1001 Albums Summary

#DÍA 4: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English translation below) Desconocía por completo la existencia de esta banda y de su música, pero bueno para eso me encuentro haciendo este “desafío”, para encontrar cositas nuevas… Aunque sinceramente este álbum no ha despertado demasiado interés en mí. La atmósfera rollo western psicodélico tiene mucho encanto pero siento que es el único atractivo del álbum, puesto que siento que la gran mayoría de canciones aquí son olvidables. La primera mitad es mucho más fuerte sin duda, Hail Bop es un tema que aprovecha genial la atmósfera y la parte final de Waveforms tiene un ritmo genial. Por el resto, Wor tenía potencial de ser una canción de calidad pero para mi el mayor problema del disco es que las vocals no destacan en nada generalmente, de hecho a veces me parece que suenan directamente mal, como en Storm o Zumm Zumm, que acaban siendo desagradables. Divertido en general, pero no estoy deseando volver a escucharlo, sobre todo las pistas de la mitad… Favoritas: Hail Bop, Default, Waveforms Menos favorita: Zumm Zumm #DAY 4: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I was completely unaware of the existence of this band and their music, but that’s exactly why I’m doing this “challenge” — to discover new things… Although honestly, this album hasn’t sparked much interest in me. The psychedelic western-style atmosphere is quite charming, but I feel like it’s the only appealing aspect of the album, as most of the songs here seem forgettable to me. The first half is definitely stronger — Hail Bop is a track that makes great use of the atmosphere, and the final part of Waveforms has a great rhythm. Other than that, Wor had the potential to be a quality song, but for me the biggest problem with the album is that the vocals generally don’t stand out at all — in fact, sometimes they even sound outright bad, like in Storm or Zumm Zumm, which end up being obnoxious. Fun overall, but I’m not looking forward to listening to it again, especially the tracks in the middle… Favorites: Hail Bop, Default, Waveforms Least favorite: Zumm Zumm

#DÍA 21: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenas, he estado de vacaciones en la playa, así que voy a subir seguidas las reseñas de los dos álbumes que escuché durante dicho retiro. En primer lugar, fue el turno de Arthur de The Kinks, la primera vez que escucho nada de ellos y una confirmación más de que 1969 fue un año fabuloso para la música. Todo en ellos me recuerda en gran parte al pop rock que hacían los Beatles en este momento, solo que con un mayor sentido de unidad estilística entre todas las canciones y cierto espíritu punk que le da un encanto único al LP. Desde la canción de apertura ya se nos presenta una buen trabajo de melodías, armonías y una producción con un sonido claro y realmente brillante. La energía es de lo más contagiosa, pero pronto el disco presenta una de las canciones antibélicas más potentes que he escuchado: Some Mother’s Son, con una letra directa y que realmente refleja lo inhumano de la guerra. A partir de aquí el álbum se enfoca en el ámbito político y económico del Reino Unido de entonces, ya sea las promesas bucólicas de mudarse a Australia, letras que parecen querer iniciar una revolución obrera en Brainwashed o una sátira directamente dirigida a Churchill. Pero por debajo de toda esta carga crítica se encuentran unas melodías realmente encantadoras, unas armonías alucinantes propias de la música de esta época y un talento de cada miembro en su rol que es imposible de ignorar. Pienso que el LP acaba perdiendo ligeramente calidad en sus dos últimos temas, que aunque sigan teniendo un contenido lírico de calidad, musicalmente no las considero tan entretenidas como el resto. Aún así, poco puedo criticar, el mensaje está lanzado de una forma impecable y la música sigue sonando fantástica tras más de 50 años. Favoritas: Victoria, Some Mother’s Son, Brainwashed, Australia, Shangri-La, She’s Bought a Hat Like Princess Marina Menos favorita: Nothing to Say #DAY 21: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Greetings, I’ve been on vacation at the beach, so I’m going to post back-to-back reviews of the two albums I listened to during that getaway. First up was Arthur by The Kinks — the first time I’ve heard anything from them and yet another confirmation that 1969 was a fabulous year for music. Everything about them reminds me largely of the pop rock the Beatles were making at the time, only with a more focused sense of stylistic unity across all the songs and a certain punk spirit that gives the LP a unique charm. From the opening track, we’re presented with strong melodies, harmonies, and production work with a clear and truly brilliant sound. The energy is incredibly contagious, but soon the album delivers one of the most powerful anti-war songs I’ve ever heard: Some Mother’s Son, with direct lyrics that really capture the inhumanity of war. From there, the album turns its focus to the political and economic landscape of the UK at the time — whether it’s the bucolic promises of moving to Australia, lyrics that seem ready to spark a workers’ revolution in Brainwashed, or satire aimed directly at Churchill. But beneath all this critical edge lie truly delightful melodies, dazzling harmonies characteristic of the era, and a level of talent from each member in their role that’s impossible to ignore. I think the LP slightly loses quality in its last two tracks; while they still have strong lyrical content, musically I don’t find them as engaging as the rest. Even so, there’s little I can criticize — the message is delivered impeccably, and the music still sounds fantastic more than 50 years later. Favorites: Victoria, Some Mother’s Son, Brainwashed, Australia, Shangri-La, She’s Bought a Hat Like Princess Marina Least favorite: Nothing to Say

#DÍA 22: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) En segundo lugar, un lento y romántico LP del mismísimo Marvin Gaye. De esta leyenda del Soul sólo había escuchado su aclamado What’s Going On, un albumazo en toda regla de Soul Progresivo. Este es su posterior LP y presenta un estilo más directo de Smooth Soul, con perfectos grooves sensuales para bailar con mi amada. Como cantante, Gaye es todo lo que se puede pedir, tenía un rango sublime y una capacidad expresiva que le llevaba de la máxima suavidad a una desgarradora pasión en cuestión de segundos. Por otro lado, no es un proyecto tan ambicioso instrumentalmente como lo es What´s Going On, pero tampoco es lo que necesita, pues son canciones que piden un acompañamiento en su punto y que permita moverse como les salga del cuerpo a los oyentes. El tema de apertura es legendario y creo que prácticamente todo el mundo ha escuchado la intro, no es de extrañar que se haya usado tanto para memes, Don Peake hizo que la guitarra pareciese ligar con nosotros… Es una canción apasionada como poco y un clásico innegable. El resto de la lista de canciones no considero que lleguen al nivel, pero no deben dejarse de lado. Por ejemplo, la letra y la voz de Gaye en If I Should Die Tonight son realmente poderosas y crean una situación cinematográfica, algo que ocurre más de una vez en el LP, como en la triste pero realista canción de clausura: Just To Keep You Satisfied. Pienso que fue un error de mi parte escucharlo de día, considero que son todo canciones que pegarían más fuerte mirando melancólico por la ventana en una noche lluviosa… Pero no tenía otro momento y es verano, no llueve ni patrás. Fuera de bromas el álbum, aunque corto, termina siendo algo monótono, no tiene la versatilidad de su predecesor y no hay tantos momentos memorables al menos tras una primera escucha. Aún así, es un más que sólido disco para Gaye que muestra en nuestras narices su talentazo como cantante. Favoritas: Let’s Get It On, If I Should Die Tonight, Come Get To This, Just To Keep You Satisfied Menos favorita: Distant Lover #DAY 22: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Secondly, a slow and romantic LP from none other than Marvin Gaye himself. From this soul legend I had only heard his acclaimed What’s Going On, a full-on masterpiece of progressive soul. This is his follow-up LP, and it presents a more straightforward smooth soul style, with perfect sensual grooves for dancing with my beloved. As a singer, Gaye is everything one could ask for — he had a sublime range and an expressive ability that could take him from the utmost softness to raw, heart-wrenching passion in a matter of seconds. On the other hand, it’s not as ambitious instrumentally as What’s Going On, but that’s not what it needs to be, since these are songs that call for just the right accompaniment and allow listeners to move however their bodies feel like moving. The opening track is legendary, and I think practically everyone has heard its intro — no wonder it’s been used so much in memes. Don Peake made the guitar sound as if it were flirting with us… It’s nothing short of a passionate song and an undeniable classic. I don’t think the rest of the tracklist reaches that level, but it shouldn’t be overlooked either. For example, Gaye’s lyrics and vocals on If I Should Die Tonight are truly powerful and create a cinematic scene — something that happens more than once on the LP, such as in the sad yet realistic closing track: Just To Keep You Satisfied. I think it was a mistake on my part to listen to it during the day — I feel these are all songs that would hit harder while staring romantically out the window on a rainy night… But I had no other time, and it’s summer, so it’s not raining at all. Jokes aside, the album, though short, ends up feeling somewhat monotonous; it doesn’t have the versatility of its predecessor, and there aren’t as many memorable moments, at least after a first listen. Even so, it’s a more than solid record for Gaye that puts his immense talent as a singer right in front of our eyes. Favorites: Let’s Get It On, If I Should Die Tonight, Come Get To This, Just To Keep You Satisfied Least favorite: Distant Lover

#DÍA 5: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) En un principio me pareció raro que en una lista como es ésta se añadiese un álbum en directo, pero tras escucharlo no puedo estar más de acuerdo. Desconocía que a Johnny Cash le dio por hacer conciertos en cárceles y sinceramente me parece curiosísimo, y ha dado de resultado una experiencia de álbum bastante única (Aunque hizo otro antes, el de Folsom Prison, que también tengo ahora ganas de escuchar). Es genial lo natural que Johnny Cash actúa durante todo el concierto, tranquilamente cuenta anécdotas, pregunta qué desea el público y se pide un vaso de agua. Te sientes ahí mismo y te olvidas que se trata de una cárcel, parece un ambiente de lo más jovial. Por encima, las canciones y los rendimientos musicales son de lo mejor, desde el maravilloso ritmo Rockabilly de Wreck of the Old ‘97, hasta las bellísimas melodías cargadas de espíritu en Peace in the Valley. Por otro lado, las letras son geniales, con rimas naturales y enriquecedoras, así como cargadas de un mensaje, que puede ser variado, como la rabia ante el sistema de cárceles en San Quentin o la historia tan ingeniosa de A Boy Named Sue. Es en general una experiencia maravillosa, sólo quisiera que fuese un poco más largo, y parece que hay una versión extendida así que… Favoritas: Wreck of the Old ‘97, Darlin’ Companion, San Quentin, A Boy Named Sue, (There’ll Be) Peace In The Valley (For Me) Menos favorita: Wanted Man (supongo…) #DAY 5: 1001 Albums You Must Hear Before You Die At first, it seemed odd to me that a live album would be included in a list like this, but after listening to it, I couldn't agree more. I had no idea that Johnny Cash used to perform concerts in prisons, and honestly, I find it absolutely fascinating—it makes for a truly unique album experience. (Although he did one before this, the Folsom Prison one, which I now really want to hear too.) It’s amazing how natural Johnny Cash is throughout the entire concert. He casually tells stories, asks the audience what they’d like to hear, and even asks for a glass of water. You feel like you're right there, and you forget it's even a prison—it seems like such a cheerful atmosphere. On top of that, the songs and musical performances are top-notch, from the wonderful Rockabilly rhythm of “Wreck of the Old ‘97”, to the beautifully spirited melodies in “Peace in the Valley.” The songwriting is fantastic as well, with natural and rich rhymes, full of meaning—ranging from anger toward the prison system in “San Quentin”, to the clever storytelling of “A Boy Named Sue.” Overall, it’s a wonderful experience. I just wish it were a bit longer—but apparently there’s an extended version, so… Favorites: Wreck of the Old ‘97, Darlin’ Companion, San Quentin, A Boy Named Sue, (There’ll Be) Peace In The Valley (For Me) Least favorite: Wanted Man (I guess…)

#DÍA 23: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Poniéndonos muy clásicos toca el álbum con más años que ha salido hasta ahora. Retrocedemos a 1957 para atender al legendario debut de Little Richard. Conocido como “el arquitecto del Rock N’ Roll”, fue una influencia vital para todo el Rock posterior, desde Elvis Presley a Paul McCartney, y su huella se nota hasta lo más moderno del género. Y no es de extrañar, el desbordamiento de energía que es cada canción y el carisma que tenía son innegables. La voz de Little Richard parecía imparable, esos gallos tan expresivos, una vibración que te da ganas de moverte al instante y un alma tan salvaje que realmente calaría en la identidad del Rock como estilo musical. Ahora bien, como experiencia de álbum evidentemente no ha tenido un envejecimiento del todo afortunado, pues es un arte que aún estaba por desarrollar y al final se siente como una sencilla colección de canciones. Eso sí, hay temas clásicos y que realmente son inmortales, como el divertidísimo entrante Tutti Frutti o los ritmos más rápidos y al puro estilo Rock N’ Roll de Ready Teddy. Aún así, creo que en general se nota que el género aún tenía mucho que desarrollar, sobretodo en el sentido instrumental, pues pienso que en muchos casos no consigue acompañar adecuadamente la energía de Little Richard. He de decir que seguramente es música que impactaría el triple en un escenario y una pista en la que la gente bailase libremente. Un clásico indudablemente, completamente esencial para el género y la música moderna en general, la semilla de lo que sería un estilo apasionante de interminables variaciones. Favoritas: Tutti Frutti, True, Fine Mama; Ready Teddy, Lony Tall Sally, She’s Got It Menos favorita: Rip It Up #DAY 23: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going fully classic now, we turn to the oldest album we’ve covered so far. We go back to 1957 to witness the legendary debut of Little Richard. Known as “the architect of Rock ’n’ Roll,” he was a vital influence on everything that came after, from Elvis Presley to Paul McCartney, and his mark can still be felt in the most modern corners of the genre. And it’s no wonder—each song overflows with energy, and his charisma is undeniable. Little Richard’s voice seemed unstoppable, with those expressive yelps, a vibration that instantly makes you want to move, and a wild soul that would truly become embedded in the identity of rock as a musical style. That said, as an album experience, it hasn’t aged all that gracefully. The art of the album was still in its infancy, and in the end it feels more like a simple collection of songs. Still, there are undeniable classics here—immortal, even—like the hugely fun opener Tutti Frutti or the faster, pure rock ’n’ roll rhythms of Ready Teddy. Even so, I think it’s clear that the genre still had a lot of growing to do, especially in the instrumental department, as in many cases I feel the band doesn’t quite match Little Richard’s overflowing energy. I have to say, this is music that would probably hit three times harder on stage, in front of a crowd dancing freely. An undeniable classic, absolutely essential for the genre and for modern music in general—the seed of what would become an endlessly exciting style with infinite variations. Favorites: Tutti Frutti, True Fine Mama, Ready Teddy, Long Tall Sally, She’s Got It Least favorite: Rip It Up

#DÍA 6: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) No sé por qué el generador de álbumes categoriza este disco como “Afrobeat” si sólo la última pista se podría considerar como tal pero bueno. Por lo demás, es un LP bastante básico de jazz, nada que no te esperes, por lo que termina siendo una escucha agradable pero quizá demasiado inofensiva para un género de música del que suelo esperar una experiencia algo más salvaje y fuera de la norma. La atmósfera es sólida, es suave y en general para tenerlo de fondo viene al dedo. Sin embargo, se me hace muy aburrido en gran medida, incluso el solo de batería en Blues for Huey es como una delicada brisa que ni hace moverse un poco al árbol. Las dos primeras piezas si cargan con algo más de calidad y movimiento, las melodías y solos de Part of a Whole son muy entretenidas, recuerdan en parte a Herbie Hancock. Luego Minawa progresa de una forma muy consistente y construye una serie de armonías con las que sí llegué a quedar algo hipnotizado. No obstante, la mayoría del álbum pasa bastante desapercibido y deja bastante que desear. Favoritas: Part of a Whole, Minawa, Maseru Menos favoritas: Ingoo Pow-Pow (Children’s Song) #DAY 6: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I don't know why the album generator categorizes this record as "Afrobeat" when only the last track could be considered as such, but oh well. Other than that, it's a fairly basic jazz LP—nothing you wouldn't expect—so it ends up being a pleasant listen, though perhaps a bit too harmless for a genre of music from which I usually expect a wilder, more unconventional experience. The atmosphere is solid, it's smooth, and overall it works perfectly as background music. However, I find it quite boring for the most part—even the drum solo in Blues for Huey feels like a gentle breeze that doesn't even make the tree sway a little. The first two pieces do carry a bit more quality and movement; the melodies and solos in Part of a Whole are very entertaining, somewhat reminiscent of Herbie Hancock. Then Minawa progresses in a very consistent way and builds a series of harmonies that actually left me a bit hypnotized. Nonetheless, most of the album goes largely unnoticed and leaves quite a bit to be desired. Favorites: Part of a Whole, Minawa, Maseru Least favorite: Ingoo Pow-Pow (Children’s Song)

#DÍA 7: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy ha tocado uno de esos álbumes que llevo milenios queriendo escuchar pero que nunca encontraba el momento, así que al fin lo pongo en mis oídos. Oídos ahora reventados tras los gritos maníacos con los que arranca Them Bones y lo pesadas que suenan las guitarras durante todo Dirt. Como buen álbum de Stoner te hace botar la cabeza lentamente, hipnotizado por las cuerdas y la distorsión. Las vocals de Layne Staley junto a Jerry Cantrell son vigorosas y muy expresivas, lo que bien busco en un disco de grunge. Letras que tratan principalmente de la adicción a las drogas y al hoyo al que te llevan, a querer ser enterrado. Los temas contienen una ira que parece insostenible, las guitarras y el bajo te hacen sentir que vas romper tus dientes de apretarlos. La lista de canciones es prácticamente impecable, quizá me falta algo más de dinamismo, puesto que empieza a perder sabor hacia el final, principalmente con God Smack y Hate to Feel, a parte del extrañísimo interludio con Tom Araya de Slayer. Aún así consigue terminar por lo alto con Would?, un tema oscuro pero de lo más pegadizo. No he escuchado mucho grunge aún, pero desde luego que este disco me da ganas de explorar más. Favoritas: Them Bones, Dam That River, Rain When I Die, Down In a Hole, Sickman, Dirt, Angry Chair, Would? Menos favorita: Hate to Feel #DAY 7: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today we will talk about one of those albums I’ve been wanting to listen to for ages but never seemed to find the right moment—so I finally put it in my ears. Ears now blown out by the manic screams that kick off Them Bones and the crushing weight of the guitars throughout Dirt. Like any good stoner album, it makes your head slowly bob, hypnotized by the strings and distortion. Layne Staley’s vocals alongside Jerry Cantrell’s are powerful and deeply expressive—exactly what I look for in a grunge record. The lyrics mostly deal with drug addiction and the downward spiral it leads to—wanting to be buried. The songs carry a rage that feels barely containable, and the guitars and bass make you feel like you're going to break your teeth from clenching them so hard. The tracklist is nearly flawless—though I do wish there was a bit more dynamism, as it starts to lose flavor toward the end, especially with God Smack and Hate to Feel, not to mention the bizarre interlude with Tom Araya from Slayer. Even so, it manages to close on a high note with Would?, a dark yet incredibly catchy track. I haven’t listened to much grunge yet, but this album definitely makes me want to explore more. Favorites: Them Bones, Dam That River, Rain When I Die, Down In a Hole, Sickman, Dirt, Angry Chair, Would?

#DÍA 24: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Bueno, bueno, bueno, bueno, bueno, bueno… Qué sorpresa que ha sido para mí este álbum, es fabuloso. Manu Chao es un artista francoespañol del que conocía sin saber, por su famoso single Viva Tu. Aún así, me sorprendió que al fin me saliese un proyecto en español en el desafío, aunque contiene también francés, portugués e inglés, en general me alegra ver un poco de variedad en ese sentido porque estoy seguro de que esto va a ser raro. Me dirigí algo ciego (o sordo) a este disco sin saber qué esperar, miré algo en Wikipedia acerca del estilo y supongo que esperaba canciones sencillas con ritmos latinos con algún toque alternativo. Sin embargo, me choco con este viaje de 16 canciones sencillisimas pero cargadas de poesía y, sobre todo, una coherencia sorprendente pese a realmente ser muy ecléctico. Por encima de esto, Manu Chao conecta las canciones a la perfección, no solo con transiciones sino con motivos que de vez en cuando vuelven a aparecer, como los refranes de Mentira o el estribillo de Luna y Sol haciendo un melancólico vis en Día Luna… Día Pena. Cada tema suma a una imagen general que se va dibujando poco a poco según te adentras, comenzando con el perfecto entrante homónimo, el cual resume todo el álbum y su sentido, cargado de crítica hacia los estereotipos de hispanos y latinoamericanos, lo que también vemos en la alternativa Bongo Bong o Welcome to Tijuana. Además, nos presenta un autorretrato interesante, como alguien solitario y viajero, algo tratado en profundidad en Desaparecido o Mamá Call; síntoma también de no encontrar un destino en la vida, posiblemente un lado más pesimista ante las mentiras del mundo, aunque es un hecho que le puede ser tanto para bajar cabeza (Día luna… Día pena) como para levantar el ánimo de hacer un cambio y buscar un ideal (Luna y sol). Por otro lado el amor también está presente, pero como uno que se quiere olvidar principalmente, aunque Manu Chao no parecer ser capaz como finalmente se revela en La Despedida, pese a mostrar bastante seguridad en ello en Je ne t’aime plus o La vie A 2 (casualmente las dos que están en francés, me pregunto si será algo hecho de forma intencionada como referencia al cine de este idioma en el que es tan típico que se trate el amor). Aún así hay un pequeño sentido de amor, pero principalmente dirigido a las drogas, como el alcohol en Malegría o la marihuana en Minha galera, ambas camufladas como canciones románticas. Finalmente el LP concluye con El viento, un motivo que encarna el carácter del protagonista: todo va y viene, el amor, los problemas, la tristeza, la felicidad, las personas… Quizá estoy sobreinterpretando de sobremanera todo lo que trae este álbum, pero realmente ha estimulado enormemente mi cerebro melómano que se despertó con ganas de coser conceptos. Casi no he tratado aspectos musicales del LP pero en general son impecables, tienen un carácter orgánico que los hace preciosos y unos grooves pequeñitos pero muy pegadizos. A todo esto se le suma un uso magistral de samples para crear una atmósfera única, desde interpolaciones de música latina bien conocida (como La Llorona en Mentira), grabaciones que hizo Manu Chao en sus viajes, una comunicación de los primeros viajes al espacio de la Unión Soviética, hasta un jodido extracto de Garfield… Es tan extraño pero a la vez lo siento tan claro todo cuando lo escucho, tengo ganas de seguir escuchándolo de principio a fin porque es una experiencia sin igual. Favoritas: Clandestino, Desaparecido, Bongo Bong, Je ne t’aime plus, Mentira, Lágrimas de Oro, Mamá Call, Luna y Sol, Día Luna… Día Pena, Malegría, La Vie A 2, Minha galera, La despedida, El viento Menos favorita: Welcome to Tijuana (principalmente porque las vocals tan graves de sapo me incomodan, pero ignorando eso es buen tema) #DAY 24: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well, well, well, well, well, well… What a surprise this album has been for me—it’s fabulous. Manu Chao is a French-Spanish artist I knew without realizing it, thanks to his famous single Viva Tu. Even so, I was surprised that I finally got a Spanish-language project in this challenge—although it also includes French, Portuguese, and English. Overall, I’m glad to see a bit of variety in that sense, because I’m sure this is going to be an uncommon occasion. I went into this album somewhat blind (or deaf), not knowing what to expect. I skimmed Wikipedia for a bit about the style, and I suppose I was expecting simple songs with Latin rhythms and maybe some alternative touches. However, I was hit with this journey of 16 incredibly simple songs, yet loaded with poetry and, above all, a surprising sense of coherence—despite being truly eclectic. On top of that, Manu Chao connects the songs perfectly, not only with transitions but with recurring motifs that reappear from time to time, such as the refrains from Mentira or the chorus from Luna y Sol making a melancholic reappearance in Día Luna… Día Pena. Each track contributes to a bigger picture that gradually takes shape as you dive in, starting with the perfect self-titled opener, which summarizes the whole album and its meaning, full of criticism towards stereotypes of Hispanics and Latin Americans—a theme we also see in the alternative-flavored Bongo Bong or Welcome to Tijuana. He also offers an interesting self-portrait—as a solitary, traveling figure—something explored in depth in Desaparecido or Mamá Call. This also hints at a lack of direction in life, possibly a more pessimistic view in the face of the world’s lies, though it can lead either to bowing one’s head (Día Luna… Día Pena) or to lifting one’s spirits to make a change and chase an ideal (Luna y Sol). On the other hand, love is also present, but mostly as something to forget—though Manu Chao doesn’t seem capable of doing so, as is finally revealed in La Despedida, despite showing quite a bit of confidence in Je ne t’aime plus or La vie A 2 (coincidentally, both in French—makes me wonder if this was intentional, as a nod to French cinema where love is such a typical theme). There’s also a small sense of affection here, but directed mostly toward drugs, such as alcohol in Malegría or marijuana in Minha Galera—both disguised as romantic songs. The LP finally closes with El Viento (The Wind), a motif that encapsulates the protagonist’s character: everything comes and goes—love, problems, sadness, happiness, people… Maybe I’m overinterpreting everything this album brings, but it has truly fired up my music-loving brain, which woke up eager to stitch concepts together. I’ve barely touched on the musical aspects of the LP, but overall they’re impeccable, with an organic quality that makes them beautiful and some tiny but incredibly catchy grooves. To all of this, add a masterful use of samples to create an unique atmosphere—from interpolations of well-known Latin music (La Llorona in Mentira), to recordings Manu Chao made during his travels, to communications from the first Soviet Union space missions, to a freaking Garfield excerpt… It’s so strange, yet it all feels so clear when I listen. I can’t wait to keep playing it from start to finish, because it’s an experience like no other. Favorites: Clandestino, Desaparecido, Bongo Bong, Je ne t’aime plus, Mentira, Lágrimas de Oro, Mamá Call, Luna y Sol, Día Luna… Día Pena, Malegría, La Vie A 2, Minha galera, La despedida, El viento Least Favorite: Welcome to Tijuana (just because of the toad-like voice, otherwise it's a great tune)

#DÍA 8: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Como el nombre del álbum indica, Joni Mitchell en este proyecto nos embarca con ella a un largo viaje de carretera y manta, o como canta: las “finas líneas blancas”. Todo este LP se siente como entrar dentro del cerebro de la artista para escuchar y sentir su flujo de pensamientos mientras marcha por todo el país. De hecho, la lista de canciones se siente como un día entero, desde los sonidos matutinos y ensoñadores de Amelia, hasta la atmósfera nocturna de Blue Motel Room. Es un trayecto desolador, lleno de melancolía azul y de íntima reflexión, principalmente sobre amor, pero también sobre la propia existencia, el envejecer o la avaricia, entre otros tópicos. Los instrumentos mezclan de forma realmente sofisticada elementos del jazz y del folk, dando un resultado onírico, piezas de poca variación que se sienten como un paisaje tras aquello de lo que nos canta Joni Mitchell. La voz de la cantante es cercana, expresiva y absolutamente en línea con la poesía a la que da melodía. Posiblemente el LP resulte algo monótono si no te terminan de hipnotizar las canciones, o si no te interesa escuchar qué tiene que decir Joni Mitchell en las mismas, pero una vez sintonizas tus ondas cerebrales y el latir de tu corazón, se convierte en un viaje de lo más humano y bello. Favoritas: Amelia, Furry Sings the Blues, Hejira, Song for Sharon, Black Crow, Blue Motel Room, Refuge of the Roads Menos favorita: A Strange Boy #DAY 8: 1001 Albums You Must Hear Before You Die As the album title suggests, in this project Joni Mitchell takes us on a long road trip with her — or as she sings, along the “fine white lines”. The entire LP feels like stepping into the artist’s mind to listen to and feel her stream of thoughts as she travels across the country. In fact, the tracklist feels like an entire day, from the dreamy, morning sounds of Amelia to the nocturnal atmosphere of Blue Motel Room. It’s a desolate journey, full of blue melancholy and intimate reflection, primarily about love, but also about existence itself, aging, or greed, among other topics. The instrumentation blends elements of jazz and folk in a truly sophisticated way, creating a dreamlike result — pieces with little variation that feel like landscapes behind the stories Joni Mitchell sings about. Her voice is close, expressive, and absolutely in tune with the poetry it brings to life. The LP might feel somewhat monotonous if the songs don’t end up hypnotizing you, or if you’re not interested in hearing what Joni Mitchell has to say in them. But once your brainwaves and heartbeat sync with it, it becomes a deeply human and beautiful journey. Favorites: Amelia, Furry Sings the Blues, Hejira, Song for Sharon, Black Crow, Blue Motel Room, Refuge of the Roads Least favorite: A Strange Boy

#DÍA 9: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) De King Crimson sólo había escuchado su legendario debut y el oscuro Red, dos álbumes que me parecen una absoluta delicia en cuanto a rock progresivo se refiere. Por ello, escuchar un disco que se encuentra entre medias dentro de la evolución de la banda ha sido realmente interesante. Como se observa en la portada, veo dos lados a este proyecto: el sol, que representa los momentos más enérgicos y poderosos del proyecto y la luna, que es las caricias de las piezas más suaves (aunque realmente dramáticas, algo común en la música de la banda) y los preciosos pasajes de cuerdas. Buen representante de esta interpretación es Larks’ Tongues In Aspic, Pt, 1, la cual pasa de unos realmente pesados riffs a un ensoñador pasaje de cuerdas. Por lo general, la habilidad musical de los distintos integrantes de la banda se hace muy presente en este disco, principalmente en los temas más progresivos, sean las increíbles improvisaciones del tema de apertura, el profundo bajo de Easy Money o la perfecta progresión de The Talking Drum. Al final lo único que pienso que le falta a este disco es algo de cohesión, una mejor mezcla entre los momentos suaves con los intensos, algo que pienso que perfeccionaron en Red. Favoritas: Larks’ Tongues In Aspic, Pt, 1; Easy Money, The Talking Drum, Larks’ Tongues In Aspic, Pt. 2 Menos favorita: Book of Saturday #DAY 9: 1001 Albums You Must Hear Before You Die I had only listened to King Crimson's legendary debut and the dark Red, two albums that I find to be an absolute delight when it comes to progressive rock. That’s why listening to an album that lies in between, in the band's evolution, has been truly interesting. As seen on the cover, I perceive two sides to this project: the sun, which represents the most energetic and powerful moments of the album, and the moon, which embodies the gentleness of the softer (though still dramatic—something common in the band’s music) pieces and the beautiful string passages. A good example of this interpretation is Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 1, which shifts from really heavy riffs to a dreamy string passage. Overall, the musical skill of the band’s various members is very evident on this record, especially in the more progressive tracks—whether it's the incredible improvisations of the opening piece, the deep bass of Easy Money, or the perfect progression of The Talking Drum. In the end, the only thing I think this album lacks is some cohesion—a better blend between the softer and the more intense moments—something I believe they perfected in Red. Favorites: Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 1; Easy Money, The Talking Drum, Larks’ Tongues in Aspic, Pt. 2 Least favorite: Book of Saturday

#DÍA 10: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) D.E.P. Ozzy Osbourne Casualidad o destino, tras el fallecimiento del bueno de Ozzy me ha tocado escuchar el cuarto álbum de Black Sabbath, y ha sido fascinante. Escuché Paranoid al comenzar este desafío y me encantó, fue genial ver muchas ideas del metal en un estado tan prematuro pero con tantísimo encanto. Ahora, en el Vol. 4 encuentro cómo las propuestas que Black Sabbath presentaban anteriormente aquí se vuelven más sólidas y, en mi opinión, mejor ejecutadas. Puede que la lista de canciones sea algo incoherente, por la presencia de temas como Changes, FX o Laguna Sunrise, pero pienso que en su mayoría juegan a favor de una experiencia particular de la banda. El tono de bajo y guitarra son bastante más pesados y crujientes, los tonos más graves suenan a la pura oscuridad del infierno, mientras que los agudos de los solos y melodías de Iommi parecen quemar tu alma. Todo esto se presenta a la perfección en la canción de apertura, dividida en dos partes que encarnan la calidad compositiva de Back Sabbath, con un épico final que te hace entrar de lleno en el viaje pagano que es este álbum. Desde la impresionante producción de Tomorrow’s Dream, la belleza melancólica sin filtros de Changes, los riffs quebranta-cuellos de Supernaut, hasta los el diabólico ritual con el que comienza Under the Sun. Es increíble que un disco de metal con más de 50 años suene así de pesado y atmosférico a día de hoy, casi me saca las lágrimas. Favoritas: Wheels of Confusion / The Straightener, Tomorrow’s Dream, Changes, Supernaut, Snowblind, Cornucopia, Under the Sun Menos favorita: St. Vitus Dance #DAY 10: 1001 Albums You Must Hear Before You Die R.I.P. Ozzy Osbourne Whether by chance or fate, following the passing of the great Ozzy, the album that appeared for me to listen to today is Black Sabbath’s fourth album — and it was fascinating. I had listened to Paranoid at the start of this journey and loved it; it was amazing to hear so many metal ideas in such an early stage, yet already so full of charm. Now, with Vol. 4, I find that the ideas Black Sabbath had introduced before become more solid and, in my opinion, better executed. The tracklist might feel a bit incoherent at times — with songs like Changes, FX, or Laguna Sunrise — but I think they mostly contribute to a very particular experience the band wanted to create. The bass and guitar tones are heavier and crunchier; the low-end sounds like the pure darkness of hell, while Iommi’s solos and melodies in the higher registers seem to burn your soul. All of this is perfectly encapsulated in the opening track, split into two parts that embody Black Sabbath’s compositional strength, with an epic finale that draws you fully into the pagan journey that this album represents. From the stunning production on Tomorrow’s Dream, the raw melancholic beauty of Changes, the neck-breaking riffs of Supernaut, to the demonic ritual that kicks off Under the Sun — it’s incredible that a metal album over 50 years old can still sound this heavy and atmospheric today. It nearly brought me to tears. Favorites: Wheels of Confusion / The Straightener, Tomorrow’s Dream, Changes, Supernaut, Snowblind, Cornucopia, Under the Sun Least favorite: St. Vitus Dance

#DÍA 11: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) 4 álbumes seguidos de los 70’ me hace feliz, aunque éste en concreto no tanto. No conozco a Stephen Stills, pero al investigar el personal del LP quedé bastante sorprendido y me dio muchas ganas de escucharlo. Tenemos un cameo de Hendrix, otro de Clapton (aunque es un absoluto idiota supongo que es inegable que toca bien su instrumento), a Ringo Starr y como ingeniero de sonido a Andy Johns, responsable de los álbumes de Led Zeppelin y otros clásicos. Hay otros nombres poderosos en la lista, pero el disco termina siendo bastante decepcionante, principalmente por la falta de distinción de su artista principal. Literalmente el mayor toque de personalidad de este proyecto está en la jirafa rosa de su portada… Suena bien, en general es sólido, las vocals de Stephen Stills son agradables e inofensivas, aunque cuando intenta añadir algo de vigor y energía a su tono en ocasiones se vuelve ridículo para mí, sobre todo en Black Queen. La canción más pegadiza es Love the One You’re With, aunque la letra es bastante simple (problema constante en el LP) y el mensaje se me hace algo extraño… El mejor tema es en el que Hendrix hace su aparición, tiene más alma y ritmo, posiblemente esto deje ver cierta preferencia mía hacia la leyenda del blues, pero es lo que hay cuando un invitado brilla el cuádruple que el músico de cabeza. Me sabe mal porque la intención tras la música de Stephen Stills posiblemente sea la mejor, pero pienso que es un hueco desaprovechado en la lista. Favoritas: Old Times Good Times, Cherokee Menos favorita: Black Queen #DAY 11: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Four consecutive albums from the '70s make me happy, although this one in particular not so much. I didn’t know Stephen Stills, but while researching the personnel involved in the LP, I was quite surprised and really wanted to give it a listen. We’ve got a cameo from Hendrix, another from Clapton (even though he’s an absolute jerk, I guess it’s undeniable that he plays his instrument well), Ringo Starr, and as sound engineer, Andy Johns—responsible for Led Zeppelin albums and other classics. There are other big names on the list, but the album ends up being quite disappointing, mainly because of the lack of distinction of its main artist. Literally, the biggest touch of personality in this project is the pink giraffe on the cover… It sounds good overall, it’s solid, and Stephen Stills’ vocals are pleasant and harmless. But when he tries to add some vigor and energy to his tone, it occasionally comes off as ridiculous to me—especially in Black Queen. The catchiest song is Love the One You’re With, though the lyrics are quite simple (a constant issue throughout the LP) and the message feels a bit strange to me… The best track is the one where Hendrix makes his appearance—it simply has more soul and rhythm. Maybe that just shows my personal preference for the blues legend, but it is what it is when a guest outshines the headlining musician so carelessly. I feel bad because the intent behind Stephen Stills’ music might genuinely be good, but I think it ends up being a missed opportunity in the overall list. Favorites: Old Times Good Times, Cherokee Least favorite: Black Queen

#DÍA 12: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Yendo bastante atrás en el tiempo, a un momento del que he escuchado poca música, así que es genial poder empezar a explorarlo. Solomon Burke fue nombrado como el “rey del Rock ‘N Soul”, un término que deriva del matrimonio entre ambos estilos musicales (aunque aquí en AOTY se menciona como Rhythm and Blues, mejor conocido como R&B). Ha sido enriquecedor escuchar muchas ideas que serían tan influyentes en literalmente toda la música por venir, ya sea los Beatles, el R&B más contemporáneo o el Hip Hop, fijo que algún sample se ha hecho de este álbum. Es una lista completa de canciones de amor, sea de un corazón roto, amor imposible o un deseo incontrolable de amar. La voz de Solomon Burke es cálida y expresiva como poco, emociona con facilidad y puedo entender con facilidad por qué se le dio tal título en su día. Por otro lado instrumentalmente es bastante sólido, me gustaría buscar quién tocó la guitarra de este LP porque me ha parecido un estilo encantador. Eso sí, no es la experiencia de álbum más increíble que exista, aunque es normal dado el entendimiento que había por entonces del formato. En general ofrece temas sólidos del género, bien sentidas y que dan una imagen de época interesante. Favoritas: Cry to Me, Goodbye Baby (Baby Goodbye), If You Need Me, Can’t Nobody Love You, Won’t You Give Him (One More Chance) Menos favorita: Hard, Ain’t It Hard #DAY 12: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going quite a ways back in time, to a moment from which I've heard little music, so it's great to start exploring it. Solomon Burke was named the "King of Rock 'N Soul," a term that comes from the marriage between both musical styles (although here on AOTY it’s mentioned as Rhythm and Blues, better known as R&B). It’s been enriching to hear so many ideas that would become incredibly influential in literally all music to come — whether it's the Beatles, more contemporary R&B, or Hip Hop — I’m sure some sample has been taken from this album. It’s a full list of love songs, whether about heartbreak, impossible love, or an uncontrollable desire to love. Solomon Burke’s voice is warm and deeply expressive — it stirs emotion with ease, and I can clearly understand why he was given such a title in his time. On the other hand, instrumentally it’s quite solid; I’d like to find out who played guitar on this LP because I find the style to be quite charming. That said, it’s not the most incredible album experience ever, which is understandable given the limited understanding of the album format at the time. Overall, it offers solid tracks of the genre, pretty heartfelt, and giving an interesting picture of the era. Favorites: Cry to Me, Goodbye Baby (Baby Goodbye), If You Need Me, Can’t Nobody Love You, Won’t You Give Him (One More Chance) Least favorite: Hard, Ain’t It Hard

#DÍA 13: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Tras la paliza emocional que fue ayer el nuevo álbum de Quadeca, hoy me toca escuchar otro en el que el artista muere conceptualmente al final… Qué alegría oye. The Downward Spiral es otro de esos discos que llevaba mucho queriendo escuchar, aunque siempre ha sido difícil para mí introducirme en la música Industrial. No es un LP que pueda escuchar personalmente a la ligera, no es mi estilo de confort, pese a que mucha música ruidosa sí lo sea. Aún así, desde luego que admiro la calidad de este proyecto, sobre todo la producción, que es mano de santo. Literalmente podría escucharlo sólo por las instrumentales, sin la voz, que es lo que menos me gusta sinceramente, posiblemente porque me parece muy Grunge en ocasiones y no me termina de cuadrar. Sin embargo las texturas tan corruptas e industriales, los tonos de guitarra que parecen oxidados, la percusión tan seca y violenta (sobre todo al final de Piggy) y ese manejo del sample tan sugerente e ingenioso para crear una atmósfera tan peculiar, son impresionantes como poco y han envejecido como el vino, podrían haberse creado ayer vamos. El concepto del disco, la espiral de decadencia, es proyectado de un modo muy interesante a lo largo de las canciones. Arranca con ese dibujo del personaje Mr. Self Destruct, una especie de reflejo de esa voz que todos tenemos dentro que nos inclina a sacar lo peor de nosotros mismos. Luego una serie de temas que nos muestran el desarrollo del estado mental del protagonista, quién finalmente acaba tocando fondo, completamente consumido por su oscuridad, haciendo daño a todo ser querido y disparándose a sí mismo en la pista homónima. Toda esta historia es realmente impactante, con letras de lo más pesimistas, oscuras y sin filtros, aunque tristemente empatizables. Favoritas: Mr. Self Destruct, Piggy, Heresy, Closer, Ruiner, The Becoming, A Warm Place, Eraser, Reptile, The Downward Spiral, Hurt Menos favorita: Big Man With a Gun #DAY 13: 1001 Albums You Must Hear Before You Die After the emotional meltdown that was Quadeca’s new album yesterday, today I have to listen to another one where the artist conceptually dies at the end… What a joy, huh. The Downward Spiral is another one of those albums I’ve been wanting to listen to for a long time, although it’s always been difficult for me to get into Industrial music. It’s not an LP I can personally listen to lightly—it’s not my comfort style, even though a lot of noisy music is. Still, I definitely admire the quality of this project, especially the production, which is absolutely brilliant. I could literally listen to it just for the instrumentals, without the vocals, which are honestly what I like the least—possibly because they sometimes feel very Grunge-like and don’t quite click for me in this album. However, the textures are so corrupted and industrial, the guitar tones feel rusted, the percussion is so dry and violent (especially at the end of Piggy), and the sampling is so clever and suggestive in creating such a unique atmosphere—it’s all downright impressive and has aged like fine wine. It could have been made yesterday, really. The concept of the album—the downward spiral—is portrayed in a really interesting way throughout the tracks. It starts with the depiction of the character Mr. Self Destruct, a sort of reflection of that inner voice we all have that pushes us to bring out the worst in ourselves. Then there’s a series of songs that show the protagonist’s mental decline, who eventually hits rock bottom, completely consumed by his darkness, hurting everyone he loves and finally shooting himself in the self-titled track. The whole story is truly impactful, with lyrics that are extremely pessimistic, dark, and unfiltered—though sadly relatable. Favorites: Mr. Self Destruct, Piggy, Heresy, Closer, Ruiner, The Becoming, A Warm Place, Eraser, Reptile, The Downward Spiral, Hurt Least favorite: Big Man With a Gun

#DÍA 14: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Primer disco de Hip Hop que toca y es de un grupo del que había oído su single con Danny Brown este año pero que no conocía realmente. En este enérgico debut el cuarteto de raperos, junto con el productor J-Swift cocinaron una serie de temas que mezclan el estilo Boom Bap con el Jazz Rap y unos coloridos toques de comedia que construyen una experiencia de dibujo animado. Es entretenido y desde luego que saca varias sonrisas, es un rato genial en el que me han dado ganas de levantarme y bailar más de una vez, y eso que se me da de pena. Aunque algunas barras en ocasiones pequen de haber envejecido regular —sobre todo el incómodo verso / llamada de teléfono de en 4 Better Or 4 Worse de Fatlip— , son en su mayoría ingeniosas y son traídas en unos flows que botan como cabezas. Por otro lado me ha sorprendido muchísimo la producción de J-Swift, todas las bases son de buenísima calidad, los poderosos vientos de I’m That Type of N****, el throwback a la “golden era” de Return of the B-Boy o los toques de Cool Jazz en On the DL. Es divertido e incluso ridículo en momentos, y tiene un encanto de época que es inimitable. Favoritas: Oh Shit, I’m That Type of N****, Soul Flower (Remix), Officer, Passin’ Me By, Otha Fish, Pack the Pipe, Return of the B-Boy Menos favorita: 4 Better Or 4 Worse #DAY 14: 1001 Albums You Must Hear Before You Die First Hip Hop album I’ve listened to in this challenge and it’s from a group I had heard about through their single with Danny Brown earlier this year, but didn’t really know them. In this energetic debut, the rap quartet, along with producer J-Swift, cooked up a series of tracks that blend Boom Bap style with Jazz Rap and some colorful touches of comedy, creating a cartoon-like experience. It’s entertaining and definitely brings out a few smiles—it’s a great time that made me want to get up and dance more than once, and that’s saying something, considering how bad I am at it. Although some bars haven’t aged all that well—especially the awkward verse/phone call from Fatlip on 4 Better Or 4 Worse—most of them are clever and delivered in bouncy, animated flows. On the other hand, I was really surprised by J-Swift’s production; all the beats are top quality: the powerful horns on I’m That Type of N****, the throwback to the golden era on Return of the B-Boy, or the Cool Jazz touches on On the DL. It’s fun and even ridiculous at times, and it has an era charm that’s simply inimitable. Favorites: Oh Shit, I’m That Type of N***, Soul Flower (Remix), Officer, Passin’ Me By, Otha Fish, Pack the Pipe, Return of the B-Boy* Least favorite: 4 Better Or 4 Worse

#DÍA 15: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Un álbum legendario, ya lo había escuchado así que no me ha pillado de sorpresa, pero una escucha detenida me ha ayudado a tener una imagen más completa de este huracán psicodélico. Ya dejé entender en la reseña de Stephen Stills que con que Hendrix toque tres notas yo ya estoy con la mandíbula en el suelo, es algo exagerado pero desde que escuché este doble LP me he vuelto un fan de cómo tocaba este señor. Tenía ganas de que en el desafío me tocase pronto un proyecto suyo, qué casualidad que es uno que ya he oído pero bueno… Me conformo por ahora. La energía y pasión de este disco es de otro mundo, mundo en el que entramos de cabeza con la espeluznante intro y el tono fantasioso, como entrando a un rito bacanal en Have You Ever Been. Todo ello para que después nos suelten dos de los mejores temas de blues y rock que he escuchado en mi vida: Crosstown Traffic, con el riff tan salvaje y casi motorizado y Voodoo Child, una extensa experiencia de blues que deja hipnotizado con sus solos. El doble LP, pese a su extensión, no pierde prácticamente dinamismo en todo lo que dura, desde las armonías a lo Beatles de Little Miss Strange, la energía tan saltarina de Gypsy Eyes, el viaje subacuático tan progresivo por el que te lleva 1983 o la chispeante House Burning Down. Hay mucha experimentación en este proyecto tan masivo, principalmente moviendo los instrumentos de lado a lado en estéreo, o distintos pedales, como el wah-wah o el octavia. Es de admirar sin duda, pero pienso que en algunos momentos las canciones se vuelven demasiado caóticas, como Burning of the Midnight Lamp. La experiencia es alucinante, no me extraña que decidieran nombrar así la banda… Favoritas: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming; House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Menos favorita: Burning of the Midnight Lamp #DAY 15: 1001 Albums You Must Hear Before You Die A legendary album. I had already listened to it before, so it didn’t catch me by surprise, but a more focused listen helped me get a fuller picture of this psychedelic hurricane. I already hinted in my Stephen Stills review that all it takes is for Hendrix to play three notes and my jaw is on the floor—that’s a bit of an exaggeration, but ever since I listened to this double LP, I’ve become a fan of the way this man played. I was hoping that one of his projects would come up soon in the challenge—what a coincidence that it’s one I had already heard, but ok… I’ll take it for now. The energy and passion in this record are out of this world—a world we dive headfirst into with the eerie intro and the fantastical tone of Have You Ever Been, like entering a bacchanalian rite. All of this just to be hit with two of the best blues and rock songs I’ve ever heard: Crosstown Traffic, with its wild, almost motorized riff, and Voodoo Child, an extensive blues experience that hypnotizes with its solos. Despite its length, the double LP hardly ever loses momentum, from the Beatles-like harmonies of Little Miss Strange, the bouncy energy of Gypsy Eyes, the proggy underwater journey of 1983, or the sparkling House Burning Down. There’s a lot of experimentation in this massive project—mainly moving instruments from side to side in stereo or using different pedals, like the wah-wah or the octavia. It's undeniably admirable, though I do think that at times the songs become a bit too chaotic, like Burning of the Midnight Lamp. Still, the experience is mind-blowing—no wonder they chose that name for the band… Favorites: Have You Ever Been (To Electric Ladyland), Crosstown Traffic, Voodoo Child, Gypsy Eyes, 1983… (A Merman I Should Turn to Be), Still Raining, Still Dreaming, House Burning Down, All Along the Watchtower, Voodoo Child (Slight Return) Least favorite: Burning of the Midnight Lamp

#DÍA 16: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Bueno este día tenía que llegar, primer álbum del desafío del que tengo poco bueno que decir. Parece que es una banda algo olvidada a día de hoy y no me extraña, no es que haya envejecido muy bien… Voy a ser directo y decir que el trabajo que hace como cantante y letrista Neil Hannon en este álbum es vergonzoso, parece un constante intento de ser Frank Sinatra para poder dar esa solemnidad y rollo dandy a sus temas que deja muchísimo que desear, o como si Muse hubiesen viajado a los 60s para hacer canciones que tratan la sexualidad de un modo tan profundo como sus mensajes políticos. El humor mujeriego no encaja para nada conmigo, mucho menos joyas como “everybody knows that ‘no’ means ‘yes” o esos pasajes hablados tan vergonzosos, como la intro del disco, que está a un paso de estar al nivel de Corey Feldman en cuanto a ridículo. El LP puede salvarse por algunas ideas instrumentales y rasgos de experimentación que al menos me hacen ver que ambición había, y mucha, aunque resultase en una catástrofe en mi opinión. Charge, pese a ser el culmen de lo patético de este álbum, tiene una estructura y progresión que muestra cierto trabajo. Por otro lado The Frog Princess tiene una de las instrumentales más extrañas, con elementos de Trip Hop, silbidos y electrónica, aunque el hecho de que la composición orquestal esté basada en el himno de Francia la hace sonar como una parodia. Los rasgos más teatrales de las canciones tienen potencial, pero no creo que Hannon sea un cantante cuya voz y expresividad sostenga lo barroco de sus piezas, mucho menos deseo volverlo a escuchar hablar con ese tono seductor que a poco ha estado de hacerme vomitar. Tolerables: Songs of Love, The Frog Princess Menos favorita: Charge #DAY 16: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well, this day had to come—first album in the challenge that I have very little good to say about. It seems like this is a somewhat forgotten band nowadays, and I’m not surprised—it hasn’t aged well at all. I’ll be direct and say that Neil Hannon’s work as a singer and lyricist on this album is embarrassing. It feels like a constant attempt to be Frank Sinatra, trying to give his songs that sense of solemnity and dandy flair, but it falls far short. Or like if Muse had traveled to the 60s to write songs about sexuality with the same depth as their political messages. The womanizing humor doesn’t sit well with me at all—especially not with gems like “everybody knows that ‘no’ means ‘yes’” or those painfully awkward spoken passages, like the album’s intro, which is one step away from being Corey Feldman-level ridiculous. The LP can be salvaged by some instrumental ideas and experimental touches that at least show there was ambition—and a lot of it—even if, in my opinion, it ended in disaster. Charge, despite being the epitome of this album’s corniness, has a structure and progression that shows some real effort. On the other hand, The Frog Princess has one of the strangest instrumentals, with trip-hop elements, whistling, and electronics—though the fact that the orchestral composition is based on the French national anthem makes it sound like a parody. The more theatrical traits of the songs have potential, but I don’t think Hannon is a singer whose voice and expressiveness can support the baroque style of these pieces—let alone do I ever want to hear him speak in that seductive tone again, which nearly made me vomit. Tolerable: Songs of Love, The Frog Princess Least favorite: Charge

#DÍA 17: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Un clásico como un castillo, eso es innegable, pero no es para mí la verdad. En general el Heartland Rock y la voz de Bruce Springsteen no conectan demasiado conmigo. Puede que lo tenga demasiado ligado a un sentimiento estadounidense y yo no es que sea muy de allí… No obstante puedo admirar el talento innegable, ya sea como cantante o como escritor, del artista. Es un álbum sólido y que en general flojea poco, así que si eres fan de este sonido seguro que te engancha con la primera escucha. Es un sonido muy ochentero, con una batería metida en una catedral y con unos sintetizadores que ciegan con su brillo. Es imposible ignorar el single principal, Born In The U.S.A., cuyo mensaje anti-guerra de Vietnam ha sido bastante malinterpretado en general, pero es una canción muy sólida de Pop Rock. Destaco puntos como la expresividad de la voz de Springsteen, sobre todo en Cover Me; la estructura más cercana al Folk de Downbound Train o I’m On Fire, que pilla por sorpresa que canciones sin estribillo fuesen tan exitosas en su día; y Bobby Jean, un homenaje bastante emotivo al exguitarrista de The E-Street Band. Por lo demás, pienso que el álbum se queda muy estancado en un sonido, sobre todo instrumentalmente y en la segunda mitad pierde bastante mi interés, aunque pueda valorar que las letras sean sinceras e interesantes, como Dancing In The Dark o My Hometown. En fin, ojalá me llegase más el sonido general del disco, pero me resulta algo aburrido, no pienso que alcance la energía y el júbilo que pretenden desprender muchas de las instrumentales, por eso quizá me hayan gustado más los temas más íntimos de sonido. Favoritas: Born In The U.S.A., Cover Me, Downbound Train, I’m On Fire, Bobby Jean, My Hometown Menos favorita: No Surrender #DAY 17: 1001 Albums You Must Hear Before You Die A classic like a castle, that’s undeniable—but to be honest, it’s not for me. In general, Heartland Rock and Bruce Springsteen’s voice don’t really resonate with me. Maybe I associate it too much with a very American sentiment, and I’m not particularly connected to that… That said, I can still admire the undeniable talent of the artist, whether as a singer or as a songwriter. It’s a solid album that rarely falters, so if you’re a fan of this sound, it’ll likely hook you from the first listen. It has a very ’80s sound, with drums that feel like they were recorded in a cathedral and synthesizers that shine blindingly bright. It’s impossible to ignore the main single, Born in the U.S.A., whose anti-Vietnam War message has often been misunderstood, but it’s a very solid Pop Rock song. I’d highlight things like Springsteen’s expressive vocals, especially on Cover Me; the more folk-leaning structure of Downbound Train or I’m On Fire, which were very successful at the time even if they didn’t have a chorus; and Bobby Jean, a rather emotional tribute to the former guitarist of The E Street Band. Beyond that, I feel like the album gets a bit stuck in one sound—especially instrumentally—and the second half loses my interest quite a bit, although I can still appreciate that the lyrics are sincere and interesting, as in Dancing in the Dark or My Hometown. In the end, I wish the album’s overall sound resonated with me more, but I find it somewhat dull. I don’t think it reaches the energy and joy that many of the instrumentals seem to aim for, which is probably why I ended up enjoying the more intimate-sounding tracks more. Favorites: Born in the U.S.A., Cover Me, Downbound Train, I’m On Fire, Bobby Jean, My Hometown Least favorite: No Surrender

#DÍA 18: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenas tardes, ayer tuve el día ocupado pero hoy vuelvo para escuchar esta pieza celestial de música. Ya lo había escuchado alguna vez antes, pero principalmente lo dejaba de fondo o lo usaba para dormir (funcionaba bastante bien para ello). Pero ahora dedicándole una escucha atenta me doy cuenta de la extensa belleza que contiene este álbum. No es de extrañar que siempre sea mencionado como un LP vital que escuchar cuando quieres adentrarte en el Post-Rock, aunque sea un disco al que le tiemble esa etiqueta, como a muchos clásicos del género también cabe decir. También se suele decir que su sonido está fuera de este mundo, pero yo lo considero bastante terrenal, aunque con ciertos toques oníricos y de fantasía, como adentrarte en un cuento medieval. En ocasiones me hace sentir que voy flotando junto a criaturas místicas por los gélidos valles de Islandia. La Intro y Svefn-G-Englar son el perfecto preludio de este libro, como una dulce nana cantada a un niño para irse a dormir y comenzar a soñar. La guitarra tocada con arco, las atmósferas tan azules y moradas, la fragilidad de la voz de Jónsi… En mi opinión Starálfur y Viðrar Vel Til Loftárása son dos temas de diez dentro de este proyecto, siendo el primero una cálida y bellísima canción que te hace volver a sentir la ilusión de ser un niño, y el segundo una lenta y sutil pieza cuyo piano lentamente derrite el hielo que cubre su clímax. Es alucinante en casos, aunque hay algunas pistas que se sienten más monótonas y que no logran la misma progresión, como Olsen Olsen o la canción homónima, aunque de esta última valoro el sentido autobiográfico tan entusiasmante de la letra. También cabe destacar que Hjartað Hamast tiene una combinación de instrumentos poco ortodoxa en cuanto al resto del LP, lo que la hace algo irruptoria, pero no deja de ser interesante. En fin, una experiencia que se siente tan íntima como gigante, siento que estos sonidos deben reflejar bien lo que se debe sentir al observar la aurora boreal. Favoritas: Svefn-G-Englar, Starálfur, Flugufrelsarinn, Ný Batterí, Viðrar Vel Til Loftárása Menos favorita: Olsen Olsen #DAY 18: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Good afternoon, yesterday I had a busy day but today I'm back to listen to this celestial piece of music. I had listened to it before, but mostly I would leave it playing in the background or use it to fall asleep (and it worked quite well for that). But now, giving it a focused listen, I realize the vast beauty this album holds. It’s no wonder it’s always mentioned as a vital LP to listen to when diving into Post-Rock—even if it’s an album that wavers under that label, as many other classics from this genre also do. It’s often said that its sound is out of this world, but I find it quite earthly, though with dreamlike and fantastical touches—like stepping into a medieval tale. At times, it makes me feel like I’m floating alongside mystical creatures through the icy valleys of Iceland. The Intro and Svefn-G-Englar are the perfect prelude to this book, like a sweet lullaby sung to a child to drift off to sleep and begin dreaming. The guitar being played with a bow, the blue and purple atmospheres, the fragility of Jónsi’s voice... In my opinion, Starálfur and Viðrar Vel Til Loftárása are two standout tracks on this record—the first being a warm and beautiful song that brings back the joy of childhood wonder, and the second a slow and subtle piece whose piano slowly melts the ice covering its climax. It’s astonishing at times, though there are some tracks that feel more monotonous and don’t achieve the same progression, like Olsen Olsen or the self-titled track, though I do appreciate the excitingly autobiographical nature of the lyrics in the latter. It’s also worth noting that Hjartað Hamast has a rather unorthodox combination of instruments compared to the rest of the LP, making it somewhat disruptive, but still interesting. All in all, an experience that feels both intimate and massive—I feel these sounds must reflect what it’s like to witness the Northern Lights. Favorites: Svefn-G-Englar, Starálfur, Flugufrelsarinn, Ný Batterí, Viðrar Vel Til Loftárása Least favorite: Olsen Olsen

#DÍA 19: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Sí, segundo álbum del día que hay que volver a coger ritmo. Yes es una banda con la que ya tengo mi familiaridad, principalmente con su LP Fragile, por el que me obsesioné en mi época de escuchar Prog. Ahora escuchando el “primer disco importante” de la banda puedo ver de dónde viene ese estilo que tanto me llamó la atención. Aún siendo menos ambicioso que los dos siguientes proyectos de la banda, The Yes Album es una muestra del talento de sus integrantes y el sonido con el que explotaron en los 70s, sorprendentemente espiritual y optimista pese a ser contemporáneo a la guerra de Vietnam. Obviamente los temas son bastante complejos musicalmente, cada miembro saca lo mejor de sí en su instrumento con pasajes de lo más virtuosos. Ya sea el clásico bajo rebotante de Chris Squire, que da color y movimiento a todos los temas de la banda; la fantástica e icónica voz de Jon Anderson, que además es reforzada con letras cargadas de espiritualidad y un sentido moralizador y antibélico muy fuerte, véase la canción de apertura; Steve Howe siendo una bestia en la guitarra, ya con The Clap nos demuestra cómo hasta sus primeras composiciones de jovencito ya estaban cargadas de personalidad; los toques mágicos y surrealistas que aportan los teclados de Tony Kaye, usando el mítico sintetizador Moog y ese órgano tan reconocible; y, por supuesto, Bill Bruford tras la batería, aunque pienso que se luciría mucho más en los siguientes álbumes de la banda y con King Crimson. En general es un LP genial para entrar a conocer de qué va esta banda, pero si ya has escuchado Fragile o Close To The Edge no sorprende tantísimo. Aún así, es sólido y una escucha muy amena, y no deja de ser Yes, por lo que es calidad. Favoritas: Yours Is No Disgrace, Starship Trooper, I’ve Seen All Good People, Perpetual Change Menos favorita: A Venture #DAY 19: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Yes, second album of the day — time to get back into rhythm. Yes is a band I'm already familiar with, mainly through their LP Fragile, which I became obsessed with during my Prog-listening phase. Now, listening to the band's "first important album," I can see where that style that caught my attention comes from. Even if it’s less ambitious than the two projects that followed, The Yes Album is a showcase of the members' talent and the sound that defined their breakthrough in the ’70s—surprisingly spiritual and optimistic, despite being contemporary to the Vietnam War. Obviously, the songs are musically complex, with each member bringing out the best in their instrument through some truly virtuosic passages. Be it Chris Squire’s classic bouncing bass, which brings color and movement to all the band's tracks; Jon Anderson’s fantastic and iconic voice, further reinforced by lyrics filled with spirituality and a strong moral and anti-war sentiment—see the opening track, for example; Steve Howe being a beast on the guitar, already showing in The Clap how even his earliest compositions as a young man were full of personality; the magical, surreal touches brought in by Tony Kaye’s keyboards, using the legendary Moog synthesizer and that very recognizable organ sound; and of course, Bill Bruford on drums—though I think he’d really shine more in the band’s later albums and with King Crimson. Overall, it’s a great LP to get into what this band is all about, but if you’ve already listened to Fragile or Close to the Edge, it won’t blow your mind quite as much. Even so, it’s solid and a very enjoyable listen—and after all, it’s Yes, so it’s quality. Favorites: Yours Is No Disgrace, Starship Trooper, I’ve Seen All Good People, Perpetual Change Least favorite: A Venture

#DÍA 20: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy celebramos los 20 álbumes escuchados viajando a otro planeta con Tangerine Dream. Dentro de la escena de Berlín del krautrock y la música electrónica, existía este proyecto musical que fue un pionero de la música de ambiente y del Space Rock. Edgar Froese, Christopher Franke y Peter Baumann unen fuerzas para crear un LP basado en el uso de las últimas tecnologías: el melotrón, el sintetizador VCS 3 y el Moog. Recomiendo buscar algún vídeo sobre cómo funcionan estos dos últimos, a mí me ha volado la cabeza. La primera pieza, Phaedra, se trata de una improvisación de los tres miembros de la banda, la cual a día de hoy sigue sonando absolutamente futurista. Parece que he sido abducido por una nave no identificada que me va a transportar a otro planeta, siendo el tercer tercio de la pista el aterrizaje, bastante más asolador y siniestro que el resto. Al parecer es que los osciladores se desafinaron por sobrecalentamiento, lo que llevó a los músicos a dirigir la pieza por otra dirección, asombroso sinceramente. El resto del LP te envuelve en una atmósfera prácticamente alienígena, sobre todo en Movements of a Visionary, cuya mezcla de órganos y sonidos electrónicos me hacen pensar que los extraterrestres de la nave del principio me están mostrando su religión en una catedral de su ciudad. Phaedra es un proyecto apasionante y ha despertado en mí mucho interés por escuchar más electrónica de los 70s. Tengo muy poco que criticar del mismo, principalmente que es muy corto, podría escuchar 2 horas de esto y sinceramente pienso que es lo que le falla, no tener mayor desarrollo, pero imagino que también son limitaciones de la época… Favoritas: Phaedra, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, Movements of a Visionary Menos favorita: Sequent C’ (supongo, ojalá fuese más larga) #DAY 20: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today we celebrate 20 albums listened to while traveling to another planet with Tangerine Dream. Within the Berlin scene of krautrock and electronic music, there was this musical project that became a pioneer of ambient music and space rock. Edgar Froese, Christopher Franke, and Peter Baumann joined forces to create an LP based on the use of cutting-edge technology: the Mellotron, the VCS 3 synthesizer, and the Moog. I highly recommend looking up a video on how the last two work—it blew my mind. The first track, Phaedra, is an improvisation by the three band members, and to this day it still sounds absolutely futuristic. It feels like I’ve been abducted by an unidentified spacecraft that’s about to take me to another planet, with the final third of the track being the landing—much more desolate and sinister than the rest. Apparently, the oscillators went out of tune due to overheating, which led the musicians to steer the piece in a different direction—It’s amazing. The rest of the LP wraps you in an almost alien atmosphere, especially Movements of a Visionary, whose mix of organ and electronic sounds makes me think that the aliens from the beginning are showing me their religion in a cathedral in their city. Phaedra is a fascinating project and has sparked a lot of interest in me to explore more 70s electronic music. I have very little to criticize about it—mainly that it’s too short. I could easily listen to two hours of this, and honestly, I think that’s the only flaw: its lack of further development. But I imagine that was also due to the limitations of the time… Favorites: Phaedra, Mysterious Semblance at the Strand of Nightmares, Movements of a Visionary Least favorite: Sequent C’ (I suppose—wish it was longer)

#DÍA 25: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Volviendo una vez más a los 70s, la banda más ochentera que no es de los ochenta, Kiss. De pequeño solía escucharlos de vez en cuando, temas clásicos como Rock and Roll All Nite o Love Gun, pero nunca de este disco en concreto. Ahora unos 8 años después la verdad que tengo una opinión confusa acerca de la banda y su música… Sin duda tienen una influencia abrumadora, definen un poco lo que es el Rock más festivo y sería copiado hasta la saciedad. Personalmente no es el tipo de música que más me llegue, tiene clichés por doquier y me parece bucólico en el sentido más dañino. Tenemos un entrante decente, quizá la intro me sobran minutos, pero me parece interesante que hicieran un homenaje a un fan que falleció conduciendo hacia uno de sus conciertos. Es muy glam, muy de saltar en un concierto y gritar sin pensar demasiado, y las armonías en las guitarras del final son bastante potentes. Ahora bien, de aquí el disco no vuelve a subir, el siguiente tema, King of the Night Time World, tiene una mezcla caótica que se repite en otros temas y no tiene ni la mitad de energía y sensación de estructura que la anterior. Y es un poco el error general del álbum, el talento musical en cuanto a composiciones no está muy presente. Las letras dejan mucho que desear, principalmente la ofensiva Great Expectations o God of Thunder y sus penosas referencias mitológicas. Puedo destacar que Beth es una canción adorable y que la orquesta suena bastante bien, pero desentona completamente con el resto del disco. En fin, deja mucho que desear, realmente se siente que Kiss lo reservaban todo para la puesta en escena, porque sinceramente los outfits y la portada son legendarios. Pero no son los músicos más increíbles del mundo, y contando con que este año salieron otros proyectazos de rock como 2112 de Rush, Station to Station de Bowie o A Day at the Races de Queen, otro álbum que apunta a hacer gritar y saltar pero que considero que tiene una elegancia que lo hace indiscutiblemente superior… Pues poco más que añadir, meh. Favoritas: Detroit Rock City, Shout It Out Loud, Beth Menos favorita: Great Expectations #DAY 25: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Going back once again to the 70s, the most 80s band that isn’t from the 80s: Kiss. As a kid I used to listen to them from time to time, classic tracks like Rock and Roll All Nite or Love Gun, but never from this specific album. Now, about eight years later, I honestly have a rather mixed opinion about the band and their music… Without a doubt, they have an overwhelming influence; they kind of define what party rock is, and it would be copied endlessly. Personally, it’s not the type of music that resonates the most with me—it’s full of clichés and feels bucolic in the most damaging sense. We start with a decent opener; maybe the intro drags on for too many minutes, but I do find it interesting that they paid tribute to a fan who died driving to one of their concerts. It’s very glam, very much the type of thing to jump to at a show and scream along to without thinking too much, and the guitar harmonies at the end are quite powerful. That said, from here the album never really picks up again—the next track, King of the Night Time World, has a chaotic mix that’s repeated in other songs and lacks even half the energy and sense of structure of the previous one. And that’s kind of the album’s main flaw: musical talent in terms of composition isn’t very present. The lyrics leave much to be desired, especially the offensive Great Expectations or God of Thunder with its surface level mythological references. I can point out that Beth is an adorable song and the orchestra sounds pretty good, but it’s completely out of place with the rest of the record. All in all, it leaves a lot to be desired; it really feels like Kiss saved everything for the stage show, because honestly, the outfits and the cover art are legendary. But they’re not the most incredible musicians in the world, and considering that this year saw the release of other massive rock projects like 2112 by Rush, Station to Station by Bowie, or A Day at the Races by Queen—another album aimed at making you shout and jump, but with an elegance that makes it indisputably superior… well, there’s not much more to say. Meh. Favorites: Detroit Rock City, Shout It Out Loud, Beth Least favorite: Great Expectations

#DÍA 26: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Hoy toca el estereotipo de disco que imagino encontrar constantemente durante el desafío: álbum de country de un tío que no creo que deba escuchar antes de morir. Gene Clark fue un miembro fundador de The Byrds que en 1974 decidió componer un LP en solitario de lo más ambicioso, una producción muy potente con una cantidad algo exagerada de músicos contratados. Consigue lo que quiere al final, el álbum suena grande, instrumentalmente es impresionante, pero poco más. Si que es verdad que molan los toques de Rock psicodélico aquí y allá, le dan personalidad, aunque creo que debió ahondar mucho más en ello. El álbum abre con Life’s Greatest Fool presentándonos una estilo de Rock Country con toques de gospel y letras poéticas y reflexivas. La voz de Gene Clark es suave y sutil, a veces demasiado y termina pareciendo un sonido más de fondo, además que su estilo lírico me parece bastante falto de personalidad. El gran problema de este álbum es que considero que le faltan momentos memorables, es muy monótono, sólo me destaca la canción homónima porque es donde más psicodelia hay, con ese bajo tan prominente en la mezcla que hace retumbar todo bastante. Por otro lado, Some Misunderstanding intenta ser muy grandiosa y un momento clave, pero no creo que a nivel compositivo ni vocal consiga crear un mínimo de momentum para dar una fuerza real a esos estribillos. La producción y paleta sonora termina siendo muy plana y seca, los versos se hacen repetitivos y demasiado lentos. Creo que una canción que apunta a una dirección parecida es Us and Them de Pink Floyd, pero creo que ellos logran un mayor impacto gracias a un manejo de la intensidad más expresivo, el cual falta constantemente en este proyecto de Gene Clark. En general es decente, pero no tiene nada que me llame la atención como para considerarlo una escucha necesaria. Quizá si el Country es tu género favorito pues sí pueda ser más interesante, pero para el fan de música general no lo veo vital. El talento musical es innegable, pero al final es lo que se consigue gracias a haber invertido 100.000 dólares (lo que hoy sería medio millón) en producción, la creatividad no está muy presente, y es lo que creo que hace que tanta ambición termine en algo más bien pobre. Aunque no es terrible ni ofensivo, podría ser mucho mejor si hubiese intentado ser algo más ofensivo. Favoritas: No Other, Strength of Strings Menos favorita: From a Silver Phial #DAY 26: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Today’s pick fits the stereotype of an album I imagine I’ll come across often during this challenge: a country record by a guy I don’t think I really need to hear before I die. Gene Clark was a founding member of The Byrds who, in 1974, decided to compose a highly ambitious solo LP—a big production with what feels like an excessive number of hired musicians. In the end, he gets what he was aiming for: the album sounds big, and instrumentally it’s impressive… but not much more than that. It’s true that the touches of psychedelic rock here and there are pretty cool—they give it some personality—though I think he should have leaned into them much more. The album opens with Life’s Greatest Fool, presenting a country rock style with gospel touches and poetic, reflective lyrics. Gene Clark’s voice is soft and subtle—sometimes too much so—and ends up feeling like just another background sound. His lyrical style also strikes me as lacking in personality. The big problem with this album is that I think it’s missing memorable moments; it’s very monotonous. The only real standout for me is the title track, because it’s where the psychedelia is most present, with that prominent bass in the mix that makes everything rumble. On the other hand, Some Misunderstanding tries to be grand and a key moment, but I don’t think it manages to build enough momentum—compositionally or vocally—to give those choruses any real power. The production and sonic palette end up feeling flat and dry, the verses are repetitive and too slow. A song that I think aims for something similar is Pink Floyd’s Us and Them, but they achieve a far greater impact thanks to a more expressive handling of intensity—something this Gene Clark project consistently lacks. Overall, it’s decent, but there’s nothing that grabs my attention enough to consider it an essential listen. Maybe if country is your favorite genre it could be more appealing, but for the general music fan, I don’t see it as vital. The musical talent is undeniable, but that’s also what you get when you invest $100,000 (about half a million today) into production—creativity, on the other hand, is not as present, and I think that’s what makes all that ambition end up as something rather underwhelming. While it’s neither terrible nor offensive, it could have been much better if it had actually tried to be a bit more offensive. Favorites: No Other, Strength of Strings Least favorite: From a Silver Phial

#DÍA 27: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Pues toca uno de los álbumes más míticos del Hip Hop, un clásico que ya había escuchado pero que ha sido todo un placer volver a disfrutarlo. Se trata del histórico debut de The Notorious B.I.G., una pieza fundamental en la historia del Hip Hop. Aunque caótico en su concepción —mostrando dos actitudes distintas en el rapero, una más relajada y otra más hardcore—, fue un éxito para Biggie que lo hizo posicionarse como una de las figuras más influyentes de la cultura. Algo que siempre me ha resultado impactante de este LP es la facilidad del rapero para, no sólo soltar piezas de su realidad de la forma más cruda y sin filtros posible, sino su capacidad para encajarlas en un flow que está lleno de ritmo, energía y que es reconocible al instante. Gimme the Loot es uno de los temas más reveladores del disco, una canción que a menudo se menciona como una de las mejores en pintar el crimen callejero. No solo eso, sino que es una perfecta muestra de las habilidades de Biggie como narrador, que dan un aspecto cinematográfico a todo el álbum, además de cómo usa su voz para diferenciar entre los dos personajes que ilustra. Por otro lado no le falta hablar acerca de su puesto dentro del Hip Hop, como en Juicy, donde revela que no le avergüenza haber podido alcanzar un buen nivel económico pese a ser algo que pudiese ser visto como negativo, considera que sufrió suficiente para llegar a ello. Es interesante dentro de la lista de canciones el contraste entre los temas más agresivos y punzantes, como Ready to Die, y los más relajados y con mayor accesibilidad, como la clásica Big Poppa. No obstante, el disco cierra en un momento realmente oscuro con los pensamientos más negativos del rapero, que terminan con su suicidio hipotético, un tema bastante extraño en comparación al resto del LP y difícil de olvidar. Un clásico en toda regla, la potencia en el flow de Biggie, la calidad de las instrumentales, la fuerza narrativa… Pienso que pierde algo de fuelle en los últimos minutos, con Friend of Mine, cuya misoginia no es ignorable, o Unbelievable, que parece una de las pistas menos trabajadas y es más olvidable. Eso sin contar los skits de sexo que son… Bastante incómodos. Favoritas: Things Done Changed, Gimme the Loot, Machine Gun Funk, Warning, Ready to Die, Juicy, Everyday Struggle, Me and My Bitch, Big Poppa, Suicidal Thoughts Menos favorita: Friend of Mine #DAY 27: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well, here we have one of the most legendary Hip Hop albums, a classic I had already listened to but that was an absolute pleasure to revisit. It’s the historic debut of The Notorious B.I.G., a fundamental piece in Hip Hop history. Although chaotic in its conception—showing two different sides of the rapper, one more laid-back and the other more hardcore—it was a success for Biggie that positioned him as one of the most influential figures in the culture. Something that has always struck me about this LP is the rapper’s ability not only to spit out pieces of his reality in the rawest, most unfiltered way possible, but also to fit them into a flow that’s full of rhythm, energy, and instantly recognizable. Gimme the Loot is one of the album’s most revealing tracks, a song often mentioned as one of the best at depicting street crime. Not only that, but it’s also a perfect showcase of Biggie’s storytelling skills, which give the whole album a cinematic feel, along with how he uses his voice to distinguish between the two characters he portrays. On the other hand, he doesn’t shy away from talking about his place in Hip Hop, as in Juicy, where he reveals he isn’t ashamed of having reached financial success—even if it might be seen as a negative—because he believes he suffered enough to get there. Within the tracklist, it’s interesting to note the contrast between the more aggressive and hard-hitting songs, like Ready to Die, and the more laid-back and accessible ones, like the classic Big Poppa. Nevertheless, the record closes in a truly dark moment with the rapper’s most negative thoughts, ending with his hypothetical suicide—a rather strange track compared to the rest of the LP and one that’s hard to forget. A true classic in every sense—the power of Biggie’s flow, the quality of the instrumentals, the strength of the storytelling… I think it loses a bit of steam in the final minutes, with Friend of Mine, whose misogyny can’t be ignored, or Unbelievable, which feels like one of the less polished and more forgettable tracks. Not to mention the sex skits, which are… quite uncomfortable. Favorites: Things Done Changed, Gimme the Loot, Machine Gun Funk, Warning, Ready to Die, Juicy, Everyday Struggle, Me and My Bitch, Big Poppa, Suicidal Thoughts Least favorite: Friend of Mine

#DÍA 28: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Vaya, porras, otro álbum de Country. He intentado escuchar este de un modo más optimista dado que se trata de una mujer en los 90s, así que pensé que podría ser más atrevido de lo que he escuchado dentro del género. Lucinda Williams presenta aquí una serie de canciones de Country Alternativo y de Americana que, aún pecando estilísticamente de ser algo monótonas, son salvables, principalmente por el enfoque personal que da en gran parte del LP. Algo que espero escuchar en un proyecto de country es que el artista aporte su visión, sus vivencias, sus sentimientos, a partir de narraciones basadas en la cultura rural y los paisajes de su país, algo que en ocasiones termina cayendo en estereotipos y con poca profundidad emocional, pero bien hecho puede ser fantástico (Véase mi reseña de Hejira de Joni Mitchell). En el tema de apertura Lucinda canta con bastante sinceridad acerca de su sexualidad, con un acompañamiento de Country Rock sólido que da un inicio bastante decente y prometedor líricamente al álbum. Algo que se mantiene en la siguiente pista, la canción homónima, que trata sobre los paralelismos que la cantante encuentra entre su vida actual y los recuerdos de su infancia, viajando de un lugar pobre a otro en coche. 2 Kool 2 be 4-Gotten es un buen homenaje a un local de música del que Lucinda guardaba fotografías, llegas a sentirte algo nostálgico por el lugar. Las letras con contenidos interesantes se mantienen presentes, como el recuerdo de un viejo amante en Lake Charles o la reflexión acerca del deseo de encontrarte con aquel que extrañas en Concrete and Barbed Wire. En sí la primera mitad del LP es bastante sólida, pero en la segunda mitad comienza a flojear mucho en las letras y las instrumentales no mejoran. Parece perder la personalidad progresivamente, con canciones cuyas letras se alejan más y más de las vivencias personales para simplemente expresar sentimientos comunes en los que toda la audiencia pueda verse reflejada. Ejemplos de ello son Still I Long for Your Kiss o Joy, que empiezan a ser ya demasiado repetitivas estéticamente también. Acaba cayendo en los estereotipos que me temo en la canción Jackson, la cual en concepto puede parecer interesante —ilustrar el proceso de pasar por una ruptura a lo largo de un viaje— pero termina siendo sólo una canción que hace poco más que simplemente nombrar lugares para romantizarlos de forma barata. Es respetable, termina bastante mal para mi gusto pero tampoco es un álbum que me ofenda o que no pueda escuchar. Es interesante leer las vivencias de Lucinda Williams pero hasta ahí empieza y termina mi interés real por este disco. También es un género de música con el que suelo conectar más bien poco por ahora, siento ser tan despectivo con el mismo pero es que no puedo parar de pensar en lo ridículas que serían las letras si se cambiasen los nombres por lugares de España… Albacete, Robregordo, Ibeas de Juarros… En fin. Favoritas: Car Wheels on a Gravel Road, 2 Kool 2 be 4-Gotten Menos favorita: Jackson

#DÍA 30: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenas tardes, toca viajar a tiempos en los que ya estaba vivo, 2006. De Lupe Fiasco escuché su álbum del año pasado, Samurai, que me encantó y me despertó bastante curiosidad por su estilo, principalmente su forma de rimar y los conceptos locos de canciones. Aquí se trata de un glorioso debut tras llamar la atención en su colaboración con Kanye West en Touch the Sky, cuya influencia es de notar a lo largo de todo este LP. Aunque a mi ver esto es solamente en el aspecto instrumental, muy luminoso y maximalista, puesto que Lupe en el micro es mucho más complejo a nivel lírico. El proyecto arranca con una presentación del concepto general por su hermana Ayesha Jaco, un concepto sobre bien y mal (Food & Liquor). Las reflexiones sobre moralidad, ya sean a un nivel individual como social, abundan a lo largo de la lista de canciones. Un ejemplo es Hurt Me Soul, un tema en el que Lupe revela cómo su amor por la cultura del Hip Hop es confuso por la actitud misógina y cercana al crimen que promueve, pero también entiende la capacidad de este arte para reflejar una realidad invisibilizada. Otra canción interesantísima es Kick, Push, en la que a partir de un concepto sencillo —un chaval que ama hacer skate— trata sobre cómo la pasión de uno a veces puede ser minimizada por el resto, sin embargo llega a dar sentido a la vida del individuo (aunque como se revela en Kick, Push II, realmente esta pasión también era una forma de escape ante un ambiente privado complicado). En general es un proyecto implacable, con otros temas cargados de contenido lírico, como The Instrumental, que se adelantó bastante a nuestro presente acerca de la adicción a las pantallas o el lavado de cerebro; o He Say She Say, que trata de un modo muy psicológico la perspectiva de dos hermanos ante la falta de un padre; o American Terrorist, con un sentido crítico ante lo que él percibe como una mala interpretación de las distintas lecturas sagradas, lo que ha llevado a muchas guerras y opresión racial a lo largo de la historia. Pese a la fuerza de gran parte de los temas de este LP, hay algunos otros que son algo más olvidables, como Real que no tiene el mismo virtuosismo lírico que brilla en el resto de canciones; o la Outro, que pese a que en verdad admiro que Lupe se molestase en ocupar 12 minutos de su proyecto en agradecimientos, no termina siendo la escucha más entretenida del mundo… Aún así es un disco increíble como debut que me da ganas de escuchar más de su discografía para entender mejor cómo llegó al sonido de Samurai en 2024. Favoritas: Kick, Push; The Instrumental, He say She Say, Sunshine, Daydreamin’, Hurt Me Soul, American Terrorist, Kick Push II Menos favorita: Outro #DAY 30: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Good afternoon, time to travel back to when I was already alive: 2006. I first listened to Lupe Fiasco’s album from last year, Samurai, which I loved and which really sparked my curiosity about his style, mainly his way of rhyming and the wild concepts behind his songs. Here we’re talking about a glorious debut after catching attention with his collaboration with Kanye West on Touch the Sky, whose influence can be felt throughout this LP. Although in my view, this is mostly on the instrumental side—bright and maximalist—since Lupe on the mic is much more complex lyrically. The project begins with an introduction to the overall concept by his sister Ayesha Jaco, a theme about good and evil (Food & Liquor). Reflections on morality—whether on an individual or social level—abound throughout the tracklist. An example is Hurt Me Soul, a track where Lupe reveals how his love for Hip Hop culture is conflicted due to the misogynistic and crime-driven attitude it often promotes, but he also recognizes the power of the art form to reflect an otherwise invisible reality. Another fascinating song is Kick, Push, where from a simple concept—a kid who loves skateboarding—he explores how one’s passion can sometimes be minimized by others, yet it can still give meaning to the individual’s life (although as revealed in Kick, Push II, this passion was also a way to escape a complicated private environment). Overall, it’s a relentless project, with other tracks packed with lyrical depth, like The Instrumental, which was way ahead of its time in addressing screen addiction and brainwashing; He Say She Say, which explores in a deeply psychological way the perspective of two siblings dealing with the absence of their father; or American Terrorist, with its critical take on what Lupe perceives as the misinterpretation of the different sacred texts, something that has led to many wars and racial oppression throughout history. Despite the strength of most of this LP’s tracks, there are a few that are a bit more forgettable, like Real, which doesn’t showcase the same lyrical virtuosity that shines elsewhere; or the Outro, which—even though I genuinely admire that Lupe took the time to dedicate 12 minutes of his project to thank-yous—doesn’t exactly make for the most entertaining listen… Even so, it’s an incredible debut that makes me want to dive deeper into his discography to better understand how he eventually arrived at the sound of Samurai in 2024. Favorites: Kick, Push; The Instrumental, He Say She Say, Sunshine, Daydreamin’, Hurt Me Soul, American Terrorist, Kick Push II Least favorite: Outro

#DÍA 29: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Segundo concierto que me aparece en el desafío, la verdad que agradezco que existan muestras de cómo eran los conciertos de los 60s porque creo que captan mejor la esencia de muchos de sus músicos. Sam Cooke es llamado “Rey del Soul”, una influencia vital para aquellos por venir, pero fue él quien dio forma estéticamente al importante género musical. Con una voz poderosísima, carrasposa y de lo más expresiva, una voz sobresaliente sin duda que le da sentido al nombre “Soul”. Este LP en vivo realmente te da ganas de estar en aquel sitio en aquel momento, y al parecer no fue publicado hasta 1985 por considerarse demasiado crudo… Eso siempre promete. La grabación en directo arranca con un buen entrante, Feel It, para dejar bien claro que todos estaban allí esa noche para sentir y bailar la música en unidad. En este concierto Sam Cooke y los músicos acompañantes realmente lucieron el potencial de las canciones, algo evidente en Chain Gang, una canción que además trata de un modo muy pintoresco e ilustrativo la esclavitud. Por otro lado, el carácter performativo de Sam Cooke es de lo más encantador cuando hace el sonido de tensar un arco en Cupid o el manejo del público en It’s All Right/For Sentimental Reasons, hace que se te ponga la piel de gallina escuchar como cantan de vuelta. La crudeza censurada se entiende más en Twistin’ the Night Away, en la que Cooke realmente adquiere una intensidad de Rock N’ Roll, acaba hasta saturando la mezcla. En la segunda mitad se vuelve bastante sensible, sobre todo Somebody Have Mercy, dónde bien siente al cantar la cuestión de “I wanna know what is wrong with me”. Acercándonos al final del espectáculo tocan dos canciones de amor bastante emotivas, sobre todo Nothing Can Change This Love, que es de lo más tierna y pegadiza. Finaliza con Having a Party, celebrando la música Soul y tratando la vida misma como una fiesta, es optimista y un perfecto cierre para esta noche. Es un álbum en vivo excelente, obviamente la mezcla no es lo mejor del mundo y el protagonismo cae demasiado sobre el cantante para mi gusto, aunque los solos de saxofón son fantásticos. Las canciones pueden terminar siendo algo similares entre sí pero hablan de un género que está en puro desarrollo, y creo que es muy estimulante poder escuchar cómo sonaba en vivo. Ojalá fuese más largo… Favoritas: Chain Gang, It´s All Right/For Sentimental Reasons, Somebody Have Mercy, Nothing Can Change This Love, Having a Party Menos favorita: Cupid #DAY 29: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Second concert to show up in the challenge, and honestly, I’m grateful that recordings exist showing what concerts were like in the ’60s, because I think they capture the essence of many musicians better. Sam Cooke is called the “King of Soul,” a vital influence for those who came after, but it was he who gave aesthetic shape to this important musical genre. With a tremendously powerful, raspy, and deeply expressive voice—an outstanding voice, no doubt—that truly gives meaning to the name Soul. This live LP really makes you wish you had been there in that place at that time, and apparently it wasn’t released until 1985 because it was considered too raw… and that always promises something good. The live recording kicks off with a great opener, Feel It, making it clear that everyone there that night had come to feel and dance to the music together. In this concert, Sam Cooke and the accompanying musicians really showcased the potential of the songs, something especially evident in Chain Gang, a track that also paints a vivid and illustrative picture of slavery. Also, Sam Cooke’s performative character is utterly charming—whether making the sound of drawing a bow in Cupid or engaging the audience in It’s All Right/For Sentimental Reasons, it gives you chills to hear the crowd singing back—. The “rawness” that was censored makes more sense in Twistin’ the Night Away, where Cooke truly channels a Rock ’n’ Roll intensity, to the point the mix even becomes a bit saturated. In the second half, the mood turns quite sensitive, especially with Somebody Have Mercy, where he truly feels the weight of singing the line “I wanna know what is wrong with me”. Nearing the end of the show, he performs two rather emotional love songs, especially Nothing Can Change This Love, which is tender and incredibly catchy. The concert closes with Having a Party, celebrating soul music and treating life itself as a party—optimistic and a perfect way to end the night. It’s an excellent live album. Obviously, the mix isn’t the best in the world, and the spotlight falls too heavily on the singer for my taste (though the saxophone solos are fantastic). The songs can end up sounding somewhat similar to each other, but they speak to a genre in pure development, and I find it really exciting to hear how it sounded live. I just wish it were longer… Favorites: Chain Gang, It’s All Right/For Sentimental Reasons, Somebody Have Mercy, Nothing Can Change This Love, Having a Party Least favorite: Cupid

#DÍA 32: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Con este álbum empiezo un nuevo cuaderno de tomar apuntes, todo un logro ser tan consistente en algo para mí. Aunque no lo abro de un modo especialmente llamativo, pues este álbum de Bonnie Raitt la verdad que no es nada del otro mundo. Un LP que en su día fue bastante galardonado en los grammys y en general, pero que no le termino de ver nada especial. Sin duda a nivel vocal Bonnie es muy talentosa, muy buen rango y un rasgo áspero que la hace más que apta para el Rock. Por otro lado el personal es bastante amplio y adornan bastante las canciones, pero no llega a tener demasiada esencia. El entrante es una de las dos canciones que sí son escritas por la artista principal, algo que me gusta poco en un proyecto supuestamente solista, pero bueno lo paso si al menos el contenido es de calidad y el rendimiento de la cantante se siente genuino. Este primer tema es bastante sólido, con un groove potente guiado por un bajo que suena fantástico. Thing Called Love es otra canción de Pop Rock buena dentro del álbum, con un estribillo pegadizo y una letra ingeniosa y divertida, por esas menciones al Príncipe Encantador o a la Reina de Saba. La actitud de Bonnie sigue siendo sugestiva y enérgica en Love Letter o Real Man. Sin embargo, el contenido lírico flojea en muchos puntos por ser demasiado genérico, como Cry On My Shoulder o I Ain’t Gonna Let You Break My Heart Again. Por otro lado los temas dejan de ser pegadizos o de tener algo de interés, se vuelven más una vibe y aburren cuando les prestas demasiada atención. Finalmente la canción de cierre es la otra escrita por la cantante, y se siente algo más genuina, con un ritmo Country divertido, pero tampoco tiene un impacto del otro mundo. Es un comeback decente, la verdad que el álbum salió sonando bastante bien pese a los problemas que tuvo Bonnie Raitt, tanto personales como para encontrar una forma de financiar un proyecto nuevo. Aún así, a mí no me llega demasiado, aunque creo que es interesante escuchar algo que triunfaba tanto en la crítica por entonces. Favoritas: Nick of Time, Thing Called Love, Love Letter, Real Man Menos favorita: I Ain’t Gonna Let You Break My Heart Again #DAY 32: 1001 Albums You Must Hear Before You Die With this album I’m starting a new notebook for taking notes—a real achievement for me to be this consistent with something. Though I’m not opening it with anything particularly striking, since this Bonnie Raitt album honestly isn’t anything out of the ordinary. An LP that back in the day was highly awarded at the Grammys and more generally, but I don’t really find anything special in it. No doubt, vocally Bonnie is very talented, with a great range and a rough edge that makes her more than fit for Rock. On the other hand, the supporting personnel is quite large and they do dress up the songs a fair bit, but it never really manages to have much essence. The opener is one of only two songs actually written by the main artist—something I tend not to like in a supposedly solo project—but I’ll let it slide if at least the content is of quality and the singer’s performance feels genuine. This first track is pretty solid, with a strong groove driven by a fantastic sounding bassline. Thing Called Love is another good Pop Rock track on the album, with a catchy chorus and clever, fun lyrics, with those mentions of Prince Charming and the Queen of Sheba. Bonnie’s attitude remains suggestive and energetic in Love Letter and Real Man. However, the lyrical content falters in many spots for being too generic, like Cry On My Shoulder or I Ain’t Gonna Let You Break My Heart Again. Beyond that, some tracks stop being catchy or interesting—they turn more into a “vibe” and become boring if you pay them too much attention. Finally, the closing song, the other one written by Bonnie, feels a bit more genuine, with a fun Country rhythm, though it still doesn’t have much impact. It’s a decent comeback—the album actually ended up sounding quite good despite the struggles Bonnie Raitt faced, both personal and in finding a way to finance a new project. Even so, it doesn’t do much for me, though I do think it’s interesting to hear something that was so critically celebrated at the time. Favorites: Nick of Time, Thing Called Love, Love Letter, Real Man Least favorite: I Ain’t Gonna Let You Break My Heart Again

#DÍA 31: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Otro día más cumpliendo, en este caso el tercer álbum de estudio de Arcade Fire. Ya he escuchado y disfrutado de su debut Funeral, un LP de Indie Rock bastante emotivo e intenso, aunque algo inconsistente a mi parecer. En esta pieza de 66 minutos la banda se embarcó en un proyecto bastante ambicioso, centrándose en una temática central: el paso del tiempo. Rebajan en general bastante la epicidad de su primer álbum, aunque quizá para entender mejor esta decisión debería escuchar su segundo disco. Primeramente, el entrante es una canción bastante dulce que en presenta la temática y el motivo central, los suburbios, algo que interpreto como una representación de aquel lugar en el que uno pasa su infancia —aunque concretamente se centra en lo que es crecer dentro suburbios—. La canción es bastante emotiva, tiene una suavidad que evoca bastante nostalgia. En cuanto a la voz de Win Butler, es realmente melancólica, pero no termina encajando conmigo en prácticamente el resto del LP. Tiene un estilo expresivo sin duda, quizá algo melodramático, pero nunca llega a ser demasiado explosivo o atrevido como siento que sí es en Funeral. Esto sobre todo hace sangrar al álbum en temas como Modern Man, en la que no paran de haber crescendos que nunca llegan a un clímax realmente satisfactorio. Por ello creo que disfruto más del álbum cuando es Régine Chassagne quien canta, por ejemplo, me gusta mucho su estilo fantasmagórico en Empty Room, encaja a la perfección con el bajo tan predominante y la ventisca de cuerdas que rodea la canción. En general el álbum no me llega mucho musicalmente, pese a que las letras en su mayoría sean bastante evocadoras, explorando muchos tópicos relativos al paso del tiempo y usando inteligentes simbolismos. Rococo es una divertida sátira acerca de la superficialidad de las generaciones modernas, titulada de forma ingeniosa como una espada de doble filo: la ignorancia de usar términos cultos para sonar interesante, y hacer paralelismo con una época histórica realmente superficial. Por otro lado, tanto Deep Blue como We Used To Wait han envejecido como el vino, pues su enfoque en el auge de la tecnología y de lo instantáneo no puede ser cada vez más relevante. Finalmente las tres últimas pistas cierran de forma preciosa el LP, musicalmente son bastante potentes y llevan el concepto a una conclusión interesante. Sprawl I vuelve a traer el asunto de los suburbios, aquí Win hace una interpretación más teatral que pienso que encaja genial para acercarnos al final. Luego Sprawl II es una brillante canción de synthpop que contrasta con la oscuridad del otro tema central del disco, Half Light II, aunque pienso que ésta segunda es mucho menos emocionante y tiene una mezcla algo caótica que llega a saturar. Por último, el álbum cierra con una pequeña vuelta al primer tema, confesando que si pudiesen volver a los tiempos de su infancia, volverían a malgastar el tiempo, porque no hay nada mejor que poder vivir sin preocupaciones. The Suburbs tiene una temática emotiva y muy bien traída, pero pienso que deja mucho que desear a nivel instrumental y creativo, la mayoría de canciones son algo aburridas y pecan de tener un sonido excesivamente suave. Canciones como City With No Children o Suburbian Wars parecen tener poca ambición musical, resultan demasiado inofensivas. La percusión tiende a flojear en cuanto a golpe e intensidad, por lo que un tema como Month of May que intenta tener un ritmo más puramente de Rock termina aburriendo. Y es una pena, porque pistas como Wasted Hours pierden su potencial debido a una producción y composiciones que no son nada llamativas, pese a tener un mensaje expresado de un modo bello y con el que es fácil empatizar. En fin, me extiendo bastante porque en general veo muchos puntos positivos en este álbum, pero los veo malgastados por una pobre ambición sónica y estética. Aún así probaré a escucharlo un poco más, es posible que le coja el gusto procesándolo, que es bastante largo. Favoritas: The Suburbs, Ready to Start, Rococo, Deep Blue, We Used To Wait, Sprawl I, Sprawl II, The Suburbs (Continued) Menos favorita: City With No Children #DAY 31: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Another day completed, this time with Arcade Fire’s third studio album. I’ve already listened to and enjoyed their debut, Funeral, a pretty emotional and intense Indie Rock LP, though a bit inconsistent in my opinion. In this 66-minute piece, the band embarked on quite an ambitious project, focusing on a central theme: the passage of time. They generally tone down the epic quality of their debut, though maybe I should listen to their second record to better understand this decision. Firstly, the opener is a rather sweet track that introduces the theme and central motif: the suburbs. I interpret this as a representation of the place where one spends their childhood—though specifically it focuses on growing up in the suburbs. The song is quite moving, with a softness that evokes nostalgia. As for Win Butler’s voice, it’s genuinely melancholic, but it doesn’t quite work for me through most of the LP. He has an expressive style, no doubt, maybe a bit melodramatic, but it never feels explosive or daring in the way I think it does on Funeral. This especially hurts the album on tracks like Modern Man, which is full of crescendos that never reach a truly satisfying climax. For that reason, I think I enjoy the album more when it’s Régine Chassagne singing—for example, I really like her ghostly style on Empty Room, which fits perfectly with the prominent bassline and the storm of strings surrounding the track. Overall, the album doesn’t connect with me much musically, even though the lyrics are mostly evocative, exploring many topics related to the passage of time and using clever symbolism. Rococo is a fun satire on the superficiality of modern generations, cleverly titled as a double-edged sword: the ignorance of using lofty terms to sound interesting, while also paralleling a truly superficial historical era. On the other hand, both Deep Blue and We Used to Wait have aged like fine wine, as their focus on the rise of technology and instant gratification only becomes more and more relevant. Finally, the last three tracks beautifully close the LP, musically powerful and bringing the concept to an interesting conclusion. Sprawl I returns to the subject of the suburbs, and here Win delivers a more theatrical performance that I think works really well as we near the ending. Then, Sprawl II is a sparkling synthpop song that contrasts with the darkness of the other central theme, Half Light II, though I find the latter much less exciting, with a somewhat chaotic mix that becomes overwhelming. Lastly, the album closes by circling back to the first track, confessing that if they could return to their childhood, they’d still waste their time—because there’s nothing better than being able to live without worries. The Suburbs has an emotional and well-developed theme, but I think it leaves a lot to be desired instrumentally and creatively. Most of the songs are somewhat dull and suffer from being excessively soft in sound. Tracks like City With No Children or Suburban War seem to lack musical ambition and feel too harmless. The percussion tends to fall short in punch and intensity, so a track like Month of May, which tries to carry a more straightforward Rock rhythm, ends up being boring. And it’s a shame, because songs like Wasted Hours lose their potential due to production and compositions that aren’t particularly striking, even though the message is beautifully expressed and easy to empathize with. In short, I went on at length because I do see many positive aspects in this album, but I feel they’re wasted on poor sonic and aesthetic ambition. Still, I’ll try listening to it a bit more—it’s possible I’ll grow to appreciate it with more time, since it’s quite a long record. Favorites: The Suburbs, Ready to Start, Rococo, Deep Blue, We Used to Wait, Sprawl I, Sprawl II, The Suburbs (Continued) Least favorite: City With No Children

#DÍA 33: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) La cosa se puso ácida, primer álbum de electrónica que tratamos y es bestial. Aparentemente contemporáneo a Homework de Daft Punk, un clásico del Big Beat, un género que tuvo bastante potencia en la música en vivo de Reino Unido a finales de los 90. The Chemical Brothers te adentran aquí en un completo trance de LP, lleno de breakbeats enérgicos y unos bajos que se apoderan de tu alma. De hecho, empecé a escuchar el álbum algo adormecido, pero el incansable ritmo festival de los temas me acabaron despertando, aunque ya ni sé en qué realidad. El disco empieza con Block Rockin’ Beat, que es literalmente lo que el nombre te da a entender, todo un golpe de ritmos y descargas de intensidad disparadas en forma de extraños ruidos electrónicos. No llega a ser como Aphex Twin que te hace sentir que estás viajando a la velocidad de la luz para que te trituren el cerebro unos robots del futuro, pero sí hace mover tu cuerpo fuera de tu voluntad, y te transporta a una noche de bailes intensos. El sonido de la batería y los grooves para mí son la joya de todo el LP, no hay una pieza que no tenga un beat asombroso, desde una hiperactiva batería estilo “Amen Break” en Elektrobank (Aparentemente traída de manos del mismísimo Simon Philips), las percusiones que parecen grabadas en una catedral de Sitting Sun, hasta el imparable groove de Get Up On It Like This. Por otro lado, la atmósfera del LP es alucinante, entras de lleno en una pista de baile en la que estás básicamente trascendiendo. Toda la lista de canciones tiene una marcha imparable, los sintetizadores y diversos ruidos acribilladores, es como si la música tratase de entrar violentamente en tu cuerpo. Predomina una oscuridad intensa, a veces parecen sonidos de películas de terror, como Setting Sun o las distorsiones finales de Elektrobank. Sin embargo, Lost In The K-Hole parece adentrarnos en un lugar mucho más onírico, como una especie de clímax inverso… O básicamente al fin pillar la cama tras una noche intensa. Where Do I Begin después me suena a una resaca, dentro de la tranquilidad del amanecer la cantante Beth Orton parece algo perdida, ni sabe dónde está. Tras ésto el álbum cierra de un modo épico con The Private Psychedelic Reel, una larga pieza de electrónica mezclada con elementos exóticos y un beat intrépido, da la impresión de ser los créditos tras la película. Finalmente tengo algunas cosillas que criticar, principalmente que los samples de voces no son especialmente interesantes. Desde luego que pegan con la energía general, pero creo que se les podría haber dado un uso más creativo o haber hecho una selección con refranes más llamativos (Aunque en Lost In The K-Hole sí creo que complementa bastante a la sensación adormecida de la pista). Comparado con proyectos del estilo cercanos en el tiempo, como .....Endtroducing, Donuts o Homework, pienso que flojea bastante en ese sentido. Pero vamos, es genial en todos los sentidos, al final lo que más me gusta de este tipo de música es que los beats se me claven en el coco, y éste lo consigue con gran éxito. Bailé mucho Hey Boy Hey Girl en el Just Dance 3 de pequeño así que no me extraña que me guste tanto este disco :) Favoritas: Block Rockin’ Beats, Dig Your Own Hole, Electrobank, Piku, Setting Sun, Get Up On It Like This, Lost In The K-Hole, The Private Psychedelic Reel Menos favorita: Don’t Stop the Rock #DAY 33: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Things just got trippy—the first electronic album I’m covering, and it’s a beast. Apparently released around the same time as Homework by Daft Punk, this is a classic of Big Beat, a genre that carried huge weight in the UK’s live music scene in the late ’90s. The Chemical Brothers pull you into a complete LP trance, full of energetic breakbeats and basslines that take over your soul. In fact, I started listening to the album half-asleep, but the relentless, festival-ready rhythms ended up waking me up—though I’m not even sure what reality I’m in anymore. The record kicks off with Block Rockin’ Beats, which is literally exactly what the name suggests—an explosion of rhythms and bursts of intensity shot out in strange electronic noises. It doesn’t go as far as Aphex Twin, who makes you feel like you’re traveling at the speed of light while future robots grind your brain, but it does make your body move against your will, transporting you to a night of intense dancing. For me, the drum sound and grooves are the crown jewels of the LP. There isn’t a single track without an amazing beat—from the hyperactive, “Amen Break”-style drumming in Elektrobank (apparently courtesy of Simon Phillips himself), to the cathedral-like percussion of Sitting Sun, to the unstoppable groove of Get Up On It Like This. The album’s atmosphere is also mind-blowing—you’re thrown straight into a dancefloor where you’re basically transcending. The entire tracklist charges forward with unstoppable momentum; the synths and stabbing noises feel like the music is trying to violently enter your body. A dark intensity dominates; at times it sounds like horror movie effects, like in Setting Sun or the distorted ending of Elektrobank. However, Lost in the K-Hole feels like drifting into a much more dreamlike space, almost like an inverted climax—or basically finally crashing into bed after a wild night. Where Do I Begin then feels like a hangover, with Beth Orton sounding lost in the calm of dawn, unsure where she even is. After that, the album closes epically with The Private Psychedelic Reel, a long piece of electronic music blended with exotic elements and a daring beat—it feels like the end credits of a film. That said, I do have a few criticisms, mainly that the vocal samples aren’t particularly interesting. They definitely match the overall energy, but I think they could have been used more creatively, or chosen with more striking refrains (though in Lost in the K-Hole, I do think they complement the drowsy vibe of the track well). Compared to similar projects from the era, like .....Endtroducing, Donuts, or Homework, I think it falls a bit short in that regard. But honestly, it’s brilliant in every way. At the end of the day, what I love most about this type of music is when the beats get stuck in my head—and this record nails that perfectly. I danced a lot to Hey Boy Hey Girl on Just Dance 3 as a kid, so it’s no surprise I love this album so much. :) Favorites: Block Rockin’ Beats, Dig Your Own Hole, Elektrobank, Piku, Setting Sun, Get Up On It Like This, Lost in the K-Hole, The Private Psychedelic Reel Least favorite: Don’t Stop the Rock

#DÍA 35: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Buenos días, hoy es turno de un álbum muy especial para mí y me hace infinita ilusión tener aquí un espacio para hablar del mismo. No voy a hablar de primeras impresiones puesto que es un LP que he escuchado muchísimo. Bowie por otro lado es mi artista favorito, así que coged esta reseña con ese dato subjetivo que me hace conectar de un modo mucho más profundo con su música. Low es un proyecto peculiar dentro de la historia de la música moderna, a veces llamado el “primer álbum de rock moderno” o también llamado “incoherente” y “ruido de fondo”. Sin duda divide mucho en opiniones, aunque a día de hoy está más establecido como uno de sus mejores álbumes. Es fácil de entender por qué puede producir una respuesta negativa al oyente: la radical diferencia entre las dos mitades del LP, lo surrealista y a primera vista ilógico de las letras, el sonido tan distinto a la anterior música de Bowie o la falta de estructura musical en la mayoría de temas. Para encontrar el sentido a todo lo que contiene Low se debe entender como lo que es: una creación artística concebida en un tiempo y un espacio. La estrella no estaba pasando por un buen momento de su vida, la adicción a la cocaína había llegado a un tope intolerable durante la creación de Station to Station, se sentía falto de ideas y de creatividad, su relación con Angela Barnett estaba en decadencia y parecía sentirse fuera de sí mismo tras casi una década de fama, llegando a hacer apología al nazismo durante su era de Thin White Duke. Se mudó a Suiza con Angela pero pasó mucho más tiempo en el Berlín Occidental junto a Iggy Pop para ambos rehabilitarse y también grabando el disco en Francia. Por otro lado, entró en contacto con Brian Eno, que sería la segunda mente creadora en la elaboración de Low aportando toques de ese estilo del que él fue pionero: la música de ambiente. Por supuesto también hay que considerar que se ubicaban en el espacio donde más se estuvo desarrollando la electrónica y el Krautrock, por lo que la influencia de grupos como Tangerine Dream, Kraftwerk o Harmonia es evidente en el resultado final. Sin una fecha límite impuesta por RCA y con unos sentimientos muy fuertes, fue un momento de alineación de los planetas para crear una obra de arte única. Lo que es comunica en Low es un dolor y angustia universal, transmitido de un modo algo críptico y mediante recursos formales poco habituales en la música popular de entonces: sonidos electrónicos, técnicas de escritura de vanguardia, modificaciones de timbres y un modo de cantar mucho más sombrío y pálido de lo que solía ser Bowie. Este LP es un testimonio de una estrella tocando fondo. Speed of Life es la instrumental que inicia el disco, que presenta un brillo, un color y una sensación surrealista. En la última pista de su posterior proyecto de estudio, ‘Heroes’, cantaría “I was running at the speed of life”, lo que interpreto como una referencia a su modo de vida descontrolado al caer en la adicción. Aunque solo sea una pieza sin letra ya nos presenta una idea fundamental, anteriormente el cantante corría veloz y sin preocupación, pero tras un momento de realización, se encuentra imbuido en depresión y soledad, tratando de huir de su Yo anterior. Se evidencia en Breaking Glass, un tema que parece incompleto pero que expresa muchísimo con lo poco que contiene. Dirigido por un ritmo pegajoso, similar a los que bailaba en Young Americans o Station to Station, aunque ahora con una atmósfera distinta: la batería parece traída de otro universo y la voz de Bowie parece estar perdiendo la cordura según avanza la canción. Fuera de sí mismo, se refiere a sí mismo constantemente en segunda persona y rompe espejos para escapar de su persona: “Baby, I’ve been breaking glass in your room again”. Aunque también puede referirse a realizar estas acciones en la habitación de Angela y sentirse avergonzado. En What in the World la estrella habla a su Yo infante, refiriéndole como “Little girl with grey eyes”, posiblemente una muestra de problemas de identidad y género. Es un tema que juega una carta común en esta mitad del LP, que es usar elementos que en principio suenan alegres y coloridos pese a estar reflejando sentimientos de ansiedad en la letra. Esto genera, junto a un uso alocado de los sintetizadores, una sensación de locura y paranoia; parece un intento de convencerse a sí de estar bien pero el engaño es tan ruidoso, torpe y caótico que solo suma al delirio. A continuación Sound and Vision nos vuelve a adentrar en un espacio solitario, uno con las paredes pintadas de azul. Es curioso hacer el paralelismo entre cuando en 1969 cantaba “Planet Earth is blue and there’s nothing I can do” en Space Oddity, refiriéndose a la tristeza general de nuestro mundo, y en 1977 expresa “Blue, blue, electric blue, that’s the color of my room”, para ilustrar su propio aislamiento y depresión. Por otra parte Bowie tarda un buen rato en aparecer en la canción, realmente su papel en este LP es bastante reservado y tímido, solo hay que compararlo con su presencia imposible de ignorar en Station to Station. La desesperación y angustia llevan a un doble clímax al final de esta segunda mitad: uno bajo y lento en Alway Crashing in the Same Car, y otro alto y casi vigoroso en Be My Wife. El primero de los dos es un momento de realización y frustración, mediante una sencilla metáfora entiende que siempre comete el mismo error. En ese coche, que representa su modo de vivir, la cocaína y la fama, acaba constantemente chocando y haciéndose daño a sí mismo y a quiénes le rodean. Por lo que es momento de bajarse de ese automóvil y empezar su rehabilitación y cambiar de ambiente. Aunque, en la segunda, el delirio de Bowie parece llegar a un extremo de paranoia tras darse cuenta de todos sus errores y no sabes qué hacer para arreglarlo. Pide con desesperación “Be my wife”, no hay razones, no hay promesas, tan solo un desesperado intento de acabar con la soledad que le ha provocado su modo de vida. De nuevo todo envuelto en unos ritmos y texturas que evocan a la perfección esa imagen de una estrella que se está apagando, que no parece aceptar que su corazón no es capaz de transmitir el brillo de su música anterior porque es momento de cambio. A New Career In a New Town es la aceptación de este cambio, una transición a la parte ambiental del LP que parece un miedoso pero optimista vistazo hacia el porvenir de su vida. El solo de armónica desde luego que transmite la soledad que ocupa el resto del álbum, solo que con un giro esperanzador, en lugar de tener miedo de sí mismo quiere convivir consigo para viajar a nuevos lugares. Una esperanza que parece ser brutalmente destruída con la oscuridad de Warszawa, pero en esta segunda mitad Eno y Bowie parecen atender más al espacio que les rodea, no son temas tan introspectivos. El contenido de Low se hace lógico al atender a estas dos mitades del siguiente modo: la primera es el individuo y la segunda es cómo él mismo percibe su alrededor o su sociedad. Algo que también se podría considerar ilustrado en su portada, en la que el artista se encuentra de perfil, pálido, abrigado y con los ojos cansados, mirando hacia el futuro. Sin embargo, pese a su estado de introspección, no puede evitar que el entorno le afecte, algo que se refleja en cómo su pelo parece mezclarse con el color anaranjado del fondo. Volviendo a Warszawa, la pieza fue inspirada por la visita de Bowie a la capital polaca, vista por él como una ciudad sumida en pesimismo y pena tras los desastres de la Segunda Guerra Mundial. La pista es cinematográfica, con un bajo de sintetizador que te penetra el corazón y unos vientos que cantan como homenaje a las tragedias ocurridas en Varsovia. La muestra de empatía ante esta situación se muestra en la decisión del artista de tratar de imitar cantos regionales de Polonia, creando una atmósfera aún más poderosa emocionalmente. Finalmente, los tres últimos temas son paisajes inspirados en distintos aspectos que Bowie observó en Berlín. Por un lado, Art Decade (homófono de “Art Decayed”) representa un mundo en el que la expresión, la cultura y el arte están en un punto bajo. La pieza consta de un juego de sintetizadores que descienden y otros que parecen intentar ascender, pero acaban creando una sensación inquietante. Luego Weeping Wall está basada en los sentimientos que provocaba el Muro de Berlín, un elemento que simbólicamente inspiraba separación y encerramiento. Ambas ilustran dos sentimientos con los que Bowie se identifica en la primera mitad del álbum, la falta de inspiración y la soledad. Como cierre del disco, Subterraneans trata de ser una oda a aquellas personas que se encontrasen en el Berlín Oriental. Al igual que Warszawa, es increíblemente oscura, pero en este caso mucho más triste, parece hablar de montones de personas con sueños y metas que jamás van a poder cumplir por encontrarse en unas condiciones de vida nefastas. Las cuerdas, las melodías en reversa, los desoladores solos de saxofón de Bowie y el pseudo-clímax que canta con palabras sin sentido, componen un final emocionalmente muy duro. De hecho, fue algo también criticado del álbum en su momento, ser demasiado pesimista. Pero tampoco creo que haya que tomarse la música o el arte como un escape de la realidad y punto, es importante que sea genuino, que refleje emociones y que genere pensamientos. Hay que aceptar que lo malo existe y que todos nos sentimos bajos, también que vivimos en un mundo complicado en el que el dolor no se va a extinguir nunca. Pero invisibilizar ésto solo lo empeoraría, y creo que es mucho más enriquecedor y humano crear una pieza mediante la que podamos realizar conexiones emocionales, haciéndonos sentir a todos un poco más unidos en un mundo tan grande en lugar de alienarnos más como los grandes nombres intentan hacer. Mi fascinación por Bowie comenzó cuando escuché este LP y desde entonces no ha dejado de sorprenderme canción tras canción. Era alguien imperfecto, alguien inteligente, infinitamente creativo, con las emociones a flor de piel y que mantuvo el arte siempre vivo. Ojalá haberle podido ver actuar, ojalá haber podido ver noticias sobre él o esperar impaciente por nueva música. Sin embargo, el destino me ha hecho empezar a apreciarle bastante tarde, pero también es signo sobre como fue un artista que realmente hizo de su expresión algo inmortal e inagotable. Descansa En Paz, Black Star. Favoritas: Todas Menos favorita: Ninguna #DAY 35: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Good morning, today it’s the turn of a very special album for me, and I’m infinitely excited to have this space to talk about it. I’m not going to write about first impressions since this is an LP I’ve listened to countless times. Bowie, on the other hand, is my favorite artist, so keep in mind that subjective fact that makes me connect on a much deeper level with his music. Low is a peculiar project in the history of modern music, sometimes called the “first modern rock album,” or alternatively called “incoherent” and “background noise.” Without a doubt, it strongly divides opinions, although today it’s more widely recognized as one of his best albums. It’s easy to understand why it could produce a negative response in listeners: the radical difference between the two halves of the LP, the surreal and at first sight illogical lyrics, the very different sound from Bowie’s earlier music, or the lack of conventional musical structure in most tracks. To find meaning in everything Low contains, one must understand it as what it is: an artistic creation conceived in a specific time and space. The star wasn’t in a good place in his life: cocaine addiction had reached an intolerable peak during the making of Station to Station, he felt drained of ideas and creativity, his relationship with Angela Barnett was falling apart, and he seemed to feel outside of himself after nearly a decade of fame—going so far as to flirt with Nazi imagery during his Thin White Duke era. He moved to Switzerland with Angela but spent much more time in West Berlin with Iggy Pop, where they both sought rehabilitation, while also recording the album in France. At the same time, he came into contact with Brian Eno, who became the second creative mind behind Low, contributing touches of the ambient style he had pioneered. Of course, one must also consider that they were in the epicenter of the development of electronic and Krautrock music, so the influence of groups like Tangerine Dream, Kraftwerk, or Harmonia is evident in the final result. With no deadline imposed by RCA and with very powerful emotions in play, it was a moment of alignment of the planets to create a unique work of art. What Low communicates is a universal pain and anguish, conveyed in a somewhat cryptic manner and through unusual formal resources for popular music at the time: electronic sounds, avant-garde writing techniques, timbre modifications, and a much gloomier and paler singing style than Bowie usually employed. This LP is a testimony of a star hitting rock bottom. Speed of Life opens the record, an instrumental that presents a brightness, a color, and a surreal feeling. In the last track of his later project “Heroes”, he would sing “I was running at the speed of life,” which I interpret as a reference to his out-of-control lifestyle while falling into addiction. Even though it’s only an instrumental, it already sets forth a fundamental idea: the singer once ran fast and carefree, but after a moment of realization, he finds himself steeped in depression and loneliness, trying to flee from his former self. This is evident in Breaking Glass, a track that feels incomplete but expresses so much with so little. Driven by a catchy rhythm—similar to what he danced to in Young Americans or Station to Station—but now with a different atmosphere: the drums seem imported from another universe, and Bowie’s voice seems to be losing sanity as the song progresses. Out of his own mind, he refers to himself constantly in the second person and smashes mirrors to escape from himself: “Baby, I’ve been breaking glass in your room again.” Though it may also refer to him acting this way in Angela’s room and feeling ashamed. In What in the World, the star addresses his infant self, referring to him as “Little girl with grey eyes,” possibly a sign of identity and gender struggles. This is a track that plays a common card in the first half of the LP: using elements that sound cheerful and colorful while actually reflecting feelings of anxiety in the lyrics. This, combined with a wild use of synthesizers, generates a sense of madness and paranoia; it feels like an attempt to convince himself that everything is fine, but the deception is so noisy, clumsy, and chaotic that it only adds to the delirium. Next, Sound and Vision plunges us back into a solitary space, one with walls painted blue. It’s interesting to make the parallel between when, in 1969, he sang “Planet Earth is blue and there’s nothing I can do” in Space Oddity, referring to the general sadness of our world, and in 1977, he expresses “Blue, blue, electric blue, that’s the color of my room,” illustrating his own isolation and depression. What’s more, Bowie takes quite a while to even appear in the song; his role on this LP is rather restrained and timid, especially compared to his stunning presence in Station to Station. Desperation and anguish lead to a double climax at the end of this first half: the first is low and slow in Always Crashing in the Same Car, and the second is higher and almost vigorous in Be My Wife. The first is a moment of realization and frustration: through a simple metaphor, he understands that he always makes the same mistake. In that car, representing his lifestyle, cocaine, and fame, he ends up constantly crashing and hurting himself and those around him. It’s time to get out of that vehicle, begin rehabilitation and to change his surroundings. But in the second, Bowie’s delirium seems to reach a peak of paranoia after realizing all of his mistakes, he doesn’t know how to fix them. He begs desperately: “Be my wife” with no reasons, no promises, just a frantic attempt to end the loneliness brought about by his way of life. Again, all wrapped in rhythms and textures that perfectly evoke the image of a fading star, one who cannot accept that his heart can no longer shine with the brilliance of his earlier music, because it’s time for change. A New Career in a New Town is the acceptance of this change, a transition into the ambient part of the LP that feels like a fearful but hopeful glance toward his life’s future. The harmonica solo conveys the loneliness permeating the rest of the album, but with a hopeful twist: instead of fearing himself, he wants to live with himself and explore new places. A hope seemingly crushed by the darkness of Warszawa—but in this second half, Eno and Bowie seem more concerned with their surroundings than with themselves. The content of Low makes sense when viewed this way: the first half is the individual, and the second is how he perceives his environment or society. This might also be symbolized in the cover art, where the artist is shown in profile: pale, bundled up, eyes tired, looking toward the future. Yet despite his introspection, he cannot escape being affected by his surroundings—reflected in how his hair seems to blend with the orange background. Returning to Warszawa, the piece was inspired by Bowie’s visit to the Polish capital, which he saw as a city sunk in pessimism and grief after the disasters of World War II. The track is cinematic: a synth bass that pierces the heart, and winds that seem to mourn in homage to Warsaw’s tragedies. Bowie’s empathy is also shown in his attempt to imitate regional polish chants, creating an even more powerful emotional atmosphere. Finally, the last three tracks are landscapes inspired by aspects Bowie observed in Berlin. Art Decade (a homophone of “Art Decayed”) represents a world where expression, culture, and art are at a low point. The piece consists of descending synthesizers against others trying to ascend, ultimately creating an unsettling sensation. Then Weeping Wall is based on the feelings evoked by the Berlin Wall, a symbol of separation and confinement. Both illustrate feelings that Bowie himself identifies with in the first half of the album: lack of inspiration and loneliness. As the album closes, Subterraneans serve as an ode to those living in East Berlin. Like Warszawa, it is incredibly dark, but this time even sadder—it seems to speak of countless people with dreams and goals they will never be able to fulfill under dreadful living conditions. The strings, reversed melodies, Bowie’s desolate saxophone solos, and the pseudo-climax sung with meaningless words all compose an emotionally devastating ending. In fact, this was one of the criticisms of the album at the time: that it was too pessimistic. But I don’t think music or art should be treated merely as an escape from reality, full stop. It’s important that it be genuine, that it reflect emotions and generate thought. We have to accept that bad things exist, that we all feel low, and that we live in a complicated world where pain will never disappear. But invisibilizing this would only make it worse. I think it’s much richer and more human to create a work through which we can make emotional connections—making us feel a little more united in a vast world, instead of further alienating us as the big names often try to do. My fascination with Bowie began when I first listened to this LP, and ever since, he’s never stopped surprising me, song after song. He was someone imperfect, intelligent, infinitely creative, with emotions on edge, who kept art alive at all times. I wish I could have seen him perform, followed news about him, or waited impatiently for new music. However, destiny made me begin appreciating him quite late—but that in itself is a sign of how he was an artist who truly made his expression something immortal and inexhaustible. Rest in peace, Black Star. Favorites: All Least favorite: None

#DÍA 34: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Ya estaban tardando en aparecer. Da la casualidad que nunca lo había llegado a escuchar completo así que he realizado mi investigación y una escucha inmersa. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band es siempre concebido básicamente como “EL ÁLBUM”, aquel que definió el potencial artístico del formato. A parte de eso, también introdujo lo que era un álbum conceptual, demostró de buen modo la capacidad experimental de la música popular y realmente definió una era social. Se han derramado tinta, risas, lágrimas y hasta sangre por estos músicos, mucha de la primera dedicada a este LP, y es de entender, ya que su repercusión es imposible de ignorar. En fin, voy a centrarme un poco en mis primeras impresiones escuchándolo porque si no puedo perder la cabeza. El disco abre con una entradilla homónima, como de circo, algo psicodélica pero cómica. Como siempre con los Beatles las melodías te perforan bastante el cerebro y se esconden al fondo de los cajones de tu memoria, luego vuelves a escuchar el álbum y por algún motivo te acuerdas de la mayoría. Sea el pequeño riff con el que arranca o el coro de la banda, se te quedan. Tras esta peculiar entradilla hacen transición a un tema cantado principalmente por Ringo (O Billy Shears, como le introducen), bastante divertido y tierno, de esos que te hacen olvidar que los 4 eran y son personas algo cuestionables. Hablando de cuestionable, Getting Better es de nuevo un tema optimista y dulce para el corazón, pero las declaraciones de Lennon lo hacen bastante difícil de digerir para mí… Pero bueno, antes de ésta va el single por todos conocido: Lucy in the Sky with Diamonds. Una canción aparentemente sobre los ojos de una muchacha, pero bien puede ser una alegoría del LSD, o cualquier sobreinterpretación que nos hagamos porque son los Beatles. El tema es muy bueno en esencia, los instrumentos poco convencionales lo hacen bastante esotérico y único para su tiempo sin duda. Continuando con Fixing a Hole tenemos un tema de Paul algo más convencional para la banda, en el que se hace muy presente ese deseo de quitarse de límites creativos, lo que plasmaron al construir este LP. La imaginación desborda por todos lados, ya algo que anunciaba la portada. Dentro de lo convencional que puedan ser los temas tratados en el álbum, todo lo que lo rodea es surrealista, la instrumentación, las imágenes, los efectos de sonido… Luego She’s Leaving Home sigue siendo una canción que no sorprende, llevada principalmente por cuerdas y por la narración de Paul, inspirada en una historia real de las noticias. Que hechos del día a día sean la raíz de las letras es algo bastante habitual en el disco, es una de esas características que le dan una peculiar unidad a la lista de canciones. Característica que continúa en Being For The Benefit of Mr. Kite!, cuya letra fue escrita por Lennon basándose en un póster de un circo que poseía. Además es una de los temas más peculiares y surrealistas del disco, que parece transportarnos a un tiempo medieval o a un circo. La experimentación llega a su clímax con el único tema escrito por George en el disco, Within You Without You. Tras 6 meses de incógnito en La India, el hombre volvió inspirado y con un bigotazo, componiendo una pieza mediante instrumentos exóticos y letras que evocaban sus nuevas creencias hindúes. Los tres siguientes temas en compensación son mucho más ligeros y vuelven a temas menos pesados para la mente, haciéndose cada vez más banales. Lovely Rita es una canción de ligoteo algo ridícula, sobre todo por las incómodas insinuaciones sexuales, aunque los efectos de sonido hacen que se pueda tomar algo menos en serio. Para terminar vuelve la charanga para anunciar que nos acercamos al final y que la banda del sargento Pimiento tiene un último tema para nosotros. A Day in the Life es una canción peculiar sin duda, las narraciones de Lennon son de lo más normales pero por alguna razón se sienten en un estado de limbo entre la realidad y la fantasía, o como tratar lo mundano como algo surrealista. Entre historietas basadas en leer el periódico o recuerdos de la adolescencia, son inolvidables los dos espectaculares crescendos orquestales. La grabación de estos momentos son bastante peculiares y tienen bastante que ver con las formalidades del Arte Contemporáneo, en concreto del Happening —algo de lo que era cercano Lennon, como más se evidenciaría en su relación con Yoko Ono—. Pese a lo extraña que es, la canción termina siendo un final muy gratificante, cerrando con una pista oculta (según he leído es la primera de la historia) que anuncia los futuros intereses vanguardistas de la banda, o más bien de Lennon. A veces disfruto más de escribir de los álbumes que de escucharlos, y este es un caso bastante claro de ello. El álbum en concepto, su historia, su legado, las anécdotas que lo rodean, el misterio… Me resultan más interesantes que cómo termina sonando. Pienso que lo que haría la banda después suena mucho más coherente y entretenido —y digo esto sabiendo perfectamente que el White Album no puede ser más caótico, pero en su caso creo que el propio concepto del doble LP es que es una lluvia de ideas, y cada idea tratada con más atención que en Sgt. Pepper’s—. Es indudable que tiene temas muy buenos, y obviamente para su tiempo es curioso que un álbum de Pop Rock sea tan inmersivo. Sin embargo, pienso que por otro lado sí tiene bastante contenido que me deja más que desear, sobre todo en la segunda mitad. En fin, un hito artístico, algo que suele ser más sugerente de estudiar que de consumir. Favoritas: With a Little Help from My Friends, Lucy in the Sky With Diamonds, Fixing a Hole, She’s Leaving Home, Within You Without You, A Day in the Life Menos favorita: Getting Better #DAY 34: 1001 Albums You Must Hear Before You Die They were bound to show up sooner or later. Funny enough, I had never actually listened to this one in full, so I sat down to do my research and gave it an immersive listen. Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band is always thought of as “THE ALBUM”—the one that defined the artistic potential of the format. Beyond that, it also introduced the concept album, showcased the experimental capabilities of popular music, and truly defined a social era. Countless ink, laughter, tears, and even blood have been spilled over these musicians—much of the first dedicated to this LP—and it makes sense, since its impact is impossible to ignore. Anyway, I’ll focus on my first impressions while listening, or else I could lose my mind. The album opens with its self-titled intro, almost circus-like, psychedelic yet playful. As always with The Beatles, the melodies drill right into your brain and hide away in the back drawers of your memory. You come back to the record later and somehow remember most of it. Whether it’s the little opening riff or the band’s chorus, it sticks. After this quirky intro comes the transition into a track sung mainly by Ringo (or “Billy Shears,” as he’s introduced), which is lighthearted and sweet—one of those songs that makes you forget the four were, and are, somewhat questionable people. Speaking of questionable, Getting Better is another upbeat, heartwarming tune, but Lennon’s personal comments make it a hard pill to swallow for me. But before that comes the universally known single: Lucy in the Sky with Diamonds. A song apparently about a girl’s eyes, but easily read as an allegory for LSD—or really any overinterpretation we can make, because it’s The Beatles. At its core, it’s an excellent song, and its unconventional instrumentation makes it esoteric and absolutely unique for its time. Moving on to Fixing a Hole, we get a more conventional Paul track for the band, strongly driven by the idea of breaking free from creative limits—something they embodied when building this LP. Imagination spills everywhere, already hinted at by the cover art. However conventional the subject matter may be, everything surrounding it is surreal: the instrumentation, the imagery, the sound effects… Then comes She’s Leaving Home, another track that doesn’t surprise, carried mostly by strings and Paul’s narration, inspired by a real-life news story. Everyday events being the source of the lyrics is fairly common across the record—one of the traits that gives the tracklist its peculiar unity. That continues with Being for the Benefit of Mr. Kite!, whose lyrics Lennon based on a circus poster he owned. It’s also one of the most surreal songs on the album, transporting us to a medieval fairground or a circus show. Experimentation reaches its peak with the only George track on the album, Within You Without You. After six months of obscurity in India, the man came back inspired, mustached, and composing a piece built on exotic instruments and lyrics reflecting his newfound Hindu beliefs. To balance that out, the next three songs are much lighter and tackle less weighty subjects, becoming increasingly trivial. Lovely Rita is a somewhat ridiculous flirtation song, especially due to its awkward sexual innuendos, though the sound effects make it easier to take the track a bit less seriously. To close, the fanfare returns to announce we’re nearing the end, with one last number from the Sgt. Pepper band. A Day in the Life is without a doubt a peculiar song—Lennon’s verses are quite ordinary in content, yet for some reason they feel suspended in a limbo between reality and fantasy, treating the mundane as something surreal, whether anecdotes drawn from the newspaper or teenage memories. Then, the two spectacular orchestral crescendos are unforgettable. The recording process of those sections is quite peculiar and tied closely to the formalities of Contemporary Art—specifically the Happening, which was known by Lennon, as would become more evident in his relationship with Yoko Ono. Strange as it may be, the song ends up being a deeply satisfying closer, capped with a hidden track (apparently the first in history), hinting at the band’s—or more accurately Lennon’s—future avant-garde interests. Sometimes I enjoy writing about albums more than listening to them, and this is clearly one of those cases. The concept, the history, the legacy, the anecdotes, the mystery—I find them more interesting than the way it actually sounds. I think what the band would go on to make feels much more coherent and entertaining—and I say that fully aware that the White Album couldn’t be more chaotic, but in that case, I think the very concept of the double LP is a brainstorm, with each idea treated more attentively than on Sgt. Pepper’s. Of course, it has some truly great songs, and for its time it’s remarkable that a pop rock album could be so immersive. Still, I think quite a bit of the content—especially in the second half—leaves me wanting more. All in all, it’s an artistic milestone, something that’s often more compelling to study than to consume. Favorites: With a Little Help from My Friends, Lucy in the Sky with Diamonds, Fixing a Hole, She’s Leaving Home, Within You Without You, A Day in the Life Least favorite: Getting Better

#DÍA 37: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Otro álbum en directo, esta vez bastante más largo pero interesante. Hablamos de Hawkwind, un peculiar grupo inglés que fue, entre otras cosas, el impulso de la carrera del legendario Lemmy Kilmister. También fueron un importante proyecto de Space Rock, pero su influencia llega bastante lejos pese a ser una banda de la que se habla más bien poco. En este caso, hicieron un show psicodélico, con muchos efectos de sonido, espectáculos de luces e incluso bailarines en el escenario. Sin embargo, no he encontrado grabaciones así que esa parte me la pierdo, seguramente me hubiese gustado más… Empezaré diciendo que los pasajes de poesía son un poco aburridos, incluso pretenciosos y no llegan a aportar demasiado. Siendo un concierto que parecía tratar de capturar al oyente y adentrarle en un mundo de ciencia ficción, las letras dejan bastante que desear por ser algo estereotípicas y, sinceramente, patéticas en mayor parte. Orgone Accumulator es un ejemplo de esto, la rima monótona llega a ser de risa. Aún así, entiendo que Hawkwind, con su estilo, no pretendían hacer nada profundo que te hiciera pensar o emocionarte, sino crear un ambiente hipnótico que, quizás, ayudado con alguna sustancia, hiciera entrar en trance a los espectadores. Tratando de ignorar las letras y la poesía, la música es muy interesante y parece pionera de muchos estilos posteriores. Para empezar, el estilo de canto y la velocidad de ciertos riffs le dan un aire proto-punk muy llamativo, algo que influenciaría a los Sex Pistols. Por otro lado, los efectos de sonido, algo extraños y alienígenas, son la base del Space Rock y han generado su eco en bandas como The Mars Volta. También, esos solos que hacen perderse completamente a tu mente mediante mayor atención a la textura que a la melodía (aunque aquí aún hay bastante) son el antecedente del post-rock. Y por último, como un triple que me tiro, pienso que temas como Master of the Universe o Space is Deep pueden ser la raíz de proyectos más actuales de Death Metal Progresivo basados en temáticas del espacio, como Blood Incantation o Cosmic Putrefaction. Gran parte del concierto son composiciones largas que gran parte son ocupadas por solos de guitarra intensos e inmersivos. Normalmente generan una sensación de crescendo pero ya arrancan desde un punto pesado y la acumulación de elementos (la batería cada vez más ruidosa, el sintetizador, el saxofón…) generan una sensación potente de velocidad, casi como un asteroide entrando en combustión tras atravesar la atmósfera terrestre. Un ejemplo es Lord of Light, con un bajo melódicamente exquisito por parte de Lemmy, crea un poderoso torbellino de texturas que parece ascender y ascender. También Master of the Universe, la cual parece acelerar y acelerar, donde el batería Simon King está dando toda su energía para cerrar el espectáculo del modo más intenso. La experiencia es muy buena, pero pienso que hay muchos momentos en los que pierdo el interés o que se termina haciendo repetitivo. Los interludios, como ya he dicho, no son interesantes para nada y aburren, aunque Sonic Attack sí creo que consigue crear un mínimo de narración que es divertida. Por otro lado, obviamente por cuestiones de época y recursos, la mezcla y producción cojean en muchos momentos, como en Upside Down, que junto con Brainstorm son temas en los que la voz está demasiado enterrada y todo se siente muy saturado. Además ocurre que los temas más cortos tienden a interesar más bien poco, así como los pasajes cantados, que no tienen mucho gancho, lo que culmina bastante en la repetitiva Time We Left This World Today. Es curioso ver el sonido tan único que presentaba Hawkwind a inicios de los 70s y su influencia es innegable. No obstante, las partes cantadas dejan mucho que desear y las letras no las hacen salvables. Creo que hubiese ganado mucho siendo un concierto meramente instrumental, porque las transiciones entre temas y el talento de cada miembro en su instrumento son de apreciar desde luego. Favoritas: Down Through the Night, Lord of Light, Orgone Accumulator, Master of the Universe Menos favorita: Time We Left This World Today #DAY 37: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Another live album, this time quite a bit longer but still interesting. We’re talking about Hawkwind, a peculiar English group that was, among other things, the launchpad for the career of the legendary Lemmy Kilmister. They were also an important Space Rock project, though their influence reaches much further despite being a band that isn’t talked about all that much. In this case, they put on a psychedelic show with lots of sound effects, light displays, and even dancers on stage. However, I haven’t been able to find recordings of that, so I miss out on that part—whith which I’m sure I would’ve enjoyed it a lot more… I’ll start by saying that the poetry passages are a bit boring, even pretentious, and don’t really add much. For a concert that seemed to aim at capturing the listener and immersing them in a sci-fi world, the lyrics leave a lot to be desired, being rather stereotypical and, honestly, mostly pathetic. Orgone Accumulator is an example of this, the monotonous rhyme scheme is almost laughable. Still, I get that Hawkwind, with their style, weren’t aiming for anything deep that would make you think or move you emotionally, but rather to create an hypnotic atmosphere that, perhaps aided by some substance, could put the audience into a trance. Trying to ignore the lyrics and poetry, the music itself is very interesting and seems like a forerunner of many later styles. To begin with, the vocal style and the speed of certain riffs give it a striking proto-punk feel, something that would go on to influence the Sex Pistols. On the other hand, the sound effects, strange and otherworldly, are the foundation of Space Rock and have echoed in bands like The Mars Volta. Also, those solos that completely lose your mind’s grip, focusing more on texture than melody (though there’s still plenty of melody here), are precursors to post-rock. And lastly, taking a bit of a stretch here, I think tracks like Master of the Universe or Space is Deep could be the root of more modern Progressive Death Metal projects with space themes, like Blood Incantation or Cosmic Putrefaction. A large part of the concert is made up of long compositions, much of which are taken up by intense, immersive guitar solos. They usually build a crescendo, but they already start from a heavy point, and the layering of elements (the increasingly noisy drums, the synth, the saxophone…) generates a powerful feeling of speed, almost like an asteroid combusting as it crashes through Earth’s atmosphere. A great example is Lord of Light, with melodically exquisite bass work from Lemmy, creating a powerful whirlwind of textures that seems to ascend higher and higher. Also Master of the Universe, which keeps speeding up and speeding up, with drummer Simon King giving his all to close the show in the most intense way possible. The experience is very good, but I think there are plenty of moments where I lose interest, or where it gets repetitive. The interludes, as I said, aren’t immersive at all and are boring—although I do think Sonic Attack manages to create a minimal narrative that’s fun. On the other hand, obviously due to the era and available resources, the mixing and production falter in many places—like in Upside Down, which along with Brainstorm are tracks where the vocals are too buried and everything feels overly saturated. It also happens that the shorter tracks tend to be less engaging, as well as the sung passages, which don’t have much hook—culminating most clearly in the repetitive Time We Left This World Today. It’s fascinating to hear the unique sound Hawkwind was presenting in the early ’70s, and their influence is undeniable. That said, the sung parts leave much to be desired, and the lyrics don’t redeem them. I think the concert would have benefited greatly from being purely instrumental, because the transitions between songs and the talent of each member on their instrument are certainly something to appreciate. Favorites: Down Through the Night, Lord of Light, Orgone Accumulator, Master of the Universe Least favorite: Time We Left This World Today

#DÍA 38: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Bueno… Definitivamente me está costando ser constante por distintos motivos, pero se intenta. Hoy me topo con el supuesto primer álbum de Hardcore Punk, un género que suelo disfrutar bastante. Germs fueron muy caóticos e incorrectos, llevando la música a ese extremo entre ser una expresión musical de protesta o ruído blanco y un completo antiacademicismo. Me puedo imaginar la influencia que tuvo este único LP de la banda, no solo presentando un sonido que luego, a mi ver, sería perfeccionado por otros grupos como Dead Kennedys o Bad Brains en los 80s y muy influyente para el desarrollo del Thrash Metal e incluso del Grindcore, específicamente Napalm Death. Es un álbum corto e intenso, como todo aquel de punk que se respete. Prácticamente ningún tema supera los 3 minutos, exceptuando la extensa improvisación con la que cierra, la cual sinceramente me sobra bastante… Pienso que le quita todo el impacto de velocidad e intensidad, aunque sí debía ser atrevido añadir una pista tan abstracta, ruidosa, rebelde y larga a un producto comercial por entonces. Pero bueno, abstrayéndonos del peculiar final, las canciones presentan lo que uno espera de un álbum de Hardcore Punk: tienes un vocalista que bien pudiera ser un bulldog, guitarras que gruñen y crujen, una batería que no sabe lo que es un metrónomo y, sorprendentemente, un bajo bastante melódico. La producción es trabajo de procrastinación y el máster satura decentemente, sobre todo en Our Way, que por momentos está rozando el Black Metal más primitivo. El sonido es tan crudo como es deseable, aunque deja deseando mayor intensidad, sobre todo por parte de Darby Crash que en ocasiones su falta de vocalización y gruñidos no son tan agresivos como me gustaría. Más allá de eso, las canciones como tal son interesantes y hay más versatilidad que la que uno esperaría de un “primer álbum de x género”. Land of Treason tiene una sonoridad bastante tenebrosa que la acerca por momentos a Slayer. Richie Dagger’s Crime parece la canción de entradilla para un personaje aparentemente anarquista y poco amigable. Lexicon Devil es para mí el mejor tema del LP, por su corta crítica al carácter manipulativo de los altos cargos y por tener el estribillo más pegadizo. También me encanta We Must Bleed, con un estilo de lírica repetitivo que, junto al riff descendiente, genera una sensación de ansiedad bastante acorde al título. Quitando Shut Down la longitud se queda en menos de media hora, por lo que cada minuto cuenta bastante. Por ello, pienso que aunque el disco tenga bastante momentos potentes, también tiene otros más olvidables que restan mucho. Strange Notes se siente como una repetición musical a su pista anterior, Our Way tiene una mezcla tan mala que hasta es demasiado para un álbum así, Dragon Lady tiene poca fuerza y parece una canción demasiado alegre entre la agresión general… Es un trabajo admirable y su influencia es muy visible en algunos de mis discos favoritos de Hardcore, pero como suele ocurrirle a los pioneros, ha sido superado en calidad notablemente por muchos otros músicos. Favoritas: Communist Eyes, Land of Treason, Richie Dagger’s Crime, Lexicon Devil, Manimal, We Must Bleed, Media Blitz Menos favorita: Shut Down #DAY 38: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Well… It’s definitely been hard for me to stay consistent for different reasons, but I’m trying. Today I ran into what’s considered the very first Hardcore Punk album, a genre I usually enjoy a lot. Germs were chaotic and unapologetic, pushing music to that extreme point between being a rebellious musical expression or white noise, and complete anti-academicism. I can easily imagine the influence this band’s only LP had, not only laying down a sound that, in my view, would later be perfected by other groups like Dead Kennedys or Bad Brains in the ’80s, but also being hugely influential for the development of Thrash Metal and even Grindcore, specifically Napalm Death. It’s a short and intense album, like any self-respecting punk record. Almost no track passes the 3-minute mark, except for the long improvisation that closes it, which, honestly, I find pretty unnecessary… I think it kills the whole punch of speed and intensity, though it must’ve been quite bold at the time to include such an abstract, noisy, rebellious, and lengthy track in a commercial release. Anyway, leaving aside that peculiar ending, the songs bring exactly what you’d expect from a Hardcore Punk album: you’ve got a vocalist who could well be a bulldog, guitars that growl and grind, a drummer who doesn’t know what a metronome is, and, surprisingly, a rather melodic bass. The production sounds like a work done in two minutes and the mastering clips nicely, especially on Our Way, which at times borders on the rawest kind of early Black Metal. The sound is as raw as it should be, though it does leave me wishing for more intensity, especially from Darby Crash, whose lack of enunciation and growls aren’t always as aggressive as I’d like. Beyond that, the songs themselves are interesting, and there’s actually more versatility than you’d expect from a “first album of x”. Land of Treason has a pretty dark vibe, at times sounding almost like Slayer. Richie Dagger’s Crime feels like an intro theme for some anarchist, unfriendly character. Lexicon Devil is, to me, the best track on the LP, with its brief critique of the manipulative nature of the higher-ups and its incredibly catchy chorus. I also love We Must Bleed, with its repetitive lyric style that, together with the descending riff, creates a strong sense of anxiety very much in line with the title. Without Shut Down, the length sits under half an hour, so every minute really counts. That’s why I think that while the album does have some powerful moments, it also has weaker, forgettable ones that drag it down. Strange Notes feels like a musical repeat of the track before it, Our Way has such a bad mix that it’s too much even for an album like this, Dragon Lady lacks strength and feels almost too cheerful compared to the overall aggression… It’s an admirable work, and its influence is very clear in some of my favorite Hardcore records, but as often happens with pioneers, it’s been significantly outdone in quality by many other musicians since. Favorites: Communist Eyes, Land of Treason, Richie Dagger’s Crime, Lexicon Devil, Manimal, We Must Bleed, Media Blitz Least favorite: Shut Down

#DÍA 34: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) De vuelta de las vacaciones y recién operado, espero pillar más consistencia a partir de aquí. Grace es un álbum que ya había escuchado bastante pero al que nunca había dedicado una escucha atenta completa. El otro día tocó ponerme con ello y de verdad, solo se pone mejor con cada escucha. Jeff Buckley fue un cantante que se nos fue demasiado pronto, dejando como legado un único LP y algunos temas sueltos. Era un tipo muy sensible y que parecía confiar mucho en su visión artística, seguridad que se hace evidente a oídos de todos en este disco. Abriendo de un modo oscuro y catártico, Mojo Pin, es un tema en el que Buckley hace alarde de un talento vocal excepcional. A veces parece improvisado, pero nunca deja de sorprender el absoluto control que tenía sobre su voz. Tiene cierta ambientación psicodélica, lo que encaja a la perfección para la personalidad ambigua de Buckley, así como la temática de la canción, que parece ser de amor o sobre droga. Por otro lado el acompañamiento instrumental es impecable a la hora de acompañar la presencia del cantante, sorprende que no acabe quedando a la sombra de semejante voz. En concreto la canción homónima es un ejemplo perfecto de esto: los detalles brillan por todos lados y dejan crecer al tema hasta llegar a un clímax compuesto por un vendaval de cuerdas y ruido, que junto a la descarga que desprende Buckley con su voz, encarnan a la perfección el tormento que supone el paso del tiempo. Los sentimientos encontrados y las antítesis siguen mostrándose en temas como So Real (homófono de “Surreal”), con ese riff de guitarra descendiente que suma a la sensación embriagadora del tema y ese solo tan ruidoso que hace vibrar el suelo literalmente. No solo es un álbum cargado de talento musical y estéticamente sólido, sino que también acarrea una carga emocional para romper el acero. Estoy seguro de que Lover, You Should’ve Come Over ha hecho llorar a más de uno leyendo esto, arrepentimiento, amor, dolor, todo lo que se guarda en el fondo del corazón llueve de los ojos cuando se hace música así de bien. Pero aunque el álbum exprese en su mayoría dolor o complicaciones, no lo hace de un modo monótono, pues toda esa pena parece levantar cabeza con puño de hierro en la cargadisima de ira Eternal Life. Un intenso tema, con un bajo tan fiero como sus letras, condenando el odio que los poderosos han repetido por toda la historia y abrazando la posibilidad del amor. Finalmente cierra Dream Brother, una canción hipnótica y lúgubre en la que Buckley parece encarnarse en un sueño premonitorio Entiende que la segunda persona quiera escapar de su vida y abandonar a la mujer de sus hijos por una infidelidad, pero Buckley, quien creció con una figura paterna ausente, intenta hacer que se compadezca de aquellos a quien deja atrás. Obviamente no me olvido de Hallelujah, una cover que de tan increíble que es se ha hecho más popular que la original de Cohen. El cantante hace un rendimiento sublime, respetando la sutileza característica de la original pero con el vigor especial de su voz que hace que tu espíritu se vuelva azul y pálido. Y aunque esta es una versión magnífica, pienso que la presencia de otras dos covers resta algo de mérito en general al LP. Lilac Wine y Corpus Christi Carol son dos temas que añaden a la variedad estilística del álbum, siendo la primera un tema lento y cercano con influencias de jazz y el segundo un himno en el que Buckley hace un uso operístico de su voz. Siento que el primero sí encaja perfectamente con las temáticas del disco, especialmente siento que va algo ligada a la sensación paranoica de So Real. Sin embargo, la segunda es algo más rompedora y aunque es impresionante, desentona de cierto modo con el resto de canciones. Como me ocurre con muchos álbumes, realmente mi mayor problema es que QUIERO MÁS, solo que con Buckley resulta es doble de frustrante… Pero sobre todo triste, descansa en paz leyenda, estés donde estés tu voz y pasión va a seguir resonando en los oídos de todos. Favoritas: Mojo Pin, Grace, Last Goodbye, Lilac Wine, So Real, Hallelujah, Lover, You Should’ve Come Over; Eternal Life, Dream Brother Menos favorita: Corpus Christi Carol #DAY 34: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Back from vacation and freshly out of surgery, I hope to get more consistent from here on. Grace is an album I had already listened to quite a bit but had never given a full, attentive listen. The other day I finally did, and honestly, it only gets better with each spin. Jeff Buckley was a singer who left us far too soon, leaving behind a single LP and a few scattered tracks as his legacy. He was a very sensitive person who seemed to trust deeply in his artistic vision—confidence that becomes evident to anyone’s ears on this record. Opening in a dark and cathartic way, Mojo Pin is a track where Buckley shows off his exceptional vocal talent. At times it seems improvised, but it never ceases to amaze how much control he had over his voice. It has a certain psychedelic atmosphere, which fits perfectly with Buckley’s ambiguous personality, as well as the song’s theme, which seems to be about love or perhaps drugs. On the other hand, the instrumental accompaniment is impeccable in how it supports the singer’s presence—it’s surprising that it doesn’t end up overshadowed by such a voice. The title track in particular is a perfect example of this: details shine everywhere and allow the song to grow into a climax of swirling strings and noise, which, together with Buckley’s outpouring of emotion in his voice, embody perfectly the torment that comes with the passage of time. The conflicting emotions and contrasts keep appearing in songs like So Real (a homophone of “surreal”), with its descending guitar riff that adds to the intoxicating feel of the track, and that noisy solo that literally makes the ground vibrate. It’s not only an album full of musical talent and strong aesthetic value, but it also carries an emotional weight powerful enough to shatter steel. I’m sure Lover, You Should’ve Come Over has made more than a few of you reading this cry—regret, love, pain, everything stored deep in the heart pours from the eyes when music is done this well. But even though the album mostly expresses pain and hardship, it doesn’t do so monotonously, because all that grief seems to rise up with an iron fist in the rage-filled Eternal Life. An intense track, with a bassline as fierce as its lyrics, condemning the hatred perpetuated by the powerful throughout history while embracing the possibility of love. Finally, it closes with Dream Brother, a hypnotic and mournful song where Buckley seems to embody a premonitory dream. He understands that the second person wants to escape their life and abandon the mother of their children due to infidelity, but Buckley, who grew up with an absent father figure, tries to make him feel compassion for those he would leave behind. Of course, I can’t forget Hallelujah—a cover so incredible that it has become more popular than Cohen’s original. The singer delivers a sublime performance, respecting the subtlety of the classic track while infusing it with the special vigor of his voice, making your spirit turn blue and pale. And while this version is magnificent, I think the presence of two other covers takes away a bit of merit from the LP overall. Lilac Wine and Corpus Christi Carol add to the stylistic variety of the album, the first being a slow, intimate, jazz-influenced piece, and the second a hymn where Buckley uses his voice operatically. I feel the first one fits perfectly with the album’s themes—especially tied to the paranoid vibe of So Real. The second, however, is more disruptive, and while impressive, it feels somewhat out of place compared to the rest of the songs. As happens with many albums, my biggest problem is that I WANT MORE—but with Buckley it’s doubly frustrating… and above all, heartbreaking. Rest in peace, legend—wherever you are, your voice and passion will continue to resonate in everyone’s ears. Favorites: Mojo Pin, Grace, Last Goodbye, Lilac Wine, So Real, Hallelujah, Lover, You Should’ve Come Over, Eternal Life, Dream Brother Least favorite: Corpus Christi Carol

#DÍA 39: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Dios mío, realmente James Brown hacía que sus conciertos, si les quitas la música, pareciesen matanzas… La leyenda del Soul o R&B o Funk o de la Música emocionaba con una facilidad que sólo pudo ser superada por su discípulo Michael Jackson, básicamente. 1963 fue todo un año para el barrio Harlem contando con que Sam Cooke actuó por allí también. Hablamos de la cumbre de su carrera, cuando todo el mundo deseaba ver en vivo sus icónicos movimientos y el poder de su voz. El concierto, de primeras, sorprende de sobremanera por la cantidad de medios que se invirtieron en su momento. A diferencia de lo que vi con Sam Cooke, Brown contó con gran cantidad de músicos para acompañarle, sean vientos metálicos, un órgano, coros… Es llamativo como entre tema y tema hacen divertidos interludios instrumentales, no hay momento sin música más que la introducción; son 30 minutos del R&B y del Soul más puro. I’ll Go Crazy es un potente comienzo en el que el cantante hace luz de sus especialidades: un rango sorprendente, unos agudos que hacen temblar y un control total de sus cuerdas vocales que le hacen ir de los más dulce a gritos distorsionados. Try Me es un momento bonito y sutil, así como I Don’t Mind, por lo que sorprende que entre medias tocasen Think que es un frenético tema anticipador del Funk con ese predominante bajo y el semi-scratching de la guitarra. Por supuesto, el momento más impresionante es Lost Someone, una pista en la que James Brown no para de recordar que es uno con su voz, haciendo gritar al público prácticamente con cada frase que pronuncia. Hasta aquí no había tenido mucha interacción con el público, pero aquí les anima a gritar y gritar junto a él. Es una expresión bastante sintética de lo que es el Soul, un beat sólido, cierta sensualidad en las cuerdas y vientos, y una voz que con versos sencillos penetra el espíritu del oyente mediante sangrar de emoción con cada nota. Perfectamente unido a la pista anterior, tocan un Medley de distintos temas que fluye a la perfección. Especialmente la conexión entre el tono más picante e intenso de I Want You So Bad y la calidez y dulzura de I Love You, Yes I Do. Finalmente vuelve a escalar a la perfección con Bewildered, creando un clímax precioso para volver a Please Please Please, el que fue uno de los singles que dio a conocer a James Brown. Es un concierto emocionante, aunque pienso que el interés realmente comienza desde Lost Someone. El resto de interpretaciones son de calidad y estoy seguro que vistas en vivo debieron ser para enmarcar. No obstante, como álbum en vivo la experiencia no es tan completa, y pienso que termina de un modo algo abrupto con Night Train, canción que tampoco es que sea muy llamativa. Aún así, es una muestra del talento de una joya de la música como fue James Brown, y es toda una fortuna que tengamos grabaciones de audio de cómo fueron sus conciertos. Favoritas: I’ll Go Crazy, Lost Someone, Medley Menos favorita: Night Train #DAY 39: 1001 Albums You Must Hear Before You Die My God, James Brown really made his concerts, if you stripped away the music, seem like massacres… The legend of Soul, R&B, Funk, or simply of Music itself could electrify with a natural ease that was only ever truly matched by his disciple Michael Jackson, basically. 1963 was quite a year for Harlem, considering that Sam Cooke also performed there. This was the peak of his career, when everyone longed to witness live his iconic moves and the sheer power of his voice. The concert, right from the start, is astonishing for the amount of resources invested at the time. Unlike what I listened with Sam Cooke, Brown was backed by a large number of musicians: horns, organ, backing vocals… It’s really fun how between songs they played playful instrumental interludes. There isn’t a single moment without music, apart from the introduction; it’s 30 minutes of pure R&B and Soul. I’ll Go Crazy is a powerful opening where the singer immediately showcases his specialties: a surprising vocal range, falsettos that shake you, and complete control of his vocal cords, shifting from sweet tenderness to distorted screams. Try Me is a subtle, beautiful moment, as is I Don’t Mind, which makes it all the more surprising that they played Think in between, a frenetic track foreshadowing Funk, with its dominant bassline and semi-scratching guitar. Of course, the most impressive moment is Lost Someone, a track where James Brown proves over and over that he is one with his voice, practically making the audience scream with every phrase he utters. Up to this point, there hadn’t been much crowd interaction, but here he urges them to shout and cry along with him. It’s a distilled expression of what Soul is: a steady beat, a touch of sensuality from the strings and horns, and a voice that, with simple verses, pierces the listener’s spirit by bleeding emotion into every note. Seamlessly connected to the previous track, they play a medley of different songs that flows perfectly. Especially, the transition between the spicier, more intense I Want You So Bad and the warmth and tenderness of I Love You, Yes I Do. Finally, the set builds once again, nicely, with Bewildered, creating a beautiful climax before closing on Please Please Please, the single that first put James Brown on the map. It’s an exciting concert, though I think the real magic begins with Lost Someone. The other performances are high-quality, and I’m sure seeing them live must have been unforgettable. Still, as a live album, the experience doesn’t feel entirely complete, and I think it ends somewhat abruptly with Night Train, a song that isn’t particularly striking. Even so, it’s a valuable showcase of the talent of a musical gem like James Brown, and it’s a true blessing that we have audio recordings of what his concerts were like. Favorites: I’ll Go Crazy, Lost Someone, Medley Least favorite: Night Train

#DÍA 41: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) 1967, ese año en el que se desató una fiebre psicodélica, dio pié a algunas maravillas que han envejecido genial y otras que no extraña que cayesen en el olvido. The Electric Prunes fueron una banda del segundo grupo, aunque no por falta de talento, quizá más por la incompetencias de los sellos discográficos. Aunque con considerable éxito en números, la banda quedó muy descontenta por la poca libertad compositiva y el poco tiempo que se les ofreció. El tema de apertura es el single principal del LP y es sin duda lo más sólido que contiene. Es una canción de rock oscura y cinematográfica en la que destaca bastante esa guitarra eléctrica con sonido de avispa. La estética de garage rock se mantiene durante la mayoría del LP, con algunos toques de protopunk en las vocals y añadidos instrumentales. En general el álbum como mucho consigue ser decente o mediocre. Get Me to the World on Time tiene cierta intensidad y potencia que la hacen más interesante desde luego, pero unos pocos momentos buenos no salvan al LP de ser olvidable. Por un lado, Sold to the Highest Bidder es molesta como ella sola, el predominio en la mezcla de esa guitarra aguda te perfora completamente y le quita todo el tono intrépido al tema, no sé en qué estaban pensando. También, The King Is in the Courting House y The Toonerville Trolley son tan estereotípicamente inglesas que son de risa, pero como un chiste mal contado. No hay prácticamente coherencia, las composiciones dejan mucho que desear, no hay apenas ideas interesantes en cuanto a estribillos o texturas… No entiendo qué hace este álbum en esta lista sinceramente, supongo que me ayuda a hacerme una idea de que en los 60s también había mucha música poco imaginativa. Salvables: I Had Too Much To Dream Peor: The Toonerville Trolley #DAY 41: 1001 Albums You Must Hear Before You Die 1967, the year psychedelic fever broke loose, gave rise to some marvels that have aged beautifully and others that understandably slipped into oblivion. The Electric Prunes belonged to the latter group, though not for lack of talent, perhaps more due to the incompetence of record labels. Despite achieving considerable commercial success, the band was left very dissatisfied with the lack of compositional freedom and the limited time they were given. The opening track is the LP’s main single and by far the most solid piece it contains. It’s a dark, cinematic rock song, with that buzzing wasp-like electric guitar standing out. The garage rock aesthetic is present throughout most of the LP, with some proto-punk touches in the vocals and instrumental embellishments. Overall, the album at best manages to be decent or mediocre. Get Me to the World on Time has a certain intensity and power that make it more interesting, but a handful of good moments aren’t enough to save the LP from being forgettable. On the downside, Sold to the Highest Bidder is downright annoying, the piercing high-pitched guitar dominates the mix, drilling into your ears and completely stripping the track of its daring tone. I honestly don’t know what they were thinking. Similarly, The King Is in the Courting House and The Toonerville Trolley are so stereotypically British they come off as laughable, but like a poorly told joke. There’s practically no coherence here. The compositions leave much to be desired, with hardly any interesting ideas in terms of hooks or textures. Honestly, I don’t understand why this album is on this list, though I suppose it does serve to remind me that the ’60s also had plenty of unimaginative music. Salvable: I Had Too Much to Dream Worst: The Toonerville Trolley

#DÍA 40: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Alcanzando los 40 álbumes, uno moderadamente moderno de pura psicodelia indie. Ahora veo que Deerhunter comenzó la década pasada pisando fuerte con este LP, ojalá me hubiese tocado este antes que Django Django para hacerme una mejor idea de lo que es la Neo-Psychedelia… Tuvo una fabulosa recepción y no es para menos, sólo hay calidad aquí. Producido por mano de santo, Halcyon Digest arranca de un modo que se me asemeja a deathconsciousness de Have a Nice Life, solo que menos abrumadoramente depresivo, es más como nadar entre recuerdos borrosos o pura nostalgia… El sonido es fabuloso, hay un manejo de texturas impecable, tonos de guitarra que te masajean el cerebro, un bajo limpio y sereno y la percusión es sólida pero en un estilo íntimo, entre Indie y Trip Hop. Los añadidos de sintetizadores son enriquecedores, en general hay una paleta sonora que parece infinita y nada chirría, ni siquiera esa especie de clavicordio de los versos en Helicopter. La voz de Cox es fantástica, tiene una fragilidad y una dulzura, que junto a lo orgánico de la grabación tiene un acabado cercano y pero muy expresivo y creíble. Sobre todo me sorprende Sailing, un tema guiado casi completamente por su voz y una extraña progresión de acordes en la guitarra, donde ahí hace muestra de una voz relajada y unos falsetes preciosos. Los temas sobre madurar, nostalgia, miedo, soledad y pesimismo inundan el álbum. El tema de apertura ya nos habla sobre una situación de inestabilidad y desconcierto, luego acompañada de Don’t Cry, que parece ponerse en el lugar de un mayor que trata de consolar a un niño cuyos sentimientos no parecen atendidos. Sailing es una expresión preciosa de la soledad y lo ambigua que se siente, entre refugio y tortura. Desire Lines, interpretada en voz por el guitarrista Lockett Pundt, trata sobre cómo cambiamos de ideales y metas mientras crecemos, siempre con un cierto miedo y tentación a escapar, como parece que nos hace vivir la banda al envolvernos en un torrente psicodélico durante más de la mitad del tema. En general el álbum es genial, la dinámica entre temas lentos, largos con composiciones más abstractas junto a otros más directos y pegadizos hacen una experiencia genial. Pienso que la única canción que no aporta demasiado es Fountain Stairs, que parece más convencional y no tiene tanta exploración sónica como el resto de temas. Aparte que el siguiente tema, Coronado, tiene un estilo también luminoso que termina por opacar por completo a la anterior. Merece la pena escucharlo, tengo pocas pegas que ponerle, a lo mejor me hubiese gustado un final más hipnótico como hacen en Desire Lines, no tan abrupto… Pero en fin, muy buen álbum de indie, muy recomendable para fans del Shoegaze o en general de la música alternativa, sobre todo aquella más natural y orgánica. Favoritas: Earthquake, Don’t Cry, Sailing, Desire Lines, Helicopter, Coronado, He Would Have Laughed Menos favorita: Fountain Stairs #DAY 40: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Reaching the 40-album mark, here’s a moderately modern record of pure indie psychedelia. Now I see that Deerhunter started off the last decade strong with this LP. I wish I had come across it before Django Django, to get a better idea of what Neo-Psychedelia really is… It received fabulous acclaim, and for good reason, man, this is pure quality throughout. Produced to perfection, Halcyon Digest opens in a way that reminds me of deathconsciousness by Have a Nice Life —only less overwhelmingly depressive— it’s more like swimming through blurry memories or pure nostalgia… The sound is gorgeous: impeccable handling of textures, guitar tones that massage your brain, a clean and serene bass, and percussion that’s solid yet intimate, somewhere between Indie and Trip Hop. The touches of synthesizers are enriching, and overall there’s a sonic palette that feels infinite. Nothing clashes, not even that clavichord-like sound in the verses of Helicopter. Cox’s voice is fantastic, fragile and sweet, yet with an organic quality in the recording that makes it both private and deeply expressive. Sailing especially surprises me, a track guided almost entirely by his voice and a strange chord progression on guitar, where he showcases a relaxed delivery and some beautiful falsettos. Themes of growing up, nostalgia, fear, loneliness, and pessimism flood the album. The opener already speaks of instability and disorientation, followed by Don’t Cry, which feels like the perspective of an elder trying to comfort a child whose feelings are being overlooked. Sailing is a beautiful expression of loneliness and its ambiguity: sometimes a refuge, sometimes torture. Desire Lines, sung by guitarist Lockett Pundt, deals with how our ideals and goals shift as we grow, always with a certain fear and temptation to escape. Then, the band translates this into music by wrapping us in a psychedelic torrent that takes over more than half the track. Overall, the album is brilliant, the dynamic between slower, longer and more abstract compositions and the more direct and catchy songs creates a wonderful experience. The only track I feel doesn’t add much is Fountain Stairs, which sounds more conventional and doesn’t dive as deeply into sonic exploration as the others. On top of that, the following track, Coronado, with its equally bright style, completely overshadows it. It’s well worth listening to, I have very few complaints. Maybe I would have liked a more hypnotic finale like they did on Desire Lines, not such an abrupt close… But in the end, it’s a very good indie album, highly recommended for fans of Shoegaze or alternative music in general, especially the more natural and organic side of it. Favorites: Earthquake, Don’t Cry, Sailing, Desire Lines, Helicopter, Coronado, He Would Have Laughed Least favorite: Fountain Stairs

#DÍA 42: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Jazz, gracias, quiero que me salgan más álbumes de jazz por favor. Kind of Blue es ese tipo de obra sobre la que me intimida escribir, especialmente por ser de Miles Davis, una figura a la que tengo un respeto enorme. Pero además, en este particular proyecto se juntan unas fuerzas extraordinarias: ni más ni menos que John Coltrane y Julian Adderley al saxo, el mismísimo Bill Evans a las teclas, Paul Chambers en los graves y Jimmy Cobb como batería. La influencia de todos estos músicos es de libro, ya fuera formando parte del quinteto de Davis como sus carreras en solitario. En este LP, tras experimentar con la modalidad en la canción homónima de su anterior disco, Milestones, quiso profundizar más en ese estilo de improvisación a oídos de su amplio abanico de posibilidades. Como resultado, uno de los álbumes más importantes —si no el que más— de la historia del jazz. Por consiguiente a esto, no es de extrañar que Kind of Blue suene excelente aún siendo una pieza de música de un año que ya suena bastante lejano… Prácticamente sin ensayos y desafiando el pensamiento de que toda obra de arte comienza consigo misma —es decir, con el resultado en mente—, en tan solo dos sesiones de grabado demostraron que la música no son solo notas, sino algo con vida propia, que habita en nosotros. Algo que, sin explicación alguna, es capaz de recrear espacios, un escenario, abrir recuerdos o, como los colores, encarnar algún tipo de emoción. En este caso ese color es, precisamente indicado por el título, el azul. Azul de melancolía y nostalgia, algo muy acentuado por el clásico carácter de Evans. Hay una suavidad y sutileza en el modo de tocar en todos que suena especial, son improvisaciones, pero se sienten como algo que ya vivía en todos nosotros previamente. Es muy sencillo romantizar cada una de estas piezas, darles una escena, contar como Blue in Green dibuja el paseo de una mujer por un parque lleno de recuerdos, o como Flamenco Sketches capta la melancolía de un poeta en Nueva York… Cada uno de nosotros podemos poner una imagen, la que nos estimule más, o simplemente podemos vivirlo, os prometo que pasear con All Blues es una experiencia única. Aún siendo una colección de temas corta y serena, tiene una facilidad de conectar con el alma, lo que siempre deja a uno deseando más. Posiblemente no sea el proyecto más aventurado de Davis, llega a sentirse como un prefacio de lo que sería el onírico In A Silent Way una década después. No obstante, pienso que la música capturada en estas grabaciones es algo que toda persona debería escuchar. Las vibraciones de los vientos, el sutil bailar del bajo y la textura íntima de la batería harán conectar a cualquiera con su sentido más melancólico, o quizá encontrar cierto confort durante una dura época, o quizá inspirar la creación de una nueva obra de arte emocionante, o quizá, con suerte, despertar esa conciencia que te hace consciente de tus emociones y atreverte a sentir más. Favoritas: So What, Freddie Freeloader, All Blues, Flamenco Sketches Menos favorita: Blue in Green (ojalá fuese más larga) #DAY 42: 1001 Albums You Must Hear Before You Die Jazz, thank you; I really hope more jazz albums keep coming my way. Kind of Blue is the kind of work that intimidates me to write about, especially because it’s by Miles Davis, a figure I hold in the highest regard. But beyond that, this particular project brought together extraordinary forces: none other than John Coltrane and Julian Adderley on saxophone, Bill Evans himself on piano, Paul Chambers on bass, and Jimmy Cobb on drums. The influence of these musicians is textbook-level, whether from being part of Davis’s quintet or in their own solo careers. In this LP, after experimenting with modality on the title track of his previous album Milestones, Davis wanted to dig deeper into this improvisational style with its wide range of possibilities. The result? One of the most important albums—if not the most important—of jazz history. Naturally, it’s no surprise that Kind of Blue still sounds excellent, even as a piece of music from a time that now feels very far away. With virtually no rehearsals and defying the idea that every work of art begins with itself —I mean, its end result in mind— in just two recording sessions they proved that music isn’t just notes, it’s something alive, something that dwells within us. Something that, without explanation, can recreate spaces, set a scene, bring back memories, or, like colors, embody emotions. And in this case, the color is precisely the one pointed out by the title: blue. Blue for melancholy and nostalgia, strongly accentuated by Evans’s characteristic style. There’s a softness and subtlety in the way everyone plays that feels special. These are improvisations, yet they feel like something that already lived within us beforehand. It’s easy to romanticize each piece, to give it a scene: how Blue in Green paints the walk of a woman through a park filled with memories, or how Flamenco Sketches captures the melancholy of a poet in New York… Each of us can create our own image, the one that resonates most, or we can simply live it: trust me, walking while listening to All Blues is a unique experience. Even as a short and serene collection of pieces, it has an ease of connecting with the soul that always leaves you wanting more. Maybe it isn’t Davis’s most adventurous project, it almost feels like a preface to the dreamlike In a Silent Way a decade later. Still, I believe the music captured in these recordings is something every person should listen to. The breath of the horns, the subtle dance of the bass, and the intimate texture of the drums can make anyone connect with their deepest melancholy, or maybe find comfort during a hard time, or maybe inspire the creation of a new and exciting artwork, or even, with some luck, awaken that awareness that makes you conscious of your own emotions and encourages you to dare to feel more. Favorites: So What, Freddie Freeloader, All Blues, Flamenco Sketches Least favorite: Blue in Green (wish it were longer)

#DÍA 43: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Cuando siento que un disco me ha hecho perder el tiempo, escuece muchísimo, pero si encima el disco dura 90 minutos… Ya hasta me cabreo. Van Morrison es un talentoso músico irlandés, con un genial don para cantar en vivo y con un cierto filo vocal que le caracteriza. Tiene algunos temas potentes a su nombre, como Gloria o Domino, pero creo que también destaca por no tener una visión artística demasiado amplia. Este doble LP en vivo se constituye de diversas actuaciones del cantante junto a una amplia banda, contando con un cuerpo de cuerdas, saxofón, piano… Toda la ornamentación que quieras para ocultar que en esencia tampoco es que haya demasiado. Una lista de canciones que parece entrar en bucle a partir de la sexta pista. Es una instrumentación profesional, con un sonido muy bien tratado y aislado, casi podrías decir que suena a grabación de estudio. Sin embargo, no creo que juegue a favor de unas actuaciones que ya de por sí tiene poco especial. Encontramos múltiples estilos —como Soul, Gospel, Rock, R&B, Country o Funk— todos fusionados de tal modo que sólo queda lo más superficial de cada uno. El disco suena grandioso, maximalista, una magnitud que sirve de máscara para ocultar una falta de creatividad aún mayor. Y es que es así, por muy bien que toques tu instrumento o mucho conozcas de teoría musical, si no hay ideas interesantes o que te hagan resaltar, considero que aburres a una velocidad increíble. Por otro lado, Van Morrison, como cantante, está bien. Tiene unos cuantos trucos, parece constantemente imitar a aquellos de los que se influencia, como Elvis o Solomon Burke, en general excelentes músicos de Soul, de Rock o de R&B. Es ese tipo de cantante que canta con distorsión cada dos por tres, agotando toda expresividad para terminar siendo reiterativo y pesado. Por ejemplo, no entiendo cuál es la idea de romper los versos de Warm Love con ese estilo tan resfriado de cantar, como tosiendo cada palabra… En general, es un álbum que suena demasiado limpio, impoluto, y aunque es de admirar la capacidad de improvisación y la musicalidad del personal, no termina de entonar conmigo. Ha sido una escucha dura, se ha hecho eterno, según pasaban las canciones mi cerebro desconectaba porque recibía los exactos mismos estímulos una y otra vez… El lado espiritual/cristiano del rock sin duda se quedó bastante estancado en los 70s en cuanto a variación, algo que también escuché un poco en Stephen Stills. Salvables: Ain’t Nothin’ You Can Do, Domino, Gloria Peor: Cyprus Avenue #DAY 43: 1001 Albums You Must Hear Before You Die When I feel like an album has wasted my time, it stings a lot, but if the record lasts 90 minutes… then I actually get angry. Van Morrison is a talented Irish musician, gifted at live singing with a certain vocal edge that defines him. He’s got some powerful tracks to his name, like Gloria or Domino, but I also think he stands out for not having a particularly broad artistic vision. This double live LP is made up of various performances with a large backing band, including a string section, saxophone, piano… all the ornamentation you could want to mask the fact that at its core, there isn’t much going on. The setlist feels like it goes in circles from about the sixth track onward. The instrumentation is professional, with a very clean and well-isolated sound, you could almost say it sounds like a studio recording. But honestly, I don’t think that works in favor of performances that already feel unremarkable. We get multiple styles —Soul, Gospel, Rock, R&B, Country, Funk…— all fused together in such a way that only the most superficial aspects of each remain. The album sounds grand, maximalist, a magnitude that serves as a mask to cover up an even greater lack of creativity. And that’s the thing: no matter how well you play your instrument or how much music theory you know, if there aren’t any interesting ideas that make you stand out, you bore at an incredible speed. As for Van Morrison himself, as a singer, he’s fine. He’s got a few tricks, but he constantly sounds like he’s imitating his influences —Elvis, Solomon Burke, generally excellent musicians of Soul, Rock, and R&B—. He’s that kind of singer who throws in distorted vocals every other line, draining all expressiveness until it becomes repetitive and tiring. For example, I don’t understand the idea behind breaking up the verses of Warm Love with that constipated style of singing, like he’s coughing out every word… Overall, it’s an album that sounds too clean, too polished. And while the personnel’s improvisational skill and musicality are admirable, it just doesn’t click with me. It was a tough listen, it felt endless, as the songs went by my brain just disconnected because it was receiving the exact same stimuli over and over again… The spiritual/christian side of rock definitely got stuck in the 70s in terms of variation, something I also noticed a bit with Stephen Stills. Redeemable: Ain’t Nothin’ You Can Do, Domino, Gloria Worst: Cyprus Avenue

#DÍA 44: 1001 Discos Que Hay Que Escuchar Antes De Morir (English Translation Below) Por si no fuera suficiente, más psicodelia para mí. Quicksilver Messenger Service, a parte de ser una de esas bandas de los 60s cuyo nombre tiene más bien poco sentido, fueron uno de los grupos que mejor definieron el sonido psicodélico del San Francisco de entonces. Este segundo LP de la banda fue un éxito inesperado, y no es de extrañar lo de “inesperado”, por lo poco convencional de la música que contiene. La primera mitad está definida por una supuesta cover de Who Do You Love de Bo Diddley. Digo supuesta porque mantiene el riff y la letra, porque lo del festival de solos de 25 minutos que hay entre versos se lo han sacado de la manga. Y es que ahí reside un poco la magia de este LP, son un banda que, en general, demuestran tomarse poco en serio, y eso les da un encanto que me ayuda a diferenciarlos. Este suite se realizó en concierto, los acompañamientos tocaron en bucle de dos acordes original y de ahí fueron desvariando todos. El solo de Gary Duncan es más convencional, con una estructura en forma de valle que lo hace recompensante. A continuación, seis minutos bastante psicodélicos por parte de Greg Elmore que terminan con una especie de pelea melódica a voces entre la gente del público; un tipo de interacción con el público llamativa como poco. De ahí entra John Cipollina con un solo bastante vigoroso que encadena con otro del bajista David Freiberg. Dentro de que el sonido es bastante limpio, hay cierto interés en el uso de efectos, las técnicas que usa Cipollina son memorables desde luego y la progresión es muy sólida contando con que fue improvisado. La segunda mitad también es un extracto de concierto, solo que la pista Calvary tiene algunas modificaciones de estudio aparentemente (imagino que esos sublimes coros del interludio). Mona, por un lado, es otra cover extendida de Bo Diddley con improvisaciones de Cipollina. Llegado a este punto te das cuenta que realmente la gracia del LP en sí es la guitarra, es de lo que va, así que lo interesante es perderte un poco en el virtuosismo de los guitarristas. Ahora bien, no termina siendo cansino, aburrido o pretencioso, realmente son actuaciones potentes que me explican por qué entraron en la lista de los mejores 100 guitarristas de Rolling Stone. Calvary tiene una ambientación más oscura y desértica, apoyada en cierto sentido fúnebre dotado por las ligeras raíces flamencas de la pieza. Aquí encontramos distintos crescendos envueltos en coros, percusiones de película y serenos pasajes acústicos. Como se ha dicho, todo notablemente encabezado por las guitarras, como si huyeran del resto de instrumentos en una persecución. El LP como experiencia completa es entretenido, a mí me ha mantenido atento la mayoría del rato, aunque perdiéndome en algunos momentos del suite inicial y de Calvary. Aún así, quizá la música tan centrada en la guitarra no suele ser con lo que yo más conecto… Con algunas excepciones claro, pero en este caso, aún no pudiendo criticarlo demasiado, tampoco ha despertado especial pasión en mí. Favoritas: Who Do You Love Suite, Calvary Menos favorita: Maiden of the Cancer Moon #DAY 44: 1001 Albums You Must Hear Before You Die As if I hadn’t had enough already, here comes more psychedelia. Quicksilver Messenger Service —aside from having one of those ‘60s band names that never made much sense— were among the acts that most sharply defined San Francisco’s acid-drenched sound. Their second LP became an unexpected success, and “unexpected” is the right word given how unconventional the music actually is. The first half is built around what’s ostensibly a cover of Bo Diddley’s Who Do You Love. I say “ostensibly” because while it keeps the riff and the lyrics, what you actually get is a 25-minute festival of solos. That’s the charm of this record: a band that clearly doesn’t take itself too seriously, and paradoxically that’s what makes them stand out. Recorded live, the band just loops the original track’s two chords and lets each player spiral outward. Gary Duncan’s solo is fairly traditional, rising and falling like a valley and ultimately rewarding. Then Greg Elmore dives into six minutes of psychedelia, capped off by what sounds like a melodic shouting match with the audience; bizarre, but also oddly engaging. John Cipollina comes in hot with some signature effects and sharp phrasing, seamlessly giving way to bassist David Freiberg. For something improvised, the progression feels surprisingly solid, and Cipollina’s techniques in particular are pretty memorable. The second half is also pulled from live performances, though Calvary seems to have been polished with some studio touches (those sublime choral passages, for one). Mona is yet another stretched-out Bo Diddley cover, but Cipollina once again keeps things interesting with extended guitar workouts. By this point it’s obvious what the record is about: the guitar. That’s the whole show, and it works because the performances never feel bloated or self-indulgent. No wonder Cipollina landed on Rolling Stone’s 100 Greatest Guitarists list. Calvary, meanwhile, paints a darker, almost desert-like atmosphere, with a faintly funereal tone underscored by flamenco-tinged motifs. The track unfolds in waves: choirs, cinematic percussion, acoustic respites, all of it led by guitars that sound like they’re racing away from the rest of the band. As a whole, the LP is engaging. It kept me hooked most of the time, though I did drift during parts of the opening suite and Calvary. Truthfully, guitar-centric music isn’t always what I connect with the most… With some exceptions of course, but in this case, it didn’t blow my mind. Favourites: Who Do You Love Suite, Calvary Least Favourite: Maiden of the Cancer Moon