#DÍA 15: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Un álbum legendario, ya lo había escuchado así que no me ha pillado de sorpresa, pero una escucha detenida me ha ayudado a tener una imagen más completa de este huracán psicodélico. Ya dejé entender en la reseña de Stephen Stills que con que Hendrix toque tres notas yo ya estoy con la mandíbula en el suelo, es algo exagerado pero desde que escuché este doble LP me he vuelto un fan de cómo tocaba este señor. Tenía ganas de que en el desafío me tocase pronto un proyecto suyo, qué casualidad que es uno que ya he oído pero bueno… Me conformo por ahora. La energía y pasión de este disco es de otro mundo, mundo en el que entramos de cabeza con la espeluznante intro y el tono fantasioso, como entrando a un rito bacanal en Have You Ever Been. Todo ello para que después nos suelten dos de los mejores temas de blues y rock que he escuchado en mi vida: Crosstown Traffic, con el riff tan salvaje y casi motorizado y Voodoo Child, una extensa experiencia de blues que deja hipnotizado con sus solos. El doble LP, pese a su extensión, no pierde prácticamente dinamismo en todo lo que dura, desde las armonías a lo Beatles de Little Miss Strange, la energía tan saltarina de Gypsy Eyes, el viaje subacuático tan progresivo por el que te lleva 1983 o la chispeante House Burning Down. Hay mucha experimentación en este proyecto tan masivo, principalmente moviendo los instrumentos de lado a lado en estéreo, o distintos pedales, como el wah-wah o el octavia. Es de admirar sin duda, pero pienso que en algunos momentos las canciones se vuelven demasiado caóticas, como Burning of the Midnight Lamp. La experiencia es alucinante, no me extraña que decidieran nombrar así la banda… Favoritas: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming; House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Menos favorita: Burning of the Midnight Lamp #DAY 15: 1001 Albums You Must Hear Before You Die A legendary album. I had already listened to it before, so it didn’t catch me by surprise, but a more focused listen helped me get a fuller picture of this psychedelic hurricane. I already hinted in my Stephen Stills review that all it takes is for Hendrix to play three notes and my jaw is on the floor—that’s a bit of an exaggeration, but ever since I listened to this double LP, I’ve become a fan of the way this man played. I was hoping that one of his projects would come up soon in the challenge—what a coincidence that it’s one I had already heard, but ok… I’ll take it for now. The energy and passion in this record are out of this world—a world we dive headfirst into with the eerie intro and the fantastical tone of Have You Ever Been, like entering a bacchanalian rite. All of this just to be hit with two of the best blues and rock songs I’ve ever heard: Crosstown Traffic, with its wild, almost motorized riff, and Voodoo Child, an extensive blues experience that hypnotizes with its solos. Despite its length, the double LP hardly ever loses momentum, from the Beatles-like harmonies of Little Miss Strange, the bouncy energy of Gypsy Eyes, the proggy underwater journey of 1983, or the sparkling House Burning Down. There’s a lot of experimentation in this massive project—mainly moving instruments from side to side in stereo or using different pedals, like the wah-wah or the octavia. It's undeniably admirable, though I do think that at times the songs become a bit too chaotic, like Burning of the Midnight Lamp. Still, the experience is mind-blowing—no wonder they chose that name for the band… Favorites: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming, House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Least favorite: Burning of the Midnight Lamp

#DÍA 4: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English translation below) Desconocía por completo la existencia de esta banda y de su música, pero bueno para eso me encuentro haciendo este “desafío”, para encontrar cositas nuevas… Aunque sinceramente este álbum no ha despertado demasiado interés en mí. La atmósfera rollo western psicodélico tiene mucho encanto pero siento que es el único atractivo del álbum, puesto que siento que la gran mayoría de canciones aquí son olvidables. La primera mitad es mucho más fuerte sin duda, Hail Bop es un tema que aprovecha genial la atmósfera y la parte final de Waveforms tiene un ritmo genial. Por el resto, Wor tenía potencial de ser una canción de calidad pero para mi el mayor problema del disco es que las vocals no destacan en nada generalmente, de hecho a veces me parece que suenan directamente mal, como en Storm o Zumm Zumm, que acaban siendo desagradables. Divertido en general, pero no estoy deseando volver a escucharlo, sobre todo las pistas de la mitad… Favoritas: Hail Bop, Default, Waveforms Menos favorita: Zumm Zumm #DAY 4: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I was completely unaware of the existence of this band and their music, but that’s exactly why I’m doing this “challenge” — to discover new things… Although honestly, this album hasn’t sparked much interest in me. The psychedelic western-style atmosphere is quite charming, but I feel like it’s the only appealing aspect of the album, as most of the songs here seem forgettable to me. The first half is definitely stronger — Hail Bop is a track that makes great use of the atmosphere, and the final part of Waveforms has a great rhythm. Other than that, Wor had the potential to be a quality song, but for me the biggest problem with the album is that the vocals generally don’t stand out at all — in fact, sometimes they even sound outright bad, like in Storm or Zumm Zumm, which end up being obnoxious. Fun overall, but I’m not looking forward to listening to it again, especially the tracks in the middle… Favorites: Hail Bop, Default, Waveforms Least favorite: Zumm Zumm

#DÍA 21: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenas, he estado de vacaciones en la playa, así que voy a subir seguidas las reseñas de los dos álbumes que escuché durante dicho retiro. En primer lugar, fue el turno de Arthur de The Kinks, la primera vez que escucho nada de ellos y una confirmación más de que 1969 fue un año fabuloso para la música. Todo en ellos me recuerda en gran parte al pop rock que hacían los Beatles en este momento, solo que con un mayor sentido de unidad estilística entre todas las canciones y cierto espíritu punk que le da un encanto único al LP. Desde la canción de apertura ya se nos presenta una buen trabajo de melodías, armonías y una producción con un sonido claro y realmente brillante. La energía es de lo más contagiosa, pero pronto el disco presenta una de las canciones antibélicas más potentes que he escuchado: Some Mother’s Son, con una letra directa y que realmente refleja lo inhumano de la guerra. A partir de aquí el álbum se enfoca en el ámbito político y económico del Reino Unido de entonces, ya sea las promesas bucólicas de mudarse a Australia, letras que parecen querer iniciar una revolución obrera en Brainwashed o una sátira directamente dirigida a Churchill. Pero por debajo de toda esta carga crítica se encuentran unas melodías realmente encantadoras, unas armonías alucinantes propias de la música de esta época y un talento de cada miembro en su rol que es imposible de ignorar. Pienso que el LP acaba perdiendo ligeramente calidad en sus dos últimos temas, que aunque sigan teniendo un contenido lírico de calidad, musicalmente no las considero tan entretenidas como el resto. Aún así, poco puedo criticar, el mensaje está lanzado de una forma impecable y la música sigue sonando fantástica tras más de 50 años. Favoritas: Victoria, Some Mother’s Son, Brainwashed, Australia, Shangri-La, She’s Bought a Hat Like Princess Marina Menos favorita: Nothing to Say #DAY 21: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Greetings, I’ve been on vacation at the beach, so I’m going to post back-to-back reviews of the two albums I listened to during that getaway. First up was Arthur by The Kinks — the first time I’ve heard anything from them and yet another confirmation that 1969 was a fabulous year for music. Everything about them reminds me largely of the pop rock the Beatles were making at the time, only with a more focused sense of stylistic unity across all the songs and a certain punk spirit that gives the LP a unique charm. From the opening track, we’re presented with strong melodies, harmonies, and production work with a clear and truly brilliant sound. The energy is incredibly contagious, but soon the album delivers one of the most powerful anti-war songs I’ve ever heard: Some Mother’s Son, with direct lyrics that really capture the inhumanity of war. From there, the album turns its focus to the political and economic landscape of the UK at the time — whether it’s the bucolic promises of moving to Australia, lyrics that seem ready to spark a workers’ revolution in Brainwashed, or satire aimed directly at Churchill. But beneath all this critical edge lie truly delightful melodies, dazzling harmonies characteristic of the era, and a level of talent from each member in their role that’s impossible to ignore. I think the LP slightly loses quality in its last two tracks; while they still have strong lyrical content, musically I don’t find them as engaging as the rest. Even so, there’s little I can criticize — the message is delivered impeccably, and the music still sounds fantastic more than 50 years later. Favorites: Victoria, Some Mother’s Son, Brainwashed, Australia, Shangri-La, She’s Bought a Hat Like Princess Marina Least favorite: Nothing to Say

#DÍA 22: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) En segundo lugar, un lento y romántico LP del mismísimo Marvin Gaye. De esta leyenda del Soul sólo había escuchado su aclamado What’s Going On, un albumazo en toda regla de Soul Progresivo. Este es su posterior LP y presenta un estilo más directo de Smooth Soul, con perfectos grooves sensuales para bailar con mi amada. Como cantante, Gaye es todo lo que se puede pedir, tenía un rango sublime y una capacidad expresiva que le llevaba de la máxima suavidad a una desgarradora pasión en cuestión de segundos. Por otro lado, no es un proyecto tan ambicioso instrumentalmente como lo es What´s Going On, pero tampoco es lo que necesita, pues son canciones que piden un acompañamiento en su punto y que permita moverse como les salga del cuerpo a los oyentes. El tema de apertura es legendario y creo que prácticamente todo el mundo ha escuchado la intro, no es de extrañar que se haya usado tanto para memes, Don Peake hizo que la guitarra pareciese ligar con nosotros… Es una canción apasionada como poco y un clásico innegable. El resto de la lista de canciones no considero que lleguen al nivel, pero no deben dejarse de lado. Por ejemplo, la letra y la voz de Gaye en If I Should Die Tonight son realmente poderosas y crean una situación cinematográfica, algo que ocurre más de una vez en el LP, como en la triste pero realista canción de clausura: Just To Keep You Satisfied. Pienso que fue un error de mi parte escucharlo de día, considero que son todo canciones que pegarían más fuerte mirando melancólico por la ventana en una noche lluviosa… Pero no tenía otro momento y es verano, no llueve ni patrás. Fuera de bromas el álbum, aunque corto, termina siendo algo monótono, no tiene la versatilidad de su predecesor y no hay tantos momentos memorables al menos tras una primera escucha. Aún así, es un más que sólido disco para Gaye que muestra en nuestras narices su talentazo como cantante. Favoritas: Let’s Get It On, If I Should Die Tonight, Come Get To This, Just To Keep You Satisfied Menos favorita: Distant Lover #DAY 22: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Secondly, a slow and romantic LP from none other than Marvin Gaye himself. From this soul legend I had only heard his acclaimed What’s Going On, a full-on masterpiece of progressive soul. This is his follow-up LP, and it presents a more straightforward smooth soul style, with perfect sensual grooves for dancing with my beloved. As a singer, Gaye is everything one could ask for — he had a sublime range and an expressive ability that could take him from the utmost softness to raw, heart-wrenching passion in a matter of seconds. On the other hand, it’s not as ambitious instrumentally as What’s Going On, but that’s not what it needs to be, since these are songs that call for just the right accompaniment and allow listeners to move however their bodies feel like moving. The opening track is legendary, and I think practically everyone has heard its intro — no wonder it’s been used so much in memes. Don Peake made the guitar sound as if it were flirting with us… It’s nothing short of a passionate song and an undeniable classic. I don’t think the rest of the tracklist reaches that level, but it shouldn’t be overlooked either. For example, Gaye’s lyrics and vocals on If I Should Die Tonight are truly powerful and create a cinematic scene — something that happens more than once on the LP, such as in the sad yet realistic closing track: Just To Keep You Satisfied. I think it was a mistake on my part to listen to it during the day — I feel these are all songs that would hit harder while staring romantically out the window on a rainy night… But I had no other time, and it’s summer, so it’s not raining at all. Jokes aside, the album, though short, ends up feeling somewhat monotonous; it doesn’t have the versatility of its predecessor, and there aren’t as many memorable moments, at least after a first listen. Even so, it’s a more than solid record for Gaye that puts his immense talent as a singer right in front of our eyes. Favorites: Let’s Get It On, If I Should Die Tonight, Come Get To This, Just To Keep You Satisfied Least favorite: Distant Lover

#DÍA 5: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) En un principio me pareció raro que en una lista como es ésta se añadiese un álbum en directo, pero tras escucharlo no puedo estar más de acuerdo. Desconocía que a Johnny Cash le dio por hacer conciertos en cárceles y sinceramente me parece curiosísimo, y ha dado de resultado una experiencia de álbum bastante única (Aunque hizo otro antes, el de Folsom Prison, que también tengo ahora ganas de escuchar). Es genial lo natural que Johnny Cash actúa durante todo el concierto, tranquilamente cuenta anécdotas, pregunta qué desea el público y se pide un vaso de agua. Te sientes ahí mismo y te olvidas que se trata de una cárcel, parece un ambiente de lo más jovial. Por encima, las canciones y los rendimientos musicales son de lo mejor, desde el maravilloso ritmo Rockabilly de Wreck of the Old ‘97, hasta las bellísimas melodías cargadas de espíritu en Peace in the Valley. Por otro lado, las letras son geniales, con rimas naturales y enriquecedoras, así como cargadas de un mensaje, que puede ser variado, como la rabia ante el sistema de cárceles en San Quentin o la historia tan ingeniosa de A Boy Named Sue. Es en general una experiencia maravillosa, sólo quisiera que fuese un poco más largo, y parece que hay una versión extendida así que… Favoritas: Wreck of the Old ‘97, Darlin’ Companion, San Quentin, A Boy Named Sue, (There’ll Be) Peace In The Valley (For Me) Menos favorita: Wanted Man (supongo…) #DAY 5: 1001 Albums You Must Hear Before You Die At first, it seemed odd to me that a live album would be included in a list like this, but after listening to it, I couldn't agree more. I had no idea that Johnny Cash used to perform concerts in prisons, and honestly, I find it absolutely fascinating—it makes for a truly unique album experience. (Although he did one before this, the Folsom Prison one, which I now really want to hear too.) It’s amazing how natural Johnny Cash is throughout the entire concert. He casually tells stories, asks the audience what they’d like to hear, and even asks for a glass of water. You feel like you're right there, and you forget it's even a prison—it seems like such a cheerful atmosphere. On top of that, the songs and musical performances are top-notch, from the wonderful Rockabilly rhythm of “Wreck of the Old ‘97”, to the beautifully spirited melodies in “Peace in the Valley.” The songwriting is fantastic as well, with natural and rich rhymes, full of meaning—ranging from anger toward the prison system in “San Quentin”, to the clever storytelling of “A Boy Named Sue.” Overall, it’s a wonderful experience. I just wish it were a bit longer—but apparently there’s an extended version, so… Favorites: Wreck of the Old ‘97, Darlin’ Companion, San Quentin, A Boy Named Sue, (There’ll Be) Peace In The Valley (For Me) Least favorite: Wanted Man (I guess…)

#DÍA 23: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Poniéndonos muy clásicos toca el álbum con más años que ha salido hasta ahora. Retrocedemos a 1957 para atender al legendario debut de Little Richard. Conocido como “el arquitecto del Rock N’ Roll”, fue una influencia vital para todo el Rock posterior, desde Elvis Presley a Paul McCartney, y su huella se nota hasta lo más moderno del género. Y no es de extrañar, el desbordamiento de energía que es cada canción y el carisma que tenía son innegables. La voz de Little Richard parecía imparable, esos gallos tan expresivos, una vibración que te da ganas de moverte al instante y un alma tan salvaje que realmente calaría en la identidad del Rock como estilo musical. Ahora bien, como experiencia de álbum evidentemente no ha tenido un envejecimiento del todo afortunado, pues es un arte que aún estaba por desarrollar y al final se siente como una sencilla colección de canciones. Eso sí, hay temas clásicos y que realmente son inmortales, como el divertidísimo entrante Tutti Frutti o los ritmos más rápidos y al puro estilo Rock N’ Roll de Ready Teddy. Aún así, creo que en general se nota que el género aún tenía mucho que desarrollar, sobretodo en el sentido instrumental, pues pienso que en muchos casos no consigue acompañar adecuadamente la energía de Little Richard. He de decir que seguramente es música que impactaría el triple en un escenario y una pista en la que la gente bailase libremente. Un clásico indudablemente, completamente esencial para el género y la música moderna en general, la semilla de lo que sería un estilo apasionante de interminables variaciones. Favoritas: Tutti Frutti, True, Fine Mama; Ready Teddy, Lony Tall Sally, She’s Got It Menos favorita: Rip It Up #DAY 23: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going fully classic now, we turn to the oldest album we’ve covered so far. We go back to 1957 to witness the legendary debut of Little Richard. Known as “the architect of Rock ’n’ Roll,” he was a vital influence on everything that came after, from Elvis Presley to Paul McCartney, and his mark can still be felt in the most modern corners of the genre. And it’s no wonder—each song overflows with energy, and his charisma is undeniable. Little Richard’s voice seemed unstoppable, with those expressive yelps, a vibration that instantly makes you want to move, and a wild soul that would truly become embedded in the identity of rock as a musical style. That said, as an album experience, it hasn’t aged all that gracefully. The art of the album was still in its infancy, and in the end it feels more like a simple collection of songs. Still, there are undeniable classics here—immortal, even—like the hugely fun opener Tutti Frutti or the faster, pure rock ’n’ roll rhythms of Ready Teddy. Even so, I think it’s clear that the genre still had a lot of growing to do, especially in the instrumental department, as in many cases I feel the band doesn’t quite match Little Richard’s overflowing energy. I have to say, this is music that would probably hit three times harder on stage, in front of a crowd dancing freely. An undeniable classic, absolutely essential for the genre and for modern music in general—the seed of what would become an endlessly exciting style with infinite variations. Favorites: Tutti Frutti, True Fine Mama, Ready Teddy, Long Tall Sally, She’s Got It Least favorite: Rip It Up

#DÍA 6: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) No sé por qué el generador de álbumes categoriza este disco como “Afrobeat” si sólo la última pista se podría considerar como tal pero bueno. Por lo demás, es un LP bastante básico de jazz, nada que no te esperes, por lo que termina siendo una escucha agradable pero quizá demasiado inofensiva para un género de música del que suelo esperar una experiencia algo más salvaje y fuera de la norma. La atmósfera es sólida, es suave y en general para tenerlo de fondo viene al dedo. Sin embargo, se me hace muy aburrido en gran medida, incluso el solo de batería en Blues for Huey es como una delicada brisa que ni hace moverse un poco al árbol. Las dos primeras piezas si cargan con algo más de calidad y movimiento, las melodías y solos de Part of a Whole son muy entretenidas, recuerdan en parte a Herbie Hancock. Luego Minawa progresa de una forma muy consistente y construye una serie de armonías con las que sí llegué a quedar algo hipnotizado. No obstante, la mayoría del álbum pasa bastante desapercibido y deja bastante que desear. Favoritas: Part of a Whole, Minawa, Maseru Menos favoritas: Ingoo Pow-Pow (Children’s Song) #DAY 6: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I don't know why the album generator categorizes this record as "Afrobeat" when only the last track could be considered as such, but oh well. Other than that, it's a fairly basic jazz LP—nothing you wouldn't expect—so it ends up being a pleasant listen, though perhaps a bit too harmless for a genre of music from which I usually expect a wilder, more unconventional experience. The atmosphere is solid, it's smooth, and overall it works perfectly as background music. However, I find it quite boring for the most part—even the drum solo in Blues for Huey feels like a gentle breeze that doesn't even make the tree sway a little. The first two pieces do carry a bit more quality and movement; the melodies and solos in Part of a Whole are very entertaining, somewhat reminiscent of Herbie Hancock. Then Minawa progresses in a very consistent way and builds a series of harmonies that actually left me a bit hypnotized. Nonetheless, most of the album goes largely unnoticed and leaves quite a bit to be desired. Favorites: Part of a Whole, Minawa, Maseru Least favorite: Ingoo Pow-Pow (Children’s Song)

#DÍA 7: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy ha tocado uno de esos álbumes que llevo milenios queriendo escuchar pero que nunca encontraba el momento, así que al fin lo pongo en mis oídos. Oídos ahora reventados tras los gritos maníacos con los que arranca Them Bones y lo pesadas que suenan las guitarras durante todo Dirt. Como buen álbum de Stoner te hace botar la cabeza lentamente, hipnotizado por las cuerdas y la distorsión. Las vocals de Layne Staley junto a Jerry Cantrell son vigorosas y muy expresivas, lo que bien busco en un disco de grunge. Letras que tratan principalmente de la adicción a las drogas y al hoyo al que te llevan, a querer ser enterrado. Los temas contienen una ira que parece insostenible, las guitarras y el bajo te hacen sentir que vas romper tus dientes de apretarlos. La lista de canciones es prácticamente impecable, quizá me falta algo más de dinamismo, puesto que empieza a perder sabor hacia el final, principalmente con God Smack y Hate to Feel, a parte del extrañísimo interludio con Tom Araya de Slayer. Aún así consigue terminar por lo alto con Would?, un tema oscuro pero de lo más pegadizo. No he escuchado mucho grunge aún, pero desde luego que este disco me da ganas de explorar más. Favoritas: Them Bones, Dam That River, Rain When I Die, Down In a Hole, Sickman, Dirt, Angry Chair, Would? Menos favorita: Hate to Feel #DAY 7: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today we will talk about one of those albums I’ve been wanting to listen to for ages but never seemed to find the right moment—so I finally put it in my ears. Ears now blown out by the manic screams that kick off Them Bones and the crushing weight of the guitars throughout Dirt. Like any good stoner album, it makes your head slowly bob, hypnotized by the strings and distortion. Layne Staley’s vocals alongside Jerry Cantrell’s are powerful and deeply expressive—exactly what I look for in a grunge record. The lyrics mostly deal with drug addiction and the downward spiral it leads to—wanting to be buried. The songs carry a rage that feels barely containable, and the guitars and bass make you feel like you're going to break your teeth from clenching them so hard. The tracklist is nearly flawless—though I do wish there was a bit more dynamism, as it starts to lose flavor toward the end, especially with God Smack and Hate to Feel, not to mention the bizarre interlude with Tom Araya from Slayer. Even so, it manages to close on a high note with Would?, a dark yet incredibly catchy track. I haven’t listened to much grunge yet, but this album definitely makes me want to explore more. Favorites: Them Bones, Dam That River, Rain When I Die, Down In a Hole, Sickman, Dirt, Angry Chair, Would?

#DÍA 24: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Bueno, bueno, bueno, bueno, bueno, bueno… Qué sorpresa que ha sido para mí este álbum, es fabuloso. Manu Chao es un artista francoespañol del que conocía sin saber, por su famoso single Viva Tu. Aún así, me sorprendió que al fin me saliese un proyecto en español en el desafío, aunque contiene también francés, portugués e inglés, en general me alegra ver un poco de variedad en ese sentido porque estoy seguro de que esto va a ser raro. Me dirigí algo ciego (o sordo) a este disco sin saber qué esperar, miré algo en Wikipedia acerca del estilo y supongo que esperaba canciones sencillas con ritmos latinos con algún toque alternativo. Sin embargo, me choco con este viaje de 16 canciones sencillisimas pero cargadas de poesía y, sobre todo, una coherencia sorprendente pese a realmente ser muy ecléctico. Por encima de esto, Manu Chao conecta las canciones a la perfección, no solo con transiciones sino con motivos que de vez en cuando vuelven a aparecer, como los refranes de Mentira o el estribillo de Luna y Sol haciendo un melancólico vis en Día Luna… Día Pena. Cada tema suma a una imagen general que se va dibujando poco a poco según te adentras, comenzando con el perfecto entrante homónimo, el cual resume todo el álbum y su sentido, cargado de crítica hacia los estereotipos de hispanos y latinoamericanos, lo que también vemos en la alternativa Bongo Bong o Welcome to Tijuana. Además, nos presenta un autorretrato interesante, como alguien solitario y viajero, algo tratado en profundidad en Desaparecido o Mamá Call; síntoma también de no encontrar un destino en la vida, posiblemente un lado más pesimista ante las mentiras del mundo, aunque es un hecho que le puede ser tanto para bajar cabeza (Día luna… Día pena) como para levantar el ánimo de hacer un cambio y buscar un ideal (Luna y sol). Por otro lado el amor también está presente, pero como uno que se quiere olvidar principalmente, aunque Manu Chao no parecer ser capaz como finalmente se revela en La Despedida, pese a mostrar bastante seguridad en ello en Je ne t’aime plus o La vie A 2 (casualmente las dos que están en francés, me pregunto si será algo hecho de forma intencionada como referencia al cine de este idioma en el que es tan típico que se trate el amor). Aún así hay un pequeño sentido de amor, pero principalmente dirigido a las drogas, como el alcohol en Malegría o la marihuana en Minha galera, ambas camufladas como canciones románticas. Finalmente el LP concluye con El viento, un motivo que encarna el carácter del protagonista: todo va y viene, el amor, los problemas, la tristeza, la felicidad, las personas… Quizá estoy sobreinterpretando de sobremanera todo lo que trae este álbum, pero realmente ha estimulado enormemente mi cerebro melómano que se despertó con ganas de coser conceptos. Casi no he tratado aspectos musicales del LP pero en general son impecables, tienen un carácter orgánico que los hace preciosos y unos grooves pequeñitos pero muy pegadizos. A todo esto se le suma un uso magistral de samples para crear una atmósfera única, desde interpolaciones de música latina bien conocida (como La Llorona en Mentira), grabaciones que hizo Manu Chao en sus viajes, una comunicación de los primeros viajes al espacio de la Unión Soviética, hasta un jodido extracto de Garfield… Es tan extraño pero a la vez lo siento tan claro todo cuando lo escucho, tengo ganas de seguir escuchándolo de principio a fin porque es una experiencia sin igual. Favoritas: Clandestino, Desaparecido, Bongo Bong, Je ne t’aime plus, Mentira, Lágrimas de Oro, Mamá Call, Luna y Sol, Día Luna… Día Pena, Malegría, La Vie A 2, Minha galera, La despedida, El viento Menos favorita: Welcome to Tijuana (principalmente porque las vocals tan graves de sapo me incomodan, pero ignorando eso es buen tema) #DAY 24: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well, well, well, well, well, well… What a surprise this album has been for me—it’s fabulous. Manu Chao is a French-Spanish artist I knew without realizing it, thanks to his famous single Viva Tu. Even so, I was surprised that I finally got a Spanish-language project in this challenge—although it also includes French, Portuguese, and English. Overall, I’m glad to see a bit of variety in that sense, because I’m sure this is going to be an uncommon occasion. I went into this album somewhat blind (or deaf), not knowing what to expect. I skimmed Wikipedia for a bit about the style, and I suppose I was expecting simple songs with Latin rhythms and maybe some alternative touches. However, I was hit with this journey of 16 incredibly simple songs, yet loaded with poetry and, above all, a surprising sense of coherence—despite being truly eclectic. On top of that, Manu Chao connects the songs perfectly, not only with transitions but with recurring motifs that reappear from time to time, such as the refrains from Mentira or the chorus from Luna y Sol making a melancholic reappearance in Día Luna… Día Pena. Each track contributes to a bigger picture that gradually takes shape as you dive in, starting with the perfect self-titled opener, which summarizes the whole album and its meaning, full of criticism towards stereotypes of Hispanics and Latin Americans—a theme we also see in the alternative-flavored Bongo Bong or Welcome to Tijuana. He also offers an interesting self-portrait—as a solitary, traveling figure—something explored in depth in Desaparecido or Mamá Call. This also hints at a lack of direction in life, possibly a more pessimistic view in the face of the world’s lies, though it can lead either to bowing one’s head (Día Luna… Día Pena) or to lifting one’s spirits to make a change and chase an ideal (Luna y Sol). On the other hand, love is also present, but mostly as something to forget—though Manu Chao doesn’t seem capable of doing so, as is finally revealed in La Despedida, despite showing quite a bit of confidence in Je ne t’aime plus or La vie A 2 (coincidentally, both in French—makes me wonder if this was intentional, as a nod to French cinema where love is such a typical theme). There’s also a small sense of affection here, but directed mostly toward drugs, such as alcohol in Malegría or marijuana in Minha Galera—both disguised as romantic songs. The LP finally closes with El Viento (The Wind), a motif that encapsulates the protagonist’s character: everything comes and goes—love, problems, sadness, happiness, people… Maybe I’m overinterpreting everything this album brings, but it has truly fired up my music-loving brain, which woke up eager to stitch concepts together. I’ve barely touched on the musical aspects of the LP, but overall they’re impeccable, with an organic quality that makes them beautiful and some tiny but incredibly catchy grooves. To all of this, add a masterful use of samples to create an unique atmosphere—from interpolations of well-known Latin music (La Llorona in Mentira), to recordings Manu Chao made during his travels, to communications from the first Soviet Union space missions, to a freaking Garfield excerpt… It’s so strange, yet it all feels so clear when I listen. I can’t wait to keep playing it from start to finish, because it’s an experience like no other. Favorites: Clandestino, Desaparecido, Bongo Bong, Je ne t’aime plus, Mentira, Lágrimas de Oro, Mamá Call, Luna y Sol, Día Luna… Día Pena, Malegría, La Vie A 2, Minha galera, La despedida, El viento Least Favorite: Welcome to Tijuana (just because of the toad-like voice, otherwise it's a great tune)

#DÍA 8: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Como el nombre del álbum indica, Joni Mitchell en este proyecto nos embarca con ella a un largo viaje de carretera y manta, o como canta: las “finas líneas blancas”. Todo este LP se siente como entrar dentro del cerebro de la artista para escuchar y sentir su flujo de pensamientos mientras marcha por todo el país. De hecho, la lista de canciones se siente como un día entero, desde los sonidos matutinos y ensoñadores de Amelia, hasta la atmósfera nocturna de Blue Motel Room. Es un trayecto desolador, lleno de melancolía azul y de íntima reflexión, principalmente sobre amor, pero también sobre la propia existencia, el envejecer o la avaricia, entre otros tópicos. Los instrumentos mezclan de forma realmente sofisticada elementos del jazz y del folk, dando un resultado onírico, piezas de poca variación que se sienten como un paisaje tras aquello de lo que nos canta Joni Mitchell. La voz de la cantante es cercana, expresiva y absolutamente en línea con la poesía a la que da melodía. Posiblemente el LP resulte algo monótono si no te terminan de hipnotizar las canciones, o si no te interesa escuchar qué tiene que decir Joni Mitchell en las mismas, pero una vez sintonizas tus ondas cerebrales y el latir de tu corazón, se convierte en un viaje de lo más humano y bello. Favoritas: Amelia, Furry Sings the Blues, Hejira, Song for Sharon, Black Crow, Blue Motel Room, Refuge of the Roads Menos favorita: A Strange Boy #DAY 8: 1001 Albums You Must Hear Before You Die As the album title suggests, in this project Joni Mitchell takes us on a long road trip with her — or as she sings, along the “fine white lines”. The entire LP feels like stepping into the artist’s mind to listen to and feel her stream of thoughts as she travels across the country. In fact, the tracklist feels like an entire day, from the dreamy, morning sounds of Amelia to the nocturnal atmosphere of Blue Motel Room. It’s a desolate journey, full of blue melancholy and intimate reflection, primarily about love, but also about existence itself, aging, or greed, among other topics. The instrumentation blends elements of jazz and folk in a truly sophisticated way, creating a dreamlike result — pieces with little variation that feel like landscapes behind the stories Joni Mitchell sings about. Her voice is close, expressive, and absolutely in tune with the poetry it brings to life. The LP might feel somewhat monotonous if the songs don’t end up hypnotizing you, or if you’re not interested in hearing what Joni Mitchell has to say in them. But once your brainwaves and heartbeat sync with it, it becomes a deeply human and beautiful journey. Favorites: Amelia, Furry Sings the Blues, Hejira, Song for Sharon, Black Crow, Blue Motel Room, Refuge of the Roads Least favorite: A Strange Boy

#DÍA 9: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) De King Crimson sólo había escuchado su legendario debut y el oscuro Red, dos álbumes que me parecen una absoluta delicia en cuanto a rock progresivo se refiere. Por ello, escuchar un disco que se encuentra entre medias dentro de la evolución de la banda ha sido realmente interesante. Como se observa en la portada, veo dos lados a este proyecto: el sol, que representa los momentos más enérgicos y poderosos del proyecto y la luna, que es las caricias de las piezas más suaves (aunque realmente dramáticas, algo común en la música de la banda) y los preciosos pasajes de cuerdas. Buen representante de esta interpretación es Larks’ Tongues In Aspic, Pt, 1, la cual pasa de unos realmente pesados riffs a un ensoñador pasaje de cuerdas. Por lo general, la habilidad musical de los distintos integrantes de la banda se hace muy presente en este disco, principalmente en los temas más progresivos, sean las increíbles improvisaciones del tema de apertura, el profundo bajo de Easy Money o la perfecta progresión de The Talking Drum. Al final lo único que pienso que le falta a este disco es algo de cohesión, una mejor mezcla entre los momentos suaves con los intensos, algo que pienso que perfeccionaron en Red. Favoritas: Larks’ Tongues In Aspic, Pt, 1; Easy Money, The Talking Drum, Larks’ Tongues In Aspic, Pt. 2 Menos favorita: Book of Saturday #DAY 9: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I had only listened to King Crimson's legendary debut and the dark Red, two albums that I find to be an absolute delight when it comes to progressive rock. That’s why listening to an album that lies in between, in the band's evolution, has been truly interesting. As seen on the cover, I perceive two sides to this project: the sun, which represents the most energetic and powerful moments of the album, and the moon, which embodies the gentleness of the softer (though still dramatic—something common in the band’s music) pieces and the beautiful string passages. A good example of this interpretation is Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 1, which shifts from really heavy riffs to a dreamy string passage. Overall, the musical skill of the band’s various members is very evident on this record, especially in the more progressive tracks—whether it's the incredible improvisations of the opening piece, the deep bass of Easy Money, or the perfect progression of The Talking Drum. In the end, the only thing I think this album lacks is some cohesion—a better blend between the softer and the more intense moments—something I believe they perfected in Red. Favorites: Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 1; Easy Money, The Talking Drum, Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 2 Least favorite: Book of Saturday

#DÍA 10: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) D.E.P. Ozzy Osbourne Casualidad o destino, tras el fallecimiento del bueno de Ozzy me ha tocado escuchar el cuarto álbum de Black Sabbath, y ha sido fascinante. Escuché Paranoid al comenzar este desafío y me encantó, fue genial ver muchas ideas del metal en un estado tan prematuro pero con tantísimo encanto. Ahora, en el Vol. 4 encuentro cómo las propuestas que Black Sabbath presentaban anteriormente aquí se vuelven más sólidas y, en mi opinión, mejor ejecutadas. Puede que la lista de canciones sea algo incoherente, por la presencia de temas como Changes, FX o Laguna Sunrise, pero pienso que en su mayoría juegan a favor de una experiencia particular de la banda. El tono de bajo y guitarra son bastante más pesados y crujientes, los tonos más graves suenan a la pura oscuridad del infierno, mientras que los agudos de los solos y melodías de Iommi parecen quemar tu alma. Todo esto se presenta a la perfección en la canción de apertura, dividida en dos partes que encarnan la calidad compositiva de Back Sabbath, con un épico final que te hace entrar de lleno en el viaje pagano que es este álbum. Desde la impresionante producción de Tomorrow’s Dream, la belleza melancólica sin filtros de Changes, los riffs quebranta-cuellos de Supernaut, hasta los el diabólico ritual con el que comienza Under the Sun. Es increíble que un disco de metal con más de 50 años suene así de pesado y atmosférico a día de hoy, casi me saca las lágrimas. Favoritas: Wheels of Confusion / The Straightener, Tomorrow’s Dream, Changes, Supernaut, Snowblind, Cornucopia, Under the Sun Menos favorita: St. Vitus Dance #DAY 10: 1001 Albums You Must Hear Before You Die R.I.P. Ozzy Osbourne Whether by chance or fate, following the passing of the great Ozzy, the album that appeared for me to listen to today is Black Sabbath’s fourth album — and it was fascinating. I had listened to Paranoid at the start of this journey and loved it; it was amazing to hear so many metal ideas in such an early stage, yet already so full of charm. Now, with Vol. 4, I find that the ideas Black Sabbath had introduced before become more solid and, in my opinion, better executed. The tracklist might feel a bit incoherent at times — with songs like Changes, FX, or Laguna Sunrise — but I think they mostly contribute to a very particular experience the band wanted to create. The bass and guitar tones are heavier and crunchier; the low-end sounds like the pure darkness of hell, while Iommi’s solos and melodies in the higher registers seem to burn your soul. All of this is perfectly encapsulated in the opening track, split into two parts that embody Black Sabbath’s compositional strength, with an epic finale that draws you fully into the pagan journey that this album represents. From the stunning production on Tomorrow’s Dream, the raw melancholic beauty of Changes, the neck-breaking riffs of Supernaut, to the demonic ritual that kicks off Under the Sun — it’s incredible that a metal album over 50 years old can still sound this heavy and atmospheric today. It nearly brought me to tears. Favorites: Wheels of Confusion / The Straightener, Tomorrow’s Dream, Changes, Supernaut, Snowblind, Cornucopia, Under the Sun Least favorite: St. Vitus Dance

#DÍA 11: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) 4 álbumes seguidos de los 70’ me hace feliz, aunque éste en concreto no tanto. No conozco a Stephen Stills, pero al investigar el personal del LP quedé bastante sorprendido y me dio muchas ganas de escucharlo. Tenemos un cameo de Hendrix, otro de Clapton (aunque es un absoluto idiota supongo que es inegable que toca bien su instrumento), a Ringo Starr y como ingeniero de sonido a Andy Johns, responsable de los álbumes de Led Zeppelin y otros clásicos. Hay otros nombres poderosos en la lista, pero el disco termina siendo bastante decepcionante, principalmente por la falta de distinción de su artista principal. Literalmente el mayor toque de personalidad de este proyecto está en la jirafa rosa de su portada… Suena bien, en general es sólido, las vocals de Stephen Stills son agradables e inofensivas, aunque cuando intenta añadir algo de vigor y energía a su tono en ocasiones se vuelve ridículo para mí, sobre todo en Black Queen. La canción más pegadiza es Love the One You’re With, aunque la letra es bastante simple (problema constante en el LP) y el mensaje se me hace algo extraño… El mejor tema es en el que Hendrix hace su aparición, tiene más alma y ritmo, posiblemente esto deje ver cierta preferencia mía hacia la leyenda del blues, pero es lo que hay cuando un invitado brilla el cuádruple que el músico de cabeza. Me sabe mal porque la intención tras la música de Stephen Stills posiblemente sea la mejor, pero pienso que es un hueco desaprovechado en la lista. Favoritas: Old Times Good Times, Cherokee Menos favorita: Black Queen #DAY 11: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Four consecutive albums from the '70s make me happy, although this one in particular not so much. I didn’t know Stephen Stills, but while researching the personnel involved in the LP, I was quite surprised and really wanted to give it a listen. We’ve got a cameo from Hendrix, another from Clapton (even though he’s an absolute jerk, I guess it’s undeniable that he plays his instrument well), Ringo Starr, and as sound engineer, Andy Johns—responsible for Led Zeppelin albums and other classics. There are other big names on the list, but the album ends up being quite disappointing, mainly because of the lack of distinction of its main artist. Literally, the biggest touch of personality in this project is the pink giraffe on the cover… It sounds good overall, it’s solid, and Stephen Stills’ vocals are pleasant and harmless. But when he tries to add some vigor and energy to his tone, it occasionally comes off as ridiculous to me—especially in Black Queen. The catchiest song is Love the One You’re With, though the lyrics are quite simple (a constant issue throughout the LP) and the message feels a bit strange to me… The best track is the one where Hendrix makes his appearance—it simply has more soul and rhythm. Maybe that just shows my personal preference for the blues legend, but it is what it is when a guest outshines the headlining musician so carelessly. I feel bad because the intent behind Stephen Stills’ music might genuinely be good, but I think it ends up being a missed opportunity in the overall list. Favorites: Old Times Good Times, Cherokee Least favorite: Black Queen

#DÍA 12: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Yendo bastante atrás en el tiempo, a un momento del que he escuchado poca música, así que es genial poder empezar a explorarlo. Solomon Burke fue nombrado como el “rey del Rock ‘N Soul”, un término que deriva del matrimonio entre ambos estilos musicales (aunque aquí en AOTY se menciona como Rhythm and Blues, mejor conocido como R&B). Ha sido enriquecedor escuchar muchas ideas que serían tan influyentes en literalmente toda la música por venir, ya sea los Beatles, el R&B más contemporáneo o el Hip Hop, fijo que algún sample se ha hecho de este álbum. Es una lista completa de canciones de amor, sea de un corazón roto, amor imposible o un deseo incontrolable de amar. La voz de Solomon Burke es cálida y expresiva como poco, emociona con facilidad y puedo entender con facilidad por qué se le dio tal título en su día. Por otro lado instrumentalmente es bastante sólido, me gustaría buscar quién tocó la guitarra de este LP porque me ha parecido un estilo encantador. Eso sí, no es la experiencia de álbum más increíble que exista, aunque es normal dado el entendimiento que había por entonces del formato. En general ofrece temas sólidos del género, bien sentidas y que dan una imagen de época interesante. Favoritas: Cry to Me, Goodbye Baby (Baby Goodbye), If You Need Me, Can’t Nobody Love You, Won’t You Give Him (One More Chance) Menos favorita: Hard, Ain’t It Hard #DAY 12: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going quite a ways back in time, to a moment from which I've heard little music, so it's great to start exploring it. Solomon Burke was named the "King of Rock 'N Soul," a term that comes from the marriage between both musical styles (although here on AOTY it’s mentioned as Rhythm and Blues, better known as R&B). It’s been enriching to hear so many ideas that would become incredibly influential in literally all music to come — whether it's the Beatles, more contemporary R&B, or Hip Hop — I’m sure some sample has been taken from this album. It’s a full list of love songs, whether about heartbreak, impossible love, or an uncontrollable desire to love. Solomon Burke’s voice is warm and deeply expressive — it stirs emotion with ease, and I can clearly understand why he was given such a title in his time. On the other hand, instrumentally it’s quite solid; I’d like to find out who played guitar on this LP because I find the style to be quite charming. That said, it’s not the most incredible album experience ever, which is understandable given the limited understanding of the album format at the time. Overall, it offers solid tracks of the genre, pretty heartfelt, and giving an interesting picture of the era. Favorites: Cry to Me, Goodbye Baby (Baby Goodbye), If You Need Me, Can’t Nobody Love You, Won’t You Give Him (One More Chance) Least favorite: Hard, Ain’t It Hard

#DÍA 13: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Tras la paliza emocional que fue ayer el nuevo álbum de Quadeca, hoy me toca escuchar otro en el que el artista muere conceptualmente al final… Qué alegría oye. The Downward Spiral es otro de esos discos que llevaba mucho queriendo escuchar, aunque siempre ha sido difícil para mí introducirme en la música Industrial. No es un LP que pueda escuchar personalmente a la ligera, no es mi estilo de confort, pese a que mucha música ruidosa sí lo sea. Aún así, desde luego que admiro la calidad de este proyecto, sobre todo la producción, que es mano de santo. Literalmente podría escucharlo sólo por las instrumentales, sin la voz, que es lo que menos me gusta sinceramente, posiblemente porque me parece muy Grunge en ocasiones y no me termina de cuadrar. Sin embargo las texturas tan corruptas e industriales, los tonos de guitarra que parecen oxidados, la percusión tan seca y violenta (sobre todo al final de Piggy) y ese manejo del sample tan sugerente e ingenioso para crear una atmósfera tan peculiar, son impresionantes como poco y han envejecido como el vino, podrían haberse creado ayer vamos. El concepto del disco, la espiral de decadencia, es proyectado de un modo muy interesante a lo largo de las canciones. Arranca con ese dibujo del personaje Mr. Self Destruct, una especie de reflejo de esa voz que todos tenemos dentro que nos inclina a sacar lo peor de nosotros mismos. Luego una serie de temas que nos muestran el desarrollo del estado mental del protagonista, quién finalmente acaba tocando fondo, completamente consumido por su oscuridad, haciendo daño a todo ser querido y disparándose a sí mismo en la pista homónima. Toda esta historia es realmente impactante, con letras de lo más pesimistas, oscuras y sin filtros, aunque tristemente empatizables. Favoritas: Mr. Self Destruct, Piggy, Heresy, Closer, Ruiner, The Becoming, A Warm Place, Eraser, Reptile, The Downward Spiral, Hurt Menos favorita: Big Man With a Gun #DAY 13: 1001 Albums You Must Hear Before You Die After the emotional meltdown that was Quadeca’s new album yesterday, today I have to listen to another one where the artist conceptually dies at the end… What a joy, huh. The Downward Spiral is another one of those albums I’ve been wanting to listen to for a long time, although it’s always been difficult for me to get into Industrial music. It’s not an LP I can personally listen to lightly—it’s not my comfort style, even though a lot of noisy music is. Still, I definitely admire the quality of this project, especially the production, which is absolutely brilliant. I could literally listen to it just for the instrumentals, without the vocals, which are honestly what I like the least—possibly because they sometimes feel very Grunge-like and don’t quite click for me in this album. However, the textures are so corrupted and industrial, the guitar tones feel rusted, the percussion is so dry and violent (especially at the end of Piggy), and the sampling is so clever and suggestive in creating such a unique atmosphere—it’s all downright impressive and has aged like fine wine. It could have been made yesterday, really. The concept of the album—the downward spiral—is portrayed in a really interesting way throughout the tracks. It starts with the depiction of the character Mr. Self Destruct, a sort of reflection of that inner voice we all have that pushes us to bring out the worst in ourselves. Then there’s a series of songs that show the protagonist’s mental decline, who eventually hits rock bottom, completely consumed by his darkness, hurting everyone he loves and finally shooting himself in the self-titled track. The whole story is truly impactful, with lyrics that are extremely pessimistic, dark, and unfiltered—though sadly relatable. Favorites: Mr. Self Destruct, Piggy, Heresy, Closer, Ruiner, The Becoming, A Warm Place, Eraser, Reptile, The Downward Spiral, Hurt Least favorite: Big Man With a Gun

#DÍA 14: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Primer disco de Hip Hop que toca y es de un grupo del que había oído su single con Danny Brown este año pero que no conocía realmente. En este enérgico debut el cuarteto de raperos, junto con el productor J-Swift cocinaron una serie de temas que mezclan el estilo Boom Bap con el Jazz Rap y unos coloridos toques de comedia que construyen una experiencia de dibujo animado. Es entretenido y desde luego que saca varias sonrisas, es un rato genial en el que me han dado ganas de levantarme y bailar más de una vez, y eso que se me da de pena. Aunque algunas barras en ocasiones pequen de haber envejecido regular —sobre todo el incómodo verso / llamada de teléfono de en 4 Better Or 4 Worse de Fatlip— , son en su mayoría ingeniosas y son traídas en unos flows que botan como cabezas. Por otro lado me ha sorprendido muchísimo la producción de J-Swift, todas las bases son de buenísima calidad, los poderosos vientos de I’m That Type of N****, el throwback a la “golden era” de Return of the B-Boy o los toques de Cool Jazz en On the DL. Es divertido e incluso ridículo en momentos, y tiene un encanto de época que es inimitable. Favoritas: Oh Shit, I’m That Type of N****, Soul Flower (Remix), Officer, Passin’ Me By, Otha Fish, Pack the Pipe, Return of the B-Boy Menos favorita: 4 Better Or 4 Worse #DAY 14: 1001 Albums You Must Hear Before You Die First Hip Hop album I’ve listened to in this challenge and it’s from a group I had heard about through their single with Danny Brown earlier this year, but didn’t really know them. In this energetic debut, the rap quartet, along with producer J-Swift, cooked up a series of tracks that blend Boom Bap style with Jazz Rap and some colorful touches of comedy, creating a cartoon-like experience. It’s entertaining and definitely brings out a few smiles—it’s a great time that made me want to get up and dance more than once, and that’s saying something, considering how bad I am at it. Although some bars haven’t aged all that well—especially the awkward verse/phone call from Fatlip on 4 Better Or 4 Worse—most of them are clever and delivered in bouncy, animated flows. On the other hand, I was really surprised by J-Swift’s production; all the beats are top quality: the powerful horns on I’m That Type of N****, the throwback to the golden era on Return of the B-Boy, or the Cool Jazz touches on On the DL. It’s fun and even ridiculous at times, and it has an era charm that’s simply inimitable. Favorites: Oh Shit, I’m That Type of N***, Soul Flower (Remix), Officer, Passin’ Me By, Otha Fish, Pack the Pipe, Return of the B-Boy* Least favorite: 4 Better Or 4 Worse

#DÍA 15: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Un álbum legendario, ya lo había escuchado así que no me ha pillado de sorpresa, pero una escucha detenida me ha ayudado a tener una imagen más completa de este huracán psicodélico. Ya dejé entender en la reseña de Stephen Stills que con que Hendrix toque tres notas yo ya estoy con la mandíbula en el suelo, es algo exagerado pero desde que escuché este doble LP me he vuelto un fan de cómo tocaba este señor. Tenía ganas de que en el desafío me tocase pronto un proyecto suyo, qué casualidad que es uno que ya he oído pero bueno… Me conformo por ahora. La energía y pasión de este disco es de otro mundo, mundo en el que entramos de cabeza con la espeluznante intro y el tono fantasioso, como entrando a un rito bacanal en Have You Ever Been. Todo ello para que después nos suelten dos de los mejores temas de blues y rock que he escuchado en mi vida: Crosstown Traffic, con el riff tan salvaje y casi motorizado y Voodoo Child, una extensa experiencia de blues que deja hipnotizado con sus solos. El doble LP, pese a su extensión, no pierde prácticamente dinamismo en todo lo que dura, desde las armonías a lo Beatles de Little Miss Strange, la energía tan saltarina de Gypsy Eyes, el viaje subacuático tan progresivo por el que te lleva 1983 o la chispeante House Burning Down. Hay mucha experimentación en este proyecto tan masivo, principalmente moviendo los instrumentos de lado a lado en estéreo, o distintos pedales, como el wah-wah o el octavia. Es de admirar sin duda, pero pienso que en algunos momentos las canciones se vuelven demasiado caóticas, como Burning of the Midnight Lamp. La experiencia es alucinante, no me extraña que decidieran nombrar así la banda… Favoritas: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming; House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Menos favorita: Burning of the Midnight Lamp #DAY 15: 1001 Albums You Must Hear Before You Die A legendary album. I had already listened to it before, so it didn’t catch me by surprise, but a more focused listen helped me get a fuller picture of this psychedelic hurricane. I already hinted in my Stephen Stills review that all it takes is for Hendrix to play three notes and my jaw is on the floor—that’s a bit of an exaggeration, but ever since I listened to this double LP, I’ve become a fan of the way this man played. I was hoping that one of his projects would come up soon in the challenge—what a coincidence that it’s one I had already heard, but ok… I’ll take it for now. The energy and passion in this record are out of this world—a world we dive headfirst into with the eerie intro and the fantastical tone of Have You Ever Been, like entering a bacchanalian rite. All of this just to be hit with two of the best blues and rock songs I’ve ever heard: Crosstown Traffic, with its wild, almost motorized riff, and Voodoo Child, an extensive blues experience that hypnotizes with its solos. Despite its length, the double LP hardly ever loses momentum, from the Beatles-like harmonies of Little Miss Strange, the bouncy energy of Gypsy Eyes, the proggy underwater journey of 1983, or the sparkling House Burning Down. There’s a lot of experimentation in this massive project—mainly moving instruments from side to side in stereo or using different pedals, like the wah-wah or the octavia. It's undeniably admirable, though I do think that at times the songs become a bit too chaotic, like Burning of the Midnight Lamp. Still, the experience is mind-blowing—no wonder they chose that name for the band… Favorites: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming, House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Least favorite: Burning of the Midnight Lamp

#DÍA 16: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Bueno este día tenía que llegar, primer álbum del desafío del que tengo poco bueno que decir. Parece que es una banda algo olvidada a día de hoy y no me extraña, no es que haya envejecido muy bien… Voy a ser directo y decir que el trabajo que hace como cantante y letrista Neil Hannon en este álbum es vergonzoso, parece un constante intento de ser Frank Sinatra para poder dar esa solemnidad y rollo dandy a sus temas que deja muchísimo que desear, o como si Muse hubiesen viajado a los 60s para hacer canciones que tratan la sexualidad de un modo tan profundo como sus mensajes políticos. El humor mujeriego no encaja para nada conmigo, mucho menos joyas como “everybody knows that ‘no’ means ‘yes” o esos pasajes hablados tan vergonzosos, como la intro del disco, que está a un paso de estar al nivel de Corey Feldman en cuanto a ridículo. El LP puede salvarse por algunas ideas instrumentales y rasgos de experimentación que al menos me hacen ver que ambición había, y mucha, aunque resultase en una catástrofe en mi opinión. Charge, pese a ser el culmen de lo patético de este álbum, tiene una estructura y progresión que muestra cierto trabajo. Por otro lado The Frog Princess tiene una de las instrumentales más extrañas, con elementos de Trip Hop, silbidos y electrónica, aunque el hecho de que la composición orquestal esté basada en el himno de Francia la hace sonar como una parodia. Los rasgos más teatrales de las canciones tienen potencial, pero no creo que Hannon sea un cantante cuya voz y expresividad sostenga lo barroco de sus piezas, mucho menos deseo volverlo a escuchar hablar con ese tono seductor que a poco ha estado de hacerme vomitar. Tolerables: Songs of Love, The Frog Princess Menos favorita: Charge #DAY 16: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well, this day had to come—first album in the challenge that I have very little good to say about. It seems like this is a somewhat forgotten band nowadays, and I’m not surprised—it hasn’t aged well at all. I’ll be direct and say that Neil Hannon’s work as a singer and lyricist on this album is embarrassing. It feels like a constant attempt to be Frank Sinatra, trying to give his songs that sense of solemnity and dandy flair, but it falls far short. Or like if Muse had traveled to the 60s to write songs about sexuality with the same depth as their political messages. The womanizing humor doesn’t sit well with me at all—especially not with gems like “everybody knows that ‘no’ means ‘yes’” or those painfully awkward spoken passages, like the album’s intro, which is one step away from being Corey Feldman-level ridiculous. The LP can be salvaged by some instrumental ideas and experimental touches that at least show there was ambition—and a lot of it—even if, in my opinion, it ended in disaster. Charge, despite being the epitome of this album’s corniness, has a structure and progression that shows some real effort. On the other hand, The Frog Princess has one of the strangest instrumentals, with trip-hop elements, whistling, and electronics—though the fact that the orchestral composition is based on the French national anthem makes it sound like a parody. The more theatrical traits of the songs have potential, but I don’t think Hannon is a singer whose voice and expressiveness can support the baroque style of these pieces—let alone do I ever want to hear him speak in that seductive tone again, which nearly made me vomit. Tolerable: Songs of Love, The Frog Princess Least favorite: Charge

#DÍA 17: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Un clásico como un castillo, eso es innegable, pero no es para mí la verdad. En general el Heartland Rock y la voz de Bruce Springsteen no conectan demasiado conmigo. Puede que lo tenga demasiado ligado a un sentimiento estadounidense y yo no es que sea muy de allí… No obstante puedo admirar el talento innegable, ya sea como cantante o como escritor, del artista. Es un álbum sólido y que en general flojea poco, así que si eres fan de este sonido seguro que te engancha con la primera escucha. Es un sonido muy ochentero, con una batería metida en una catedral y con unos sintetizadores que ciegan con su brillo. Es imposible ignorar el single principal, Born In The U.S.A., cuyo mensaje anti-guerra de Vietnam ha sido bastante malinterpretado en general, pero es una canción muy sólida de Pop Rock. Destaco puntos como la expresividad de la voz de Springsteen, sobre todo en Cover Me; la estructura más cercana al Folk de Downbound Train o I’m On Fire, que pilla por sorpresa que canciones sin estribillo fuesen tan exitosas en su día; y Bobby Jean, un homenaje bastante emotivo al exguitarrista de The E-Street Band. Por lo demás, pienso que el álbum se queda muy estancado en un sonido, sobre todo instrumentalmente y en la segunda mitad pierde bastante mi interés, aunque pueda valorar que las letras sean sinceras e interesantes, como Dancing In The Dark o My Hometown. En fin, ojalá me llegase más el sonido general del disco, pero me resulta algo aburrido, no pienso que alcance la energía y el júbilo que pretenden desprender muchas de las instrumentales, por eso quizá me hayan gustado más los temas más íntimos de sonido. Favoritas: Born In The U.S.A., Cover Me, Downbound Train, I’m On Fire, Bobby Jean, My Hometown Menos favorita: No Surrender #DAY 17: 1001 Albums You Must Hear Before You Die A classic like a castle, that’s undeniable—but to be honest, it’s not for me. In general, Heartland Rock and Bruce Springsteen’s voice don’t really resonate with me. Maybe I associate it too much with a very American sentiment, and I’m not particularly connected to that… That said, I can still admire the undeniable talent of the artist, whether as a singer or as a songwriter. It’s a solid album that rarely falters, so if you’re a fan of this sound, it’ll likely hook you from the first listen. It has a very ’80s sound, with drums that feel like they were recorded in a cathedral and synthesizers that shine blindingly bright. It’s impossible to ignore the main single, Born in the U.S.A., whose anti-Vietnam War message has often been misunderstood, but it’s a very solid Pop Rock song. I’d highlight things like Springsteen’s expressive vocals, especially on Cover Me; the more folk-leaning structure of Downbound Train or I’m On Fire, which were very successful at the time even if they didn’t have a chorus; and Bobby Jean, a rather emotional tribute to the former guitarist of The E Street Band. Beyond that, I feel like the album gets a bit stuck in one sound—especially instrumentally—and the second half loses my interest quite a bit, although I can still appreciate that the lyrics are sincere and interesting, as in Dancing in the Dark or My Hometown. In the end, I wish the album’s overall sound resonated with me more, but I find it somewhat dull. I don’t think it reaches the energy and joy that many of the instrumentals seem to aim for, which is probably why I ended up enjoying the more intimate-sounding tracks more. Favorites: Born in the U.S.A., Cover Me, Downbound Train, I’m On Fire, Bobby Jean, My Hometown Least favorite: No Surrender

#DÍA 18: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenas tardes, ayer tuve el día ocupado pero hoy vuelvo para escuchar esta pieza celestial de música. Ya lo había escuchado alguna vez antes, pero principalmente lo dejaba de fondo o lo usaba para dormir (funcionaba bastante bien para ello). Pero ahora dedicándole una escucha atenta me doy cuenta de la extensa belleza que contiene este álbum. No es de extrañar que siempre sea mencionado como un LP vital que escuchar cuando quieres adentrarte en el Post-Rock, aunque sea un disco al que le tiemble esa etiqueta, como a muchos clásicos del género también cabe decir. También se suele decir que su sonido está fuera de este mundo, pero yo lo considero bastante terrenal, aunque con ciertos toques oníricos y de fantasía, como adentrarte en un cuento medieval. En ocasiones me hace sentir que voy flotando junto a criaturas místicas por los gélidos valles de Islandia. La Intro y Svefn-G-Englar son el perfecto preludio de este libro, como una dulce nana cantada a un niño para irse a dormir y comenzar a soñar. La guitarra tocada con arco, las atmósferas tan azules y moradas, la fragilidad de la voz de Jónsi… En mi opinión Starálfur y Viðrar Vel Til Loftárása son dos temas de diez dentro de este proyecto, siendo el primero una cálida y bellísima canción que te hace volver a sentir la ilusión de ser un niño, y el segundo una lenta y sutil pieza cuyo piano lentamente derrite el hielo que cubre su clímax. Es alucinante en casos, aunque hay algunas pistas que se sienten más monótonas y que no logran la misma progresión, como Olsen Olsen o la canción homónima, aunque de esta última valoro el sentido autobiográfico tan entusiasmante de la letra. También cabe destacar que Hjartað Hamast tiene una combinación de instrumentos poco ortodoxa en cuanto al resto del LP, lo que la hace algo irruptoria, pero no deja de ser interesante. En fin, una experiencia que se siente tan íntima como gigante, siento que estos sonidos deben reflejar bien lo que se debe sentir al observar la aurora boreal. Favoritas: Svefn-G-Englar, Starálfur, Flugufrelsarinn, Ný Batterí, Viðrar Vel Til Loftárása Menos favorita: Olsen Olsen #DAY 18: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Good afternoon, yesterday I had a busy day but today I'm back to listen to this celestial piece of music. I had listened to it before, but mostly I would leave it playing in the background or use it to fall asleep (and it worked quite well for that). But now, giving it a focused listen, I realize the vast beauty this album holds. It’s no wonder it’s always mentioned as a vital LP to listen to when diving into Post-Rock—even if it’s an album that wavers under that label, as many other classics from this genre also do. It’s often said that its sound is out of this world, but I find it quite earthly, though with dreamlike and fantastical touches—like stepping into a medieval tale. At times, it makes me feel like I’m floating alongside mystical creatures through the icy valleys of Iceland. The Intro and Svefn-G-Englar are the perfect prelude to this book, like a sweet lullaby sung to a child to drift off to sleep and begin dreaming. The guitar being played with a bow, the blue and purple atmospheres, the fragility of Jónsi’s voice... In my opinion, Starálfur and Viðrar Vel Til Loftárása are two standout tracks on this record—the first being a warm and beautiful song that brings back the joy of childhood wonder, and the second a slow and subtle piece whose piano slowly melts the ice covering its climax. It’s astonishing at times, though there are some tracks that feel more monotonous and don’t achieve the same progression, like Olsen Olsen or the self-titled track, though I do appreciate the excitingly autobiographical nature of the lyrics in the latter. It’s also worth noting that Hjartað Hamast has a rather unorthodox combination of instruments compared to the rest of the LP, making it somewhat disruptive, but still interesting. All in all, an experience that feels both intimate and massive—I feel these sounds must reflect what it’s like to witness the Northern Lights. Favorites: Svefn-G-Englar, Starálfur, Flugufrelsarinn, Ný Batterí, Viðrar Vel Til Loftárása Least favorite: Olsen Olsen

#DÍA 19: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Sí, segundo álbum del día que hay que volver a coger ritmo. Yes es una banda con la que ya tengo mi familiaridad, principalmente con su LP Fragile, por el que me obsesioné en mi época de escuchar Prog. Ahora escuchando el “primer disco importante” de la banda puedo ver de dónde viene ese estilo que tanto me llamó la atención. Aún siendo menos ambicioso que los dos siguientes proyectos de la banda, The Yes Album es una muestra del talento de sus integrantes y el sonido con el que explotaron en los 70s, sorprendentemente espiritual y optimista pese a ser contemporáneo a la guerra de Vietnam. Obviamente los temas son bastante complejos musicalmente, cada miembro saca lo mejor de sí en su instrumento con pasajes de lo más virtuosos. Ya sea el clásico bajo rebotante de Chris Squire, que da color y movimiento a todos los temas de la banda; la fantástica e icónica voz de Jon Anderson, que además es reforzada con letras cargadas de espiritualidad y un sentido moralizador y antibélico muy fuerte, véase la canción de apertura; Steve Howe siendo una bestia en la guitarra, ya con The Clap nos demuestra cómo hasta sus primeras composiciones de jovencito ya estaban cargadas de personalidad; los toques mágicos y surrealistas que aportan los teclados de Tony Kaye, usando el mítico sintetizador Moog y ese órgano tan reconocible; y, por supuesto, Bill Bruford tras la batería, aunque pienso que se luciría mucho más en los siguientes álbumes de la banda y con King Crimson. En general es un LP genial para entrar a conocer de qué va esta banda, pero si ya has escuchado Fragile o Close To The Edge no sorprende tantísimo. Aún así, es sólido y una escucha muy amena, y no deja de ser Yes, por lo que es calidad. Favoritas: Yours Is No Disgrace, Starship Trooper, I’ve Seen All Good People, Perpetual Change Menos favorita: A Venture #DAY 19: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Yes, second album of the day — time to get back into rhythm. Yes is a band I'm already familiar with, mainly through their LP Fragile, which I became obsessed with during my Prog-listening phase. Now, listening to the band's "first important album," I can see where that style that caught my attention comes from. Even if it’s less ambitious than the two projects that followed, The Yes Album is a showcase of the members' talent and the sound that defined their breakthrough in the ’70s—surprisingly spiritual and optimistic, despite being contemporary to the Vietnam War. Obviously, the songs are musically complex, with each member bringing out the best in their instrument through some truly virtuosic passages. Be it Chris Squire’s classic bouncing bass, which brings color and movement to all the band's tracks; Jon Anderson’s fantastic and iconic voice, further reinforced by lyrics filled with spirituality and a strong moral and anti-war sentiment—see the opening track, for example; Steve Howe being a beast on the guitar, already showing in The Clap how even his earliest compositions as a young man were full of personality; the magical, surreal touches brought in by Tony Kaye’s keyboards, using the legendary Moog synthesizer and that very recognizable organ sound; and of course, Bill Bruford on drums—though I think he’d really shine more in the band’s later albums and with King Crimson. Overall, it’s a great LP to get into what this band is all about, but if you’ve already listened to Fragile or Close to the Edge, it won’t blow your mind quite as much. Even so, it’s solid and a very enjoyable listen—and after all, it’s Yes, so it’s quality. Favorites: Yours Is No Disgrace, Starship Trooper, I’ve Seen All Good People, Perpetual Change Least favorite: A Venture

#DÍA 20: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy celebramos los 20 álbumes escuchados viajando a otro planeta con Tangerine Dream. Dentro de la escena de Berlín del krautrock y la música electrónica, existía este proyecto musical que fue un pionero de la música de ambiente y del Space Rock. Edgar Froese, Christopher Franke y Peter Baumann unen fuerzas para crear un LP basado en el uso de las últimas tecnologías: el melotrón, el sintetizador VCS 3 y el Moog. Recomiendo buscar algún vídeo sobre cómo funcionan estos dos últimos, a mí me ha volado la cabeza. La primera pieza, Phaedra, se trata de una improvisación de los tres miembros de la banda, la cual a día de hoy sigue sonando absolutamente futurista. Parece que he sido abducido por una nave no identificada que me va a transportar a otro planeta, siendo el tercer tercio de la pista el aterrizaje, bastante más asolador y siniestro que el resto. Al parecer es que los osciladores se desafinaron por sobrecalentamiento, lo que llevó a los músicos a dirigir la pieza por otra dirección, asombroso sinceramente. El resto del LP te envuelve en una atmósfera prácticamente alienígena, sobre todo en Movements of a Visionary, cuya mezcla de órganos y sonidos electrónicos me hacen pensar que los extraterrestres de la nave del principio me están mostrando su religión en una catedral de su ciudad. Phaedra es un proyecto apasionante y ha despertado en mí mucho interés por escuchar más electrónica de los 70s. Tengo muy poco que criticar del mismo, principalmente que es muy corto, podría escuchar 2 horas de esto y sinceramente pienso que es lo que le falla, no tener mayor desarrollo, pero imagino que también son limitaciones de la época… Favoritas: Phaedra, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, Movements of a Visionary Menos favorita: Sequent C’ (supongo, ojalá fuese más larga) #DAY 20: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today we celebrate 20 albums listened to while traveling to another planet with Tangerine Dream. Within the Berlin scene of krautrock and electronic music, there was this musical project that became a pioneer of ambient music and space rock. Edgar Froese, Christopher Franke, and Peter Baumann joined forces to create an LP based on the use of cutting-edge technology: the Mellotron, the VCS 3 synthesizer, and the Moog. I highly recommend looking up a video on how the last two work—it blew my mind. The first track, Phaedra, is an improvisation by the three band members, and to this day it still sounds absolutely futuristic. It feels like I’ve been abducted by an unidentified spacecraft that’s about to take me to another planet, with the final third of the track being the landing—much more desolate and sinister than the rest. Apparently, the oscillators went out of tune due to overheating, which led the musicians to steer the piece in a different direction—It’s amazing. The rest of the LP wraps you in an almost alien atmosphere, especially Movements of a Visionary, whose mix of organ and electronic sounds makes me think that the aliens from the beginning are showing me their religion in a cathedral in their city. Phaedra is a fascinating project and has sparked a lot of interest in me to explore more 70s electronic music. I have very little to criticize about it—mainly that it’s too short. I could easily listen to two hours of this, and honestly, I think that’s the only flaw: its lack of further development. But I imagine that was also due to the limitations of the time… Favorites: Phaedra, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, Movements of a Visionary Least favorite: Sequent C’ (I suppose—wish it was longer)

#DÍA 25: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Volviendo una vez más a los 70s, la banda más ochentera que no es de los ochenta, Kiss. De pequeño solía escucharlos de vez en cuando, temas clásicos como Rock and Roll All Nite o Love Gun, pero nunca de este disco en concreto. Ahora unos 8 años después la verdad que tengo una opinión confusa acerca de la banda y su música… Sin duda tienen una influencia abrumadora, definen un poco lo que es el Rock más festivo y sería copiado hasta la saciedad. Personalmente no es el tipo de música que más me llegue, tiene clichés por doquier y me parece bucólico en el sentido más dañino. Tenemos un entrante decente, quizá la intro me sobran minutos, pero me parece interesante que hicieran un homenaje a un fan que falleció conduciendo hacia uno de sus conciertos. Es muy glam, muy de saltar en un concierto y gritar sin pensar demasiado, y las armonías en las guitarras del final son bastante potentes. Ahora bien, de aquí el disco no vuelve a subir, el siguiente tema, King of the Night Time World, tiene una mezcla caótica que se repite en otros temas y no tiene ni la mitad de energía y sensación de estructura que la anterior. Y es un poco el error general del álbum, el talento musical en cuanto a composiciones no está muy presente. Las letras dejan mucho que desear, principalmente la ofensiva Great Expectations o God of Thunder y sus penosas referencias mitológicas. Puedo destacar que Beth es una canción adorable y que la orquesta suena bastante bien, pero desentona completamente con el resto del disco. En fin, deja mucho que desear, realmente se siente que Kiss lo reservaban todo para la puesta en escena, porque sinceramente los outfits y la portada son legendarios. Pero no son los músicos más increíbles del mundo, y contando con que este año salieron otros proyectazos de rock como 2112 de Rush, Station to Station de Bowie o A Day at the Races de Queen, otro álbum que apunta a hacer gritar y saltar pero que considero que tiene una elegancia que lo hace indiscutiblemente superior… Pues poco más que añadir, meh. Favoritas: Detroit Rock City, Shout It Out Loud, Beth Menos favorita: Great Expectations #DAY 25: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going back once again to the 70s, the most 80s band that isn’t from the 80s: Kiss. As a kid I used to listen to them from time to time, classic tracks like Rock and Roll All Nite or Love Gun, but never from this specific album. Now, about eight years later, I honestly have a rather mixed opinion about the band and their music… Without a doubt, they have an overwhelming influence; they kind of define what party rock is, and it would be copied endlessly. Personally, it’s not the type of music that resonates the most with me—it’s full of clichés and feels bucolic in the most damaging sense. We start with a decent opener; maybe the intro drags on for too many minutes, but I do find it interesting that they paid tribute to a fan who died driving to one of their concerts. It’s very glam, very much the type of thing to jump to at a show and scream along to without thinking too much, and the guitar harmonies at the end are quite powerful. That said, from here the album never really picks up again—the next track, King of the Night Time World, has a chaotic mix that’s repeated in other songs and lacks even half the energy and sense of structure of the previous one. And that’s kind of the album’s main flaw: musical talent in terms of composition isn’t very present. The lyrics leave much to be desired, especially the offensive Great Expectations or God of Thunder with its surface level mythological references. I can point out that Beth is an adorable song and the orchestra sounds pretty good, but it’s completely out of place with the rest of the record. All in all, it leaves a lot to be desired; it really feels like Kiss saved everything for the stage show, because honestly, the outfits and the cover art are legendary. But they’re not the most incredible musicians in the world, and considering that this year saw the release of other massive rock projects like 2112 by Rush, Station to Station by Bowie, or A Day at the Races by Queen—another album aimed at making you shout and jump, but with an elegance that makes it indisputably superior… well, there’s not much more to say. Meh. Favorites: Detroit Rock City, Shout It Out Loud, Beth Least favorite: Great Expectations

#DÍA 26: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy toca el estereotipo de disco que imagino encontrar constantemente durante el desafío: álbum de country de un tío que no creo que deba escuchar antes de morir. Gene Clark fue un miembro fundador de The Byrds que en 1974 decidió componer un LP en solitario de lo más ambicioso, una producción muy potente con una cantidad algo exagerada de músicos contratados. Consigue lo que quiere al final, el álbum suena grande, instrumentalmente es impresionante, pero poco más. Si que es verdad que molan los toques de Rock psicodélico aquí y allá, le dan personalidad, aunque creo que debió ahondar mucho más en ello. El álbum abre con Life’s Greatest Fool presentándonos una estilo de Rock Country con toques de gospel y letras poéticas y reflexivas. La voz de Gene Clark es suave y sutil, a veces demasiado y termina pareciendo un sonido más de fondo, además que su estilo lírico me parece bastante falto de personalidad. El gran problema de este álbum es que considero que le faltan momentos memorables, es muy monótono, sólo me destaca la canción homónima porque es donde más psicodelia hay, con ese bajo tan prominente en la mezcla que hace retumbar todo bastante. Por otro lado, Some Misunderstanding intenta ser muy grandiosa y un momento clave, pero no creo que a nivel compositivo ni vocal consiga crear un mínimo de momentum para dar una fuerza real a esos estribillos. La producción y paleta sonora termina siendo muy plana y seca, los versos se hacen repetitivos y demasiado lentos. Creo que una canción que apunta a una dirección parecida es Us and Them de Pink Floyd, pero creo que ellos logran un mayor impacto gracias a un manejo de la intensidad más expresivo, el cual falta constantemente en este proyecto de Gene Clark. En general es decente, pero no tiene nada que me llame la atención como para considerarlo una escucha necesaria. Quizá si el Country es tu género favorito pues sí pueda ser más interesante, pero para el fan de música general no lo veo vital. El talento musical es innegable, pero al final es lo que se consigue gracias a haber invertido 100.000 dólares (lo que hoy sería medio millón) en producción, la creatividad no está muy presente, y es lo que creo que hace que tanta ambición termine en algo más bien pobre. Aunque no es terrible ni ofensivo, podría ser mucho mejor si hubiese intentado ser algo más ofensivo. Favoritas: No Other, Strength of Strings Menos favorita: From a Silver Phial #DAY 26: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today’s pick fits the stereotype of an album I imagine I’ll come across often during this challenge: a country record by a guy I don’t think I really need to hear before I die. Gene Clark was a founding member of The Byrds who, in 1974, decided to compose a highly ambitious solo LP—a big production with what feels like an excessive number of hired musicians. In the end, he gets what he was aiming for: the album sounds big, and instrumentally it’s impressive… but not much more than that. It’s true that the touches of psychedelic rock here and there are pretty cool—they give it some personality—though I think he should have leaned into them much more. The album opens with Life’s Greatest Fool, presenting a country rock style with gospel touches and poetic, reflective lyrics. Gene Clark’s voice is soft and subtle—sometimes too much so—and ends up feeling like just another background sound. His lyrical style also strikes me as lacking in personality. The big problem with this album is that I think it’s missing memorable moments; it’s very monotonous. The only real standout for me is the title track, because it’s where the psychedelia is most present, with that prominent bass in the mix that makes everything rumble. On the other hand, Some Misunderstanding tries to be grand and a key moment, but I don’t think it manages to build enough momentum—compositionally or vocally—to give those choruses any real power. The production and sonic palette end up feeling flat and dry, the verses are repetitive and too slow. A song that I think aims for something similar is Pink Floyd’s Us and Them, but they achieve a far greater impact thanks to a more expressive handling of intensity—something this Gene Clark project consistently lacks. Overall, it’s decent, but there’s nothing that grabs my attention enough to consider it an essential listen. Maybe if country is your favorite genre it could be more appealing, but for the general music fan, I don’t see it as vital. The musical talent is undeniable, but that’s also what you get when you invest $100,000 (about half a million today) into production—creativity, on the other hand, is not as present, and I think that’s what makes all that ambition end up as something rather underwhelming. While it’s neither terrible nor offensive, it could have been much better if it had actually tried to be a bit more offensive. Favorites: No Other, Strength of Strings Least favorite: From a Silver Phial