1996, la vague brit-pop commence doucement à s'effondrer, Oasis a dépassé Blur qui offre désormais une image de has-been et des rumeurs de séparation commence à circuler. Au final, ça va mal dans la bande à Damon Albarn. 1997, l'album éponyme est celui de la maturité. Enregistré en Islande sous l'influence décisive de Graham Coxon, l'album de Blur surprend en embrassant l'influence du rock américain qu'il méprisait tant à ses débuts. Les influences virevoltent au cours des morceaux : Pavement (groupe préféré de Coxon), Pixies, Beck, Neil Young... Tout y passe. Alors que les journalistes anglais annoncent le suicide commercial de Blur, l'album cartonne. Il devient le disque du groupe le plus vendu aux USA et en Europe. Finis les Boys and Girl, bonjour les Strange news for another star, beetlebum... et le tubesque Song 2. Un des meilleurs albums de l'année 1997, un des meilleurs albums du groupe, un album à conseiller et à écouter au moins une fois dans sa vie. Un beau 4/5

Je vais être honnête, j'ai découvert Metallica sur le tard (genre fin des années 90) car durant les années 80, j'étais plus punk/post punk que metal, mais au fil de mes écoutes et de mes découvertes, mes goûts musicaux ont évolué et je me suis naturellement dirigé vers des courants musicaux dits plus extrêmes. Sorti en 1986, "Master of Puppets" est considéré par les fans du groupe comme étant un monument, un monstre, un chef d’oeuvre... Les Beatles ont leur "Sgt. Pepper's", Pink floyd leur "Dark Side of the Moon", Michael Jackson son "Thriller", Metallica a "Master of Puppets", c’est-à-dire une pièce unique et qui restera à jamais comme un tournant dans l’histoire de la musique. De la première note, à la guitare sèche de "Battery", aux derniers accords de "Damage Inc.", le groupe pond ce qu’il a de meilleur en termes d’inspiration, de solos, de rythmiques, de lignes de chant. Avec "Master of Puppets", Metallica confirme le son et le style qu'il a été défini sur l'album précédent. Un mélange de saturation ultra-compressé, de riffs épais ; des césures de chansons qui abandonnent la saturation pour des plages acoustiques qui viennent étoffer la chanson et donner à l’oeuvre une dimension épique. "Master of Puppets" est l’oeuvre maîtresse de Metallica, d'ailleurs le 23 mars 2016, il est le premier enregistrement de Metal à faire son entrée à la Bibliothèque du Congrès du fait de son importance historique et de son influence sur le genre. "Master of Puppets" est à écouter au moins une fois dans sa vie, mais ne soyez pas frileux sur le volume, car il doit s'écouter fort... très fort. Au final, ce sera un gros 4/5 pour un monument du metal, leur premier meilleur album qui sera suivi quelques années après par le "Black Album" (album éponyme sorti en 1991). Un gros 4/5 et je me suis longtemps tâté pour lui mettre un 5/5, mais ce n'est pas un disque que je réécoute aussi souvent que certains albums d'AC/DC ou de Sunn O))) pour ne citer qu'eux.

J'adore Eminem et noter l'un de mes albums préférés va être difficile tellement je prends du plaisir à chacune de ses écoutes. En 2000, quand "The Marshall Mathers LP" sort, ce fut l'effet d'une bombe. Comment un petit blanc sur 18 titres pouvez lancer des flows aussi dévastateurs ? Comment un blanc est arrivé si rapidement au même niveau que les pointures "black" du rap US ? Pour sortir du lot, le réponse est simple "I don’t do black music/I don’t do white music", comme il le précise sur le titre "Who Knews". "The Marshall Mathers LP" est avant tout un album de combat où tout le monde en prend pour son grade... "I make fight music, for high-school kids"... la presse, ses fans, ses collègues rappeurs, la musique pop en général, le gouvernement, sa mère, la télévision, sa petite amie, ses amis, sa maison de disques, la radio, d'autres membres de sa famille, Dieu, son propