo coincido con él. Otro es Wear You Out, la canción más larga del disco, un temazo que arranca siendo un temazo lento pero con un patrón rítmico bastante inusual, y es una de esas canciones que son lentas pero que sabés, olés, intuís que va a venir un in crescendo, y el in crescendo viene y "es increíble" dice Iván el Terrible mientras toca la balalaika, y yo coincido. Este temazo tiene una de las mejores apariciones de instrumentos de viento (saxofones y flautas) del disco. El otro que tiene unos vientos que me hacen caer del culo es el primer tema "The Wrong Way", otra canción del disco que recordaba. Es rarísimo este tema pero está buenísimo. Es una especie de mezcla entre Roxy Music y Radiohead. Espectacular. "Dreams" es otro temazo, una especie de dance punk atípico. Con "Staring at the Sun" es la otra que tiene alguna vibra de sencillo del disco. Y "Ambulance" también me gusta mucho. Sí me parece que el disco se queda sin gas para el final: Don't Love You y Bomb Yourself se asemejan a ese recuerdo que tenía de la banda. Tienen sus cosas, eh. Bomb Yourself por ejemplo tiene patrones de batería y guitarra atrevidos que aparecen y desaparecen sin pedir permiso. Pero no me convencen como canciones, sino que los considero más bien experimentos. En fin, cuatro estrellas.

Soy un pésimo oyente de música clásica. Escucho poco, pero aparte escucho mal. Puedo decir "me gusta la Eroica de Beethoven o el Requiem de Mozart", pero no puedo decir "ah, qué interesante los arreglos de Karajan o Barenboim en esta interpretación de Beethoven. Hace que se me caiga el monóculo de la emoción". No tengo ese bagaje cultural. Digo esto porque, por esa misma razón, siento que no puedo apreciar Pictures at an Exhibition como corresponde. Esta es la única versión de esta obra que conozco. ¿Puedo disfrutar (o aborrecer) los arreglos que ELP hizo sin conocer ninguna otra versión? Me parece que no. Solo puedo considerar este disco en sí mismo o en comparación con el resto de la discografía de ELP. Entonces, ¿Me gusta o no me gusta? Más o menos. De los discos que valen la pena de ELP me parece el menos interesante. Es un disco que, me da la impresión, fue producido por una cuestión de ego: "Somos tan capos que podemos interpretar, ya no una composición como Mars o Bourée, sino que interpretamos una obra entera. Y lo hacemos en vivo porque somos así de capos". Parecen ostentar eso. Y, al mismo tiempo, hay partes de la obra que son muy bellas como la acústica The Sage y otras que muestran un virtuosismo excelente como la más rockera The Hut of Baba Yaga (me mata ese bajo), mi canción favorita del disco o la épica The Great Gates of Kiev. Creo que estas tres son las grandes canciones del disco, no sé si hay dudas al respecto, pero este disco solo tiene cinco canciones que superan los tres minutos, y las tres mencionadas son tres de ellas. También tenemos a The Gnome, que me parece un tema en el que ellos solo quieren mostrar lo virtuosos que son (es la primera canción del álbum, luego de Promenade, un tema pequeño de menos de 2 minutos que presenta el leit motive de Pictures at an Exhibition (repetido en el tema 3 y también en The Great Gates of Kiev) y el Cascanueces, que cierra el álbum y parece ser una especie de coda o bonustrack, ya que obviamente no fue compuesto por Mussorgsky y tiene un tono distinto al resto dle disco Le pongo un tres porque me sentiría medio hijo de puta poniéndole un dos a un disco que muestra tanto talento como éste. Pero sé que es un disco que no voy a volver a escuchar en años. Todo bien, pero si tengo ganas de escuchar a ELP casi con seguridad que voy a elegir a otro disco.

Este debe ser uno de los discos más complejos y ambiciosos de la lista. Al menos estoy seguro que es el más demandante de todos los revisados hasta ahora. The Lamb Lies Down on Broadway es la opera rock de Genesis, la despedida de Peter Gabriel de la banda, un álbum de dos discos repletos de canciones y guiños que van para todas partes. No funciona todo (hay un par de temas que tal vez sean demasiado wanky), pero casi. ¿Canciones favoritas? Son varias: In the Cage fue siempe mi tema favorito del disco. Es el tema más progresivo, más largo. También es un tema oscuro (la contrapartida de Cuckoo Cocoon: el sueño terminó, ahora estamos en la parte mala del trip. Fly on a Windshield me vuelve loco, una canción prácticamente instrumental (Gabriel solo canta lo justo; Broadway Melody of 1974 sería la secuela lírica de esta canción) con motivos árabes espectaculares. Otra enormísima canción prog es la fantástica The Lamia, en la que se intercalan partes más tranquis (más reminiscentes a los discos anteriores de Genesis), con otras donde la canción parece acelerarse más. Me hace acordar un poco a Dancing with the Moonlight Knight este tema. Y este disco también tiene varias de las mejores canciones pop de la banda de la época de Gabriel. está, por supuesto, The Carpet Crawlers (leí alguna vez que era la canción favorita de Collins), pero también están las infravaloradas Counting Out Time, The Grand Parade of Lifeless Packaging, Anyway, Lilywhite Lilith... todas gemas pop con una melodía brillante y super memorables. Después, como dije, hay algunas que no me gustan tanto, pero es esperable esto en todo disco doble y más cuando son una ópera rock. Back in the NYC me parece una de las canciones menores del primer disco siendo un poco derivativa con elementos de The Lamb Lies Down e In the Cage; The Waiting Room tampoco me interesa tanto (es lo más cerca que tenemos a una canción mala: una canción instrumental sin una melodía clara, con ruiditos. Claramente un experimento. La minimalista Silent Sorrow es, en el mejor de los casos, apenas un interludio tranquilo entre dos monstruos progresivos. La última cara del vinilo, desde The Colony of Slipperman hasta el final me gusta algo menos que el resto del disco, pero igual es muy buena. Empezamos con The Colony... la tercera y última épica. Es de esas canciones de Genesis sorprendentemente histriónicas donde Gabriel muestra su versatilidad como cantante. Me gusta un poco menos que las otras épicas porque no me gustan los primeros casi dos minutos instrumentales del tema (algo perdonable en la mayoría de los casos pero es un disco doble y ya estoy más cansado para esta altura). The Light Dies Down on Broadway. Casi todo el resto de la cara es esa especie de pop progresivo que Genesis hace bastante bien. Son canciones buenas pero ninguna llega a ser de mis favoritas. Riding the Scree es la que más me gusta, con Tony Banks haciendo todo tipo de maravillas con su teclado. Y en esta cara hay otra canción experimental que, como The Waiting Room, no me gusta mucho: Ravine. Es un disco superlativo tanto en lo musical como en lo lírico donde, a partir de la historia de Räel (que no se entiende muy bien), Gabriel nos narra tribulaciones, lamentos y ocasos de la vida contemporánea, los peligros, las tentaciones pero también los sueños y las ambiciones. Musicalmente el disco suele ser bastante distinto a los otros álbums de la banda. Mira un poco más a EEUU que los otros trabajos que suelen ser más británicos. Y también es un disco más variadito. Genesis siempre fue una banda de progresivo con elementos más pop (su discografía de los 80s no debería ser tan sorpresiva; siempre tuvieron pop en su esencia), pero canciones tan experimentales como The Waiting Room son una anomalía en su carrera. Le pongo 5 estrellas, pero son 5 estrellas débiles. Para mi este disco sería un 9/10.

Imagine es uno de esos discos que son prácticamente parte de mi ADN. Es un disco de infancia, de esos que yo escuché y escuché y escuché, cientos de veces. Antes de la era de internet, antes de escuchar un álbum solo una vez para descartarlo y escuchar otra cosa luego de 15 minutos. Y digo esto porque es un trabajo que tiene fallas, pero que aprendí a quererlo mucho a pesar de ellas. Canciones que me parecen excelentes: Para empezar está mi canción favorita del disco "Jealous Guy", una balada maravillosa en la que Lennon muestra su fragilidad en su relación con Yoko. Me imagino que esta canción puede ser criticada por el wokismo porque justifica cierto abuso sobre la pareja (I didn't mean to hurt you, I'm sorry that I made you cry. I'm just a jealous guy). Pero ese es el problema de cierto progresismo que buscó que la gente autocensure lo que siente y lo que dice mientras las trumpetas nazis se reían de su estupidez y ascendían el poder. Nevertheless, me parece una canción fantástica, maravillosa, super honesta que me emociona mucho. Después tenemos la canción homónima: Imagine. Super quemada, super conocida por todos. En mi etapa hipster la critiqué porque yo también soy un pelotudo: oh, una canción que todo el mundo conoce, qué pecado, qué horror. Estupideces. La melodía de Imagine es buenísima, y la letra ES BUENA. Un mundo sin países, sin religiones, sin odio debería ser un ideal de todos los humanos, sobre todo en una época en la que los nazis y extremistas te insultan si criticás un genocidio que se está llevando adelante en un país de Asia. El podio del álbum lo completa How Do You Sleep?, temazo super venenoso en el que Lennon putea a su ex compañero McCartney "lo único que hiciste fue Yesterday, gil". Me gusta el Lennon más punzante. El disco tiene varios otros temazos: La bella canción dedicada a su pareja "Oh Yoko!" es bellísima (exceptuando esa armónica fea que cierra el álbum). Y también me parece muy linda el temita minimalista Oh My Love. Cripple Inside, Gimme Some Truth y It's So Hard me parece que ofrecen un contrapunto un poco más "rockero" frente a las baladas (que me parece que definen un poco más al disco). Destaco sobre todo a Gimme Some Truth por la letra. Me parece la mejor letra política del disco (más que Imagine y más que I don't wanna be a Soldier). Las otras canciones no me gustan tanto y les resta un poroto. I Don't wanna be a Soldier siempre me pareció medio aburrida. No me gusta mucho la música y 6 minutos me parecen un montón. Y tampoco fui fan de How? Creo que Lennon tenía una letra buena acá, pero se olvidó de la música. El sonido del disco es muy bueno. Está producido por Phil Spector como el anterior, pero la producción es completamente distinta. Imagine es un disco fuertemente orquestado y se nota en casi todas las canciones. Parece ser la revancha de Spector por Let It Be, porque acá queda muy bien. En How? (que ya dije que no me gusta mucho) la orquestación hace casi toda la canción. Y sería imposible pensar en Jealous Guy, Imagine o How Do You Sleep sin la orquesta. Le pongo 4 estrellitas.

Bien! Uno que no conocía. Mal! Escuché el primer tema, el cover de Curtis Mayfield y dije "oh, un Faith No More más berreta". Pero después seguí escuchando y el disco mejoró: es variado y los tipos parecen ser competentes con sus instrumentos. Todavía no tengo las canciones del disco muy interiorizadas. ¿Cómo lo puedo definir? Es un disco de música divertida: rock, reggae, metal, ska, funk.... el tipo de música que podrían hacer bandas como Faith No More, los Red Hot Chili Pepper, System of a Down... ese tipo de cosas. Es un disco variado: todas las canciones parecen ser bastante distintas, sin que haya ninguna que se destaque mucho pero tampoco ninguna que sea mala (las peores me parece que son el cover de Mayfield y las dos canciones más cortas que son muy genéricas). ¿Canción favorita del disco? Me quedo con la instrumental One Day que muestra el talento que esconden los músicos detrás de sus boberías y Slow Bus Moving que es un tema corto, movido, con arreglos interesantes y más memorables, en mi opinión, que el resto. Le pongo tres estrellas, tratando de ser objetivo. Las cuatro le quedan lejos pero dos me parece que son demasiado poco.

No entiendo porque está acá este disco. Es MUY menor comparado con miles de otros discos mejor preparados para estar en una lista. Bueno, hay UNA razón: Green Onions, la canción homónima del disco que es un clásico instantáneo. Pero es un clásico más 11: el resto del disco presenta la misma fórmula pero de manera mucho más genérica. TODAS las canciones son instrumentales, en TODAS domina el teclado Hammond de Booker T. (su presencia debe ser lo más relevante del álbum; desconozco si hay otros discos con una presencia imponente de este instrumento anteriores), en TODAS el teclado dialoga con la virtuosa (si bien poco emotiva) guitarra de Steve Cropper; en TODAS las canciones la batería y el bajo acompañan el ritmo pero sin ponerse nunca en el foco. La mayoría de las canciones son covers. Y estos covers parecen ser solo ejercicios de virtuosismo. Me quedo, siempre que las conozca), con otras versiones de estas canciones. Hay un par de canciones donde los artistas buscan hacer algo distinto, como sucede con la blusera Lonely Avenue pero, en mi opinión, no funciona. Mención especial por el último tema, que no funciona como final. Termina con un fade out que me deja esperando una canción más. Le pongo dos estrellas, solo por la canción Green Onions que vale una estrella en sí misma. Pero estuve tentado de dejarle una sóla. Es el peor disco de los 36 que escuché hasta ahora.

Volví. No soy tan fan de ZZ Top. Conocía a este disco por nombre. Conozco a algunos de los hits de la banda. No mucho más. Por eso puede sonar a blasfemia que una persona que no tiene a ZZ Top encarnado en el alma (valga la contradicción) diga algo así, pero esto es DISTINTO al sonido de la banda. Es un disco menos blusero, más modernizado, con sintetizadores y un sonido pulido. Y eso está bien y está mal, creo. Tomemos por caso el 2do tema del disco "Got Me Under Pressure". Lo escucho ahora, por segunda o tercera vez, y los sintetizadores y la sección rítmica me hace acordar a The Cars. Solo la guitarra me hace recordar que esta banda es ZZ Top (cuando deja de ser guitarra rítmica y empieza a jugar). Es interesante que una banda se modernice, que cambie su sonido. Al mismo tiempo, el tema no es tan bueno como las mejores canciones de The Cars ni como las canciones de ZZ Top que conocemos más o menos todos. Y eso pasa en todo el disco. Es un blues más moderno, más comercial, más poppy. Es interesante que exista, sí. Pero también es algo que no satisface ni a los que quieren escuchar blues ("Es "Southern Rock", filisteo" me dicen los fans de esta banda y los Allman Brothers. "OK", contesto yo, pero es claro a lo que me refiero. Al mismo tiempo, esta música no es lo suficientemente catchy para alguien que tenga ganas de escuchar un disco de power pop o new wave. Y, siempre, siempre, siempre, lo mejor de cada una de las 11 canciones que conforman el disco es la guitarra de Gibbons. Especialmente cuando se suelta, cuando intenta hacer el Southern Rock de antaño. Esa es, me parece, la propuesta original del disco, ver como persiste la guitarra de Gibbons en el nuevo sonido de la banda. Y eso es un poco todo. Creo que no tiene sentido distinguir entre canciones, ya que todas siguen, más o menos, la misma fórmula. Habrán algunas que sean un poco más bluseras como I Need You Tonight, otras más popperas como I Got the Six o Legs, y otras más rockeras como Gimme All Your Lovin' o Bad Girl. Todo esto entre comillas, porque lo cierto es que todas las canciones son un poco las tres cosas. Dirty Dog comienza con un riff rockero super poderoso, pero al toque aparecen synths y una sección rítmica muy ochentosa; algo parecido sucede con la ya mencionada You Got Me Under Pressure ¿Mi favorita? TV Dinners... tiene una atmósfera un poquito más ominosa que el resto del disco, lo que la hace mi favorita. Pero es un disco muy parejo y todas las canciones tienen la misma calidad. Los que aman amarán, los que odian odiarán. Para mi es un punto medio, por lo que le pongo tres estrellas.

Uff... retomar y ver que el que te toca es otro disco que no tenés muy familiarizado (y ver que el que sigue tampoco), y que encima es un disco largo, rompe un poco las pelotas y da ganas de desistir. Pero voy a perseverar. Por la Patria. Los Dandy Warhols hacen un tipo de música que realmente no es mi cup of tea. Discos largos, muy psicodélicos, hechos con muchas drogas encima, con muchas referencias musicales a la década de 1960, y un poco grabado para el orto (o lo-fi, o con mucho fuzz). Por alguna razón siempre que tengo ganas de escuchar algo así voy a The Brian Jonestown Massacre (especialmente su gran Take It from the Man). Sé de la existencia de los Dandy Warhols y la música que hacen, pero nunca me enganché seriamente con ellos. Habiendo escuchado este disco creo, no obstante, que mi apreciación sobre ellos podría crecer. Todas las canciones me interpelan de una forma u otra y tienen arreglos que las hacen interesantes. Pero el disco es MUY largo. Esto es mucho para los que tenemos una primera (o segunda o tercera) escucha casual del disco. Digo esto porque estoy muy tentado de ponerle un cuatro y sé que es demasiado, que si le pongo un cuatro a este estaría siendo injusto con muchos otros cuatro con los que yo tengo una historia personal. Pero sé que va a llegar ahí. Si no me muero pronto, los Dandy Warhols van a tener su merecido cuatro. Las canciones, si bien tengo que reescucharlas y ver todos sus vericuetos, parecen ser bastante buenas e interesantes todas. Todas tienen ALGO que mostrarnos, algún pequeño toque que hace que se destaquen por sobre las otras canciones. Obviamente, esto no es sinónimo de calidad. No me gustan todas las canciones (al menos no todavía): hay algunas que me parecen interesantes pero en un punto hacen un coso psicodélico que me parece raro y me choca; otras se extienden un poco más de lo que (para mi) deberían. Las canciones que en estas tres escuchas me parecen menos interesantes son la última (bastante larga, se nota que es de esas canciones que alargan para el efecto falopa, siempre la última canción de estas bandas es muy larga), y las canciones que más se acercan a Brian Jonestown Massacre porque creo que son las que tienen menos nuevo para ofrecer, como Minnesoter. Igual están bien, eh. Las que me gustan más: Boys Better, I Love You, Every Day Should be a Holiday (¿Mejor canción del disco?), Cool as Kim Deal. Creo que las que me gustan más son las más concisas y rockeras. En fin, buen disco. A seguir escuchando.

No me gusta este disco. No me gusta la propuesta de Gotan Project. Nunca lo hizo. Había escuchado poco este disco (y soy argentino), y solo quise escucharlo otra vez antes de ponerle puntaje. No le pongo una estrella porque no es una porquería (supongo que ningún disco de los 1001 debe serlo), pero le pongo dos, que es lo que le sigue. El tango es lo que está en el corazón, lo que te conmueve, lo que viene de adentro, sea el amor por una mujer, la melancolía de tiempos pasados, el recuerdo de los papás, la nostalgia por lo que nunca llegó, la pasión de lo propio, el miedo de la indiferencia de los semejantes, etc.... siempre viene de adentro. Y escucharlo mezclado con electrónica me parece algo muy desagradable, muy artificial, no me gusta nada. Ni siquiera samples del Che Guevara (un héroe nacional muy olvidado en estas últimas dos décadas) en la primera canción puede salvar el disco. Encima el disco es muy largo (suele pasar con la electrónica). Casi todas las canciones se alargan más de lo necesario y, como no hay arreglos muy interesantes en estas canciones, aparecen samples o voces intentando dar un mensaje para justificar la longitud de las canciones. Esto se ve, por ejemplo, en el cover de Zappa Chunga's Revenge: la canción más o menos se mantiene estable por cinco minutos y, para que la espera no se haga insoportable, aparece una voz que nombra a distintos músicos de tango y después dice "es la venganza del tango". Y no sé, man, para eso no digas nada. Aparte parece más bien la "rendición del tango". Si Pichuco criticaba a Piazzolla diciendo que el Conjunto 9 no era tango, ¿qué hubiera dicho de esto? Al pedo nombrarlo. Las canciones que más valen la pena, o las que son más disfrutables son 1. Tríptico: esta sí parece tener varias ideas. Lamentablemente también es una de las canciones más largas del disco y termina rompiendo un poco las pelotas. Mejor hubiera sido acortarla y haber puesto alguna de estas ideas en otra canción más insípida; 2. Una música brutal. Es una de las canciones más cortas del disco (un +), pero además es un poco más pop y kitsch que el resto. Es un poco como A Fifth of Beethoven, ese single disco de los 70s. Está bien; 3. Las dos canciones hechas por capos del tango: Último tango en París del Gato Barbieri y Vuelvo al Sur de Piazzolla. Escuchen el piano de Último tango en París. Compárenlo con el piano de cualquiera de los temas anteriores. El ÚNICO piano anterior relevante que recuerdo es el del ya mencionado Tríptico. En último tango en Paris en cambio hay un poco de emoción. Eso, sumado a ligeros toques de guitarra muy bien aplicados hace que sea mucho mejor que las canciones anteriores. El tema de Pizzolla es, naturalmente, la mejor canción del disco. Pero no se confundan gente. Escuchen la original que está en la banda de sonida de la película Sur (dirigida por Fernando "Pino" Solanas, otro héroe nacional), publicado en 1988 si no me falla la memoria; 4. La del ruso. Este tema es bastante distinto a los anteriores (Una música brutal también lo era), abandonando el tango y siendo más folklórico. Un acierto en mi opinión. Deberían haber sido The Lorefolk Project (?). Me parece que la electrónica hermana mucho mejor con los bombos que con el tango, como Cerati nos enseñó cuando grabó Sulky (casualmente por la misma época que salió este disco). Si prestaron atención habrán observado que el disco termina mucho mejor que como empezó, siendo las últimas 3 canciones relativamente buenas. No modifica lo que dije al principio de la reseña though: dos estrellas.

No me gusta mucho Aimee Mann. De lo que conozco de ella me parece que esto es lo mejor, pero para mi es un punto medio. Me parece que es una buena compositora pop, pero al mismo tiempo siempre pensé en ella como una Tori Amos con menos talento. Las melodías y las canciones están, pero hay algo, que tal vez sea su ejecución vocal, que se me hace muy normalito. Las canciones de este disco son temas que pienso que podría escuchar en una serie norteamericana de los 90s o primeros años de los 90s, onda Dawson Creek, Scrubs, Smallville o Gilmore Girls, todas series que no me gustan mucho (excepto Scrubs. Aguante Scrubs!) y que por eso no vi enteras. Pero tienen esa vibra, ¿no?: El chico está enamorado de la chica y por fin va a invitarla a salir, pero justo se encuentra con el campeón de football de la preparatoria que le dice a sus amigos que la va a invitar él. Desdichado, nuestro protagonista piensa "Claro, él es para ella. Nunca me prestará atención a mi" y se va, bajo la lluvia, mientras suena esta canción. Y mientras suena el camarógrafo cambia a la chica, que mira una foto del chico, mordiéndose los labios "ojalá que me invite a bailar", etc. Es todo en esa dimensión. Y a mi me cuesta un poco tomármelo en serio. La diferencia con una Tori Amos, es que la tipa le pone una profundidad a las letras que acá ni siquiera comienza a vislumbrarse. Y se nota también en la nula emoción que Aimee Mann manifiesta cuando canta. Es muy perfecta siempre. Yo quiero escuchar dolor, alegría, esperanza en la voz. Algo más que exceda la mera técnica. Las canciones son bastante distintas, con arreglos heterogéneos, pero no puedo superar esa imagen que evoqué antes. Las mejores canciones son Could've Been Anyone, Say Anything, Mr. Harris, Way Back When... creo que tienen algo beatlesco que las eleva por sobre otras canciones. Hay calidad ahí. Eso es lo que no veo tanto en los otros discos que escuché de ella. Y temas como Stupid Thing o I Know There's a Word son todo lo que no me gusta de este tipo de música. Empecé a escribir como para ponerle un tres, pero a medida que fui escribiendo me di cuenta que este disco está más para un dos. Puede trepar a un tres si las canciones me empiezan a gustar un poco más, pero por ahora me aburre mucho como para ponerle más nota.

Elliott Smith debía de tener una de las almas más hermosas del mundo. Letras fantásticas, ambiguas, llenas de significados pero con líneas que van directo al cuore, cantadas con una emoción que corta como el diamante, y con arreglos alucinantes, super creativos. Me hace acordar mucho a John Lennon. En fin, Either/Or es un disco espléndido que se va a ganar 5 estrellitas. Es mi tercer disco favorito de SM, hay un par de canciones que no me dicen tanto, pero después me parece sobresaliente en todo. Es de esos que tendrían 4,5 estrellitas si esta página me dejara la opción. Musicalmente este es el último disco de Smith que es básicamente acústico, aunque hay guitarras eléctricas en algunas canciones, como Alameda, y la presencia de instrumentos de banda, como batería, en varias de las canciones. El disco abre muy bien con cuatro canciones que hablan sobre adicciones de manera muy diversa. Acá están mis dos canciones favoritas del disco (Alameda y Between the Bars). Eso no quiere decir que ahí se acaba la diversión. Recién comienza, después tenemos Pictures of Me, temazo beatlesco con letras de auto-odio. No Name #5 sigue en la línea del auto-odio, pero es una de las canciones del disco que me gustan menos. Tiene arreglos interesantes, pero nunca pude conectar mucho con este tema (Para ser sincero, lo asocio con Roman Candle, disco que no me gusta mucho). Y otra vez más en Rose Parade. Lo interesante es que Elliott Smith revisita estas sensaciones desde distintos puntos de vista. Si en Pictures of Me, Smith renegaba de la imagen que construían los demás sobre él, acá él mismo se retrata como distanciado de la "gente" que va al desfile. La música no me gusta tanto como la de las primeras cinco canciones, pero es decente y es una vuelta a la forma, después del tema 6. Volvemos a romperla toda con Punch and Judy. Es la canción más optimista del disco pero igual es para cortarse las venas. Punch y Judy aparentemente son dos marionetas populares en EEUU. Smith las usa como una metáfora del distanciamiento de dos personas (a partir de este punto es que el disco se empieza a poner más -no-romántico*). *Menos en el tema que sigue, Angeles, una crítica no al capitalismo, pero sí al exitismo y consumismo de Los Ángeles. Aparentemente en varias canciones del disco hay referencias a Los Angeles (malo) y Portland (bueno), pero esas referencias se nos escapan a los que no somos de ahí. La música del tema es de las mejores del disco. 2:45 es una canción que musicalmente no me gusta tanto, pero con una letra más filosa que varias espadas, hablando sobre el abuso sexual. Entiendo que podría ser un tema autobiográfico y hablar sobre como lo abusó su padrastro. Cupid's Trick y Say Yes son canciones de desamor. La primera la interpreto con como nos engañamos cuando nos enamoramos (ojo, también podría ser sobre la droga -!-). También esta puede ser la canción menos depresiva del disco. Es la más rockera, por cierto, y Say Yes, mi tercera canción favorita del disco, una idealización del amor que nunca se va a concretar. La melodía es tan pero tan bella que me hace llorar. Me pasa lo mismo con The Biggest Lie, el cierre del disco anterior. Ahora que terminé de hacer la reseña creo que estoy más cerca del 5 que del 4,5 (?). Solo No Name #5 no me convence mucho.

Terminando de ponerme al día, este es el tercer disco que reviso hoy, así que la review va a ser más breve y con un poco de mal humor. Así que haremos esto brevemente y con un poco de mal humor. El primer disco de los New York Dolls es un clásico. Es un trabajo que se hizo enmarcado en la pata más rockera del glam rock (como Slade) pero que al mismo tiempo dio grandes pasos para lo que apenas un par de años después iba a conocerse como punk. No fueron los primeros. Podemos recordar a los peruanos Los Saicos (que nunca van a aparecer en los 1001 discos pero sabemos que fueron muy importantes), a The Troggs, a bandas que surgieron apenas un par de años después de estas como MC5 o los Stooges, etc. Pero lo que creo que sí fueron los New York Dolls fue ser los más populares de todas esas bandas proto-punk. Y después tenés las canciones, que son buenas. Medio pelotudas (pero es un poco la idea, ¿no?) y con mucha actitud. Hay dos cosas que se le pueden criticar al disco: 1. no tiene tanta variedad. Todos los temas son rock and rolls que van más o menos por el mismo lado. Obviamente, es la crítica que se le puede hacer a varias bandas de la misma onda. Y es una crítica injusta, una crítica de traje y corbata. Porque si uno va a escuchar a los New York Dolls no es para escuchar mucha variedad. Es actitud. Y las canciones están buenas, y ya. Y encima es un primer disco. Pero bueno, se puede criticar eso. 2. Lo segundo me parece sí más importante: este es un disco bastante front-loaded. Creo que no hay dudas de que las mejores canciones están ubicadas en la primera mitad del disco. Empezando por el tema uno, Personality Crisis, que es lejos lejos lejos el tema más conocido del disco y de la banda, y la mejor canción del disco (me daría dolor en la panza elegir otro tema). Pero no es el único: Vietnamese Baby, Trash, Looking for a Kiss, Lonely Planet Boy (este sí es un poco distinto, eh: un poco más lenta y con toques country que contrastan con el resto del disco), Frankestein... son todas canciones que están en la primera mitad del disco. Las últimas cinco están bien, pero encuentro que es un toque más genérico que las primeras seis. También porque a esta altura termina siendo más de los mismo: el efecto novedad se va desvaneciendo un poco. De Bad Girl más que la canción en sí (que es un rock and roll genérico) lo que se destaca es la guitarra que patea culos durante los 3 minutos que dura el tema. Subway Train y Private World están "bien". Son las peores canciones de un disco que está bueno. No suman. Si no estuvieran el disco no superaría los 40 minutos. Supongo que esa es su razón de ser. Pero tampoco molestan tanto. Sería peor si el disco fuera largo, ahí ya molestarían. Pills está bien también (sin comillas). Es el cover oficial del disco (porque es imposible no escuchar Louie Louie cuando suena Private World). Es la "peor" canción después de las otras dos que dije eran las peores. El disco termina en una nota alta con Jet Boy. La mejor canción desde Trash. En síntesis, es un muy buen disco. No para escuchar siempre. Si tenés ganas de adrenalina y rock and roll loco loco ponelo. Y sino, la cosa sana, y ponete otra cosa como sexy Nick Cave o sexy Tom Waits, qué se yo. Más allá de eso, es innegable la importancia de este disco. Es uno de esos que por ahí a vos no te gustan, pero que le cambiaron la cabeza a los artistas que vos escuchás. Le pongo 4 estrellas.

Es una locura. Creo que no había escuchado nunca este disco. No tengo recuerdo de estas canciones. Me explico: yo había empezado a coquetear con el hip hop en la década del 2000. No me terminaba de enganchar. Es música demasiado norteamericana, me cuesta seguir las letras tanto por que me costaba entenderlos como por todas las referencias a cosas ajenas a mí. Posiblemente por esos años escuché Enter the Wu-Tang por primera vez. Pasamos al 2010. Mi buen amigo Rafaela me recomendó encarecidamente My Beautiful Dark Twisted Fantasy de KW, y ahí sí todas las piezas hicieron click y comencé a escuchar hip hop de forma más masivamente. Allí me familiaricé con Wu-Tang Clan y fui empezando a escuchar las discografías de sus miembros: Ghostface, GZA, Method Man, Raekwon etc. pero 1. son MUCHOS discos, 2. son MUY largos, 3. la calidad de los discos de los miembros de WTC no es tan buena (y la de los propios discos de WTC tampoco, sinceramente), 4. mis gustos musicales me llevaron a prestarle más pelota a músicos del hip hop de la década de los 00s y 10s que a músicos de los 80s y 90s (con grandes excepciones: A Tribe Called Quest, The Roots - si bien prefiero lo que sacaron post 00s, De la Soul, etc.). Entonces mi acercamiento a estos discos fue dispar. Ghostface es el Wu Tang Clan que conservó el talento. Debería haberle prestado más atención a él, pero incluso su producción solista es abrumadora. Estoy mirando en wikipedia: aparentemente él sacó 13 discos solistas y 9 discos en colaboración. Y a eso tenemos que sumarle su trabajo en WTC. Es DEMASIADO, por más que haya discos que presumiblemente sean menores por definición a otros (por ejemplo, el mismo año en el que salió Fishscale sacó un segundo disco llamado "More Fish", que me imagino que son descartes o canciones extra que no pasaron el filtro de calidad para formar este disco), pero son MUCHAS canciones. Yo de Ghostface solo recuerdo haber escuchado Ironman, aunque es posible que tmb le haya dado masa a Supreme Clientele, que entiendo que es considerado su mejor disco. Ahora, posiblemente habiendo escuchado Fishcale por primera vez, me parece un disco BUENÍSIMO. También me aleja la duración: 24 tracks y más de una hora de duración. Por ahí eso hizo que en su momento no lo escuchara (tal vez lo puse de fondo, no me acuerdo), pero la verdad es que parece no tener relleno de ningún tipo. Solo desprecio los skits, que son una marca de género que para mi no tienen razón alguna de ser. Fishscale es un disco de Gangsta rap MUY superior a lo que suele escuchar del género. También parece sorprendentemente diverso, con beats duros como escuchamos en el género, pero también hay samples de soul y funk que le dan al disco momentos románticos y retros respectiamente. Esta diversidad se refleja en la lista de productores. Se destacan Jay Dilla (RIP), MF Doom (RIP) y Pete Rock (todavía vivo =D). Es demasiada música para asimilar y no puedo hablar de los 24 tracks (18 si quitamos los innecesarios skits), pero voy a destacar acá las que me volaron más la cabeza: "Shakey Dog" es la primera canción - 2do track después de un skit - y para mi debería haber sido el single del álbum: es un gangsta' rap sin contemplaciones. Producido por un tal Lewis Parker (no sé quien es); Clipse of DOOM, tal vez sea mi canción favorita del disco, construida alrededor del sample de una guitarra distorsionada. Producido por MF Doom, y se nota mucho. Todos los temas que produjo DOOM son buenísimos: Jellyfish, Underwater, y 9 Milli Bros (otro que podría haber sido single del disco: es más pop y aparece "Wu-Tang Clan": me imagino que es toda la pandilla menos Ol' Dirty Bastard. En otras canciones hace feats Raekwon). Si vamos a productores, todos los temas que hizo Pete Rock también la rompen muchísimo. Destaco a Dogs of War, con una guitarra funky que suena ominosa que está buenísima. Y también voy a resaltar el tema The Champ, otro que podría haber sido un hitazo, medio funk y atractivo. Y esto fue solo un poco de name dropping, porque todas las canciones son buenas, y digo, todas. Incluso canciones que podrían parecer poca cosa como Big Girl o RAGU están buenas. El disco solo pierde un poquito de gas al final, con la sensiblera Momma (que está bien, pero no me gusta para cerrar el disco). Después de este tema hay uno que en algunos lados aparece como bonustrack pero parece que está en todas las ediciones. Surge a partir de un par de segundos de silencio, por lo que está afuera de la narrativa principal (así que tiene sentido verlo como bonus, supongo) que también está bueno. Le pongo 4 estrellas (no me da para ponerle 5 en este momento con pocas escuchas), pero es un trabajo que va por más.

Un disco perfecto. Uno que hace mucho no reescuchaba. No tengo la necesidad (cuando tengo ganas de un Cohen voy hacia alguno más tardío, menos escuchado). Pero es muy poderoso. Un disco principalmente acústico (como todos sus discos hasta el cuarto, y no nos olvidemos de Recent Songs), donde Cohen está acompañado con arreglos orquestales que contribuyen a la atmósfera. Pero la papa del disco es - y va a ser en todos los discos de Cohen - como canta o recita estas canciones y, sobre todo, las letras: ambiguas y polisémicas, llenas de símbolos religiosos, mutantes a través de los versos. No tengo muchas ganas de hablar sobre las letras porque no les estaría haciendo justicia, pero son sensacionales. Todo el disco es tremebundo. Mi canción favorita es "Master Song". No diría que está infravalorada, ya que me parece que todo el que conoce este disco sabe de sus encantos, pero sí creo que suele ser tenida a menos comparada con Suzanne y So Long, Marianne, las más conocidas del disco. Ojo, son más conocidas merecidamente. So Long, Marianne es una de esas pocas canciones que tienen nombre y apellido. La letra conmueve y conmueve más saber que Leonard y Marianne murieron con solo unos pocos meses de distancia. Suzanne no, esa ya tiene esos maravillosos simbolismos Cohenianos ¿Es una canción de amor? ¿Es una canción de fe? ¿Es una reflexión sobre la belleza? Sobre todas las cosas, seguramente. Y así con todo el disco: Sisters of Mercy, The Stranger Song, That's No Way to Say Goodbye. El disco no tiene canciones malas: tiene algunas canciones que son un poco "menores" comparadas con las ya mencionadas, como Winter Lady y Teachers. Siguen siendo canciones muy bellas que se intercalan entre las canciones más grandes. Y se entiende, porque si el disco consistiera en un titán atrás de otro titán, quizás sería demasiado para mentes mortales como las nuestras. En ese sentido se parece a otro capo de capos: Nick Cave (su discípulo católico), que tiene discos y discos donde no hay ninguna canción mala, pese a que sí queda claro que hay canciones más pequeñas y con menos pretenciones que los himnos inmortales. Cinco estrellas de acá a la China.

Ugh. Esto no me lo esperaba. No conocía este disco, no debería estar acá. Estoy escribiendo notas a medida que lo escucho. Estaba listo para el UNO directo, pero parece que no es tan malo como pensaba, así que me imagino que va a llegar al DOS. El disco parece no ser de teen pop pedorrete (la imagen nos muestra que Aguilera ya no era una teen), sino que parece abrevar del neosoul. El primer tema es una intro sin mucha sustancia. Solo sirve para mostrar que el disco no es teen pop o r&b. La segunda canción parece tener más sustancia, la melodía está clara y los coros gospels le dan poder. El tecladito está de más, y nos recuerda que Aguilera sigue siendo una artista pop. Con otros arreglos sería mejor. El tema 3 es lo que esperaba escuchar. Todo bien pero esta música me aburre muchísimo. Aprovecho para decir algo que no me gustó del track 1 y que acá aparece otra vez: ese recurso de los beats como que un DJ está poniendo el disco o los scratches. Esto en el hip hop muchas veces está bien porque los discos de hiphop son películas que te cuentan una historia, pero el recurso en sí mismo es un cliché, y en un disco pop no tiene sentido. Dame canciones buenas y ya. El tema 3 sigue sin terminar. Miro el tracklist y me doy cuenta que encima es un disco doble. Horror. Encima eligieron su disco más largo, la puta madre. Tema 4: este es conocido. Y por ahora es la mejor canción (no mucho mejor que el tema 2 igual, eh). El sample funk es bueno y la melodía también. Lo único que me aleja un poco es la voz de Aguilera, es demasiado perfecta. Le faltó fumarse unos puchitos. Sigo sin creer que esto es un disco doble, la puta madre. Lo voy a escuchar en dos tandas. Otro problema del disco es que las canciones se alargan, suele pasar con el pop. Extraño un poco los 60s y sus canciones pop de 2 minutos. Tema 5: Undestand. Este es mejor, eh. Un lento romántico que parece ser bueno de forma no irónica. Por ahora la mejor canción del disco. Los arreglos están bien (el pianito me gusta mucho). Espero que no rompa la canción con un bridge de hip hop o algo así. No, no la cagó. Bien ahí Aguilera. Me sigue pareciendo muchísimo un disco tuyo entre los 1001 de la historia, pero esta canción fue buena. Vamos a "Slow Down Baby". Bajamos el nivel pero no está tan mal. Me hace acordar a Ain't No Other Man. Melodía pegajosa, samples funk, coros tal vez demasiado pop. El problema que tiene es que el otro tema fue dos canciones atrás. Salvo que haya muchas de este tipo es mucho de lo mismo junto. Tema siete: "Oh Mother" vuelve a levantar la vara (si bien me gustó más Undestand). Me pasa que me gustó mucho el pianito y cuando empieza la percusión electrónica siento "uh, siempre así". A veces estaría bueno que sean completamente acústicos. Igual está bien la canción y me parecen muy pero muy buenos los arreglos orquestales. No atosigan y dejan respirar. Solo le sacaría los coros. Es una canción que podría haber hecho Sting a principios de los 90s. La que sigue se llama FUSS (Interlude) así que la voy a tomar como punto de quiebre y sigo escuchando después. Lo primero que tengo para decir es "Bring Me the Disco King", ¿plagio total o estoy loco? Los arreglos del piano son buenos y la canción no es muy larga, pero me pareció muy ladri. Y medio pomposo ponerte un interludio por la mitad del primer cd en un disco doble. En fin, veremos que nos depara el resto del disco. Por ahora están bien las dos estrellas. Seguimos: On Our Way está bien, empieza con ruiditos feos medio cliché como los que nombré antes. Pero acá me gusta como canta Aguilera, y el tema es cortito. No desentona. Con otro tema dije que me hubiera gustado que fuera unplugged. Acá pasa lo mismo, la percusión electrónica le resta. Without You está bien pero no me gusta. Es una balada que podría haber sido single. Me imagino que le debe gustar mucho a sus fans, pero tiene demasiada sacarina para mí. "Still Dirty" tiene unos samples locos que están buenos, pero después el tema se pone repetitivo. Onda, todavía no llegué al minuto dos y me aburrí. Here to Stay también es bastante aburrida. Noto que el patrón en muchas de estas canciones es agarrar un sample y repetirlo en toda la canción sin cambio alguno. Último tema del disco UNO (sigh), es un tema más lento, más neosoul, Tiene muchos samples de mensajes, no sé si son de fans reales o si fueron creados para el disco (sería peor esto último), pero me rompe las pelotas. Refuerza mi creencia de que este tema es relleno, la música es genérica y lo "distinto" son esos mensajes. Meh. El disco tuvo 3 o 4 canciones "buenas" pero la mayoría no me gustó o son relleno. Me imagino que es demasiado hasta para un fan de Aguilera. Vamos al disco dos. Disco dos: "Entering the Circus". Ah sí, ahora sí. Una intro medio pelotuda de menos de dos minutos, pero tiene música circense y eso siempre es un plus. Ojalá que el segundo disco sea todo de música de circo. Y el primero haya sido así solo para contentar a los fans. Y el segundo tema también me está gustando. Tiene algo de circense también (en realidad creo que está bien enganchado con el tema anterior), la orquestación es magnífica y solo el estribillo parece ser pop - y me gusta, eh -; los arreglos no orquestales también son buenos. Me gustan la guitarra eléctrica y parece que esta vez usaron una batería real. Y cierra no con algo circense sino con una cosa medio vals. Si el disco es todo así por ahí le pongo TRES estrellas. Después viene Candyman. Esta también la conocía, es un sencillo del disco. Es muy "Los Twists", está bien pero quería otra cosa después de los primeros dos tracks del disco. Efectivamente, el 2do disco es mucho más interesante. Después viene Nasty Naughty Boy que es un tema de jazz muy bien orquestado. Y repito lo mismo que dije con Welcome, acá hay instrumentos reales, nada de batería electrónica ni cosas así. Mi hipótesis es que ella quería hacer este disco pero tenía miedo que sus fans le rompieran las pelotas entonces sacó un disco de música pelotuda para ellos. I Got Trouble es un número medio blusero. Destaca la producción, ella pone la voz más al fondo buscando, con éxito, que el tema suene como viejo. Hurt es una balada. A diferencia de las que estaban en el primer disco de vuelta está hecha con instrumentos reales: piano, no teclado; batería, no cosito electrónico, no están los coritos pelotudos por toda la canción - aparecen discretamente en la última parte de la canción, y la orquestación es otra vez muy buena. Puede ser que sea la mejor canción del disco. "Mercy on Me" es otra canción blusera. Al principio parece que va a ser un tema gospel pero apenas arranca el piano te das cuenta que es un blues. Pero esta vez bien producido y con una orquesta ostentosa. Es como si estuviera mezclado con uno de los temas más jazzeros. Tal vez sea un poco largo. Por ahora es de las peores del CD 2, junto Candyman. Igual está a años luz de cualquier cosa del disco 1. Save Me from Myself es la canción más minimalista del disco (es la anteúltima, así que ya puedo asegurar esto): ella está acompañada en toda la canción por una guitarra, y luego aparece una orquesta, pero siempre tranqui. El último tema también está bueno, no tiene una "banda" sino que hay coros y una orquesta (o sea, no tiene baterías, guitarras, instrumentos de bronce). Bueno, el "album" consiguió ganarse 3 estrellas. Tres estrellas débiles (3-). Separados, el primer disco sería un 1+ o un 2-, mientras que el segundo disco es un 3+ y realmente vale la pena darle una escuchada. No es que "uff, qué maravilla de disco", pero si es una sorpresa que Christina Aguilera haya sacado algo así. No sé si voy a publicar las reviews para que todos las puedan leer, pero si alguien lo hiciera le recomendaría a TODOS los que tienen el mismo prejuicio que yo a que escuchen primero el disco dos. El primero es pop de los 00s bastante mediocre. No es el tipo de música que yo escucho, pero hasta los discos malos de Madonna, como MDNA son más interesantes que el CD 1; pero el CD 2 es el trabajo de una artista que quiere probar que puede hacer algo distinto, sigue siendo "pop" ya que las melodías están, pero usa instrumentos analógicos, y trata de hacer o incorporar elementos de jazz, blues, folk. Es un disco cortito (mucho más que el CD 1), muy variado y entretenido. Una sorpresa.

Me pone feliz que esté este disco. No sé si debería estar en los 1001 discos, pero después de ver otras elecciones no me voy a quejar. Sé que no es un disco para muchos. Syd Barrett fue una persona rara, con inquietudes que iban para todos lados. Una impactante carrera musical que terminó demasiado pronto. Duele saber que su producción fue de apenas 6 años, con grabaciones que van desde Arnold Layne (1966) hasta 1970 (algunas de las grabaciones de Barrett). Y este disco es lo más inaccesible y raro que hizo. Solo o acompañado por miembros de la genial Soft Machine, es un disco que líricamente va por todas partes y nos muestra un reflejo de lo que pasaba por la psiquis de Barrett. Y es difícil de escuchar por eso: más allá de la música, que es RARA, es una ventana a la locura de este gran hombre. Con muchas canciones que son, de una forma u otra, sobre amor (amor perdido que no va a volver, amor roto, amor nostálgico). Por momentos duele. Por otros conmueve: Terrapin es una canción que líricamente va por todas partes pero es muy tierna. Hay imágenes muy lindas y la voz en que canta Barrett llega hondo. No es la única canción así. Hay otras como "Love You" que también transmiten una sensación parecida. Otras de las canciones demuestran que Barrett conservaba su talento para melodías y letras raras ubicadas en mundos de fantasía: Here I Go, No Good Trying, No Man's Land, Late Night, son canciones que me podría haber imaginado ser interpretadas por Pink Floyd si Barrett hubiera mantenido su sanidad mental, si bien No Good Trying parece retratar justamente su expulsión de la banda. Pero después hay otras canciones, que son la mayoría, como Dark Globe (mi favorita del disco y una canción bastante querida, creo, por la gente que escucha a Barrett), que me hacen pelota. La letra no tiene tanto sentido, son versos relativamente independientes pero hay mucho dolor en ellos "When I was alone You promised the stone from your heart" o "Won't you miss me? Wouldn't you miss me at all?", y el tipo los canta con una desesperación brutal. Acá Soft Machine no acompaña, es Syd solo con su guitarra y acentúa el sentimiento de locura. Mucho más acompañado por la música (que también nos protege a nosotros y nos hace sentir menos mal cuando escuchamos esto) está Octopus, otro claro highlight del disco. En la página songmeanings leí alguna vez una interpretación que planteaba que este tema era sobre una discusión esquizofrénica dentro de la cabeza de Barrett y me quedé con eso. Se puede coincidir o no, pero creo que esa imagen refleja bien las sensaciones que evoca este tema. Otro tema así de trágico es "Long Gone", acompañado por un teclado (¿Mike Ratledge? y Barrett regrabándose con coros), Syd nos habla sobre alguien que hace mucho se fue. Puede ser una ex-novia, puede ser su sanidad. En cualquier caso, la canción duele. Las otras canciones que no nombré entran, en mi opinión, en esta categoría: Feel, She Took a Long Cold Look Es un disco muy muy bueno, qué nos deja una sensación de desgarro por dentro, y por eso es medio difícil de escuchar pero, cuando se lo hace, vale mucho la pena. Casi todas las canciones son buenas. Solo "Golden Hair" y "If It's in You" no me gustan tanto (la primera es rara, no se parece mucho al resto de temas del disco; la segunda es de esas que podría haber sido hecha por Pink Floyd, pero al mismo tiempo parece ser improvisada. Me da la impresión de que Waters y Gilmour pensaron que había algo acá pero Barrett no tenía ganas de concentrarse). Lo siento un poco corto para ponerle 5 estrellas, asi que le tocarán CUATRO. Un cuatro fuerte.

Mi disco favorito de los Beatles, la mejor banda de la historia (no digo para mi, sino para la humanidad toda). Así que lo primero es anticipar que este disco va a tener sus 5 estrellas. Es perfecto sin ser "perfecto" ya que tiene canciones que no son tan buenas y que en otro disco hubieran restado, pero aquí forman parte de un mosaico que hace que estas canciones (me refiero básicamente a Revolution 9 pero usemos el plural) se engrandezcan y engrandezcan al disco. Algo parecido pasa con la "suite" de Abbey Road. Es un disco doble. Cuantitativamente es el disco Beatle con más canciones geniales (veinte y pico de 30 canciones). Es el disco más variado de los Beatles, con canciones que - por última vez - nos muestran a los Beatles experimentando en el estudio, canciones que nos anticipan el blues, folk y rock que vendrán en Abbey Road, canciones solistas, canciones hechas por los cuatro miembros de la banda (solo AR comparte ese rasgo), canciones folk, canciones proto-reggae, canciones de rock and roll, canciones infantiles, canciones experimentales, canciones orquestadas, canciones, canciones y más canciones. Muy buenas, super memorables, super divertidas. Ringo publicó acá una de sus dos canciones en los Beatles (sin contar temas hechos con otros miembros): Don't Pass Me By. Es buena. Harrison compone cuatro canciones (una por cara, como le dejaban): While My Guitar Gently Weeps (posiblemente su mejor canción - una de las mejores en todo caso, con la participación de Eric Clapton), Piggies, Long, Long, Long y Savoy Truffle. Las cuatro son muy buenas y, excepto Long, Long, Long, favoritas del disco. El resto está compuesto entre Lennon y McCartney. Para esta altura McCartney ya era el líder indiscutido de la banda, pero el álbum blanco es el único disco 1967-70 donde Lennon realmente le da mucha pelea a Macca, tanto cuantitativa como cualitativamente. Las mejores canciones del disco, en mi opinión, le pertenecen a él: Dear Prudence (¿Mejor canción del disco? Posiblemente), Sexy Sadie, Glass Onion, I'm So Tired, Cry Baby Cry, Julia (Desgarradora!), Happiness Is a Warm Gun, Bungalow Bill, Revolution, Yer Blues.... TODAS de él. Vean esa lista de canciones, carajo. McCartney en este disco un poco se auto-rebajó, con canciones más pasatistas, más románticas. En cualquier otro disco hubiera dicho que estas canciones son peores que las de Lennon. En el Álbum Blanco no, acá son NECESARIAS para que las de Lennon destaque tanto. Y el nivel de estos temas sigue siendo soberbio: tenemos canciones de rock and roll: Back in the USSR, Birthday, baladas románticas: Blackbird y I Will, canciones medio retro con un piano como Martha My Dear y Honey Pie y después, sacando el protoreggae Obladi Oblada, tenemos canciones realmente buenas a la altura de las de Lennon. La mejor de todas es Helter Skelter, el momento más pateaculos de toda la historia Beatle, o el folk Rocky Racoon, pero también tenemos canciones en las que Macca muestra su creatividad como Wild Honey Pie o Why Don't We Do It on the Road, que suelen ser ignoradas pero son fantásticas. He visto críticas a este disco, diciendo que tenía que haber sido un disco solo, blablabla. Miren la lista de temazos que nombré. Les puede no gustar uno o dos, pero ¿se imaginan tener que sacar diez de estas canciones? Perderíamos MUCHO. ¿Se imaginan haber puesto algunas de estas canciones en otros discos? Hubiera sido un error. En Abbey Road o Sgt. Pepper mucha gente hubiera descartado a TEMAZOS como I Will, Savoy Truffle o Julia como "canciones menores". Es en el Álbum Blanco donde encuentran su lugar. Lo amo. Si tuviera que casarme con un disco (?) creo que this is the one. Cinco estrellas de acá a la China y más allá.

No conocía este disco. Por alguna razón solo estoy familiarizado con "Don't Give Up on Me" ("alguna razón" = RYM), más cerca del final de la carrera de Solomon Burke que del comienzo. Y algunos hits. Y fue una sorpresa muy agradable. Por ahora le voy a poner tres estrellas, pero lo voy a escuchar mañana nuevamente. Para no mandarme cagadas. Y es que es un disco que parece que envejeció. Es solo soul y RnB. Pero al mismo tiempo es un disco de 1964. Medio que hizo al soul y al RnB (junto a Sam Cooke, Otis Redding, Nina Simone y la mar en coche). Es un disco breve, de unos 35 minutos, quizás un poco repetitivo. Curiosamente los intentos por desviarse de la fórmula me parece que son los peores números (te miro a vos, Just Out of Reach, un intento de country). Igual hay pequeñas cositas en las canciones que muestran un origen más distinto: Cry to Me, por ejemplo, no difiere mucho del resto, pero tiene un poquito de twist en su origen. Las canciones del disco están arregladas con bronces y coros, que se suman a una banda chica (batería, guitarra, bajo), pero lo que destaca es, sobre todo, la excepcional voz de Burke. Los arreglos son muy bonitos, pero a veces parecen un poco excesivos. El disco no tiene ni una sola canción de Burke, ni tuvo que ver con la dirección musical, lo que un poco lo pone atrás de otros músicos de la época. Dicho eso, es un disco muy disfrutable. Casi todas las canciones son buenas o, en el peor de los casos, entretenidas. La canción que me gustó más, al menos por ahora es Won't You Give Him One More Chance, con su guitarrita loca y melodía requete pegadiza. El primer y último tema del disco son muy buenos, me da la impresión de que son los hits obvios del disco; If You Need Me y You're Good for me, son como los temas más "soul" (soul de los 60s) del disco. You Can't Love Me All también está buena. Me hace acordar a algo pero no puedo poner el dedo sobre que es. ¿Algo mexicano? Los vientos son medio mariachis ¿Algo pop de los 60s como los Hollies? Los coros tienen esa vibra. Siento que escuché algo así. Ahh. En cualquier caso, el tema está bueno. En fin, linda sorpresa, pero no creo que pueda tener más de tres estrellas. Al menos por ahora, con solo tres escuchas.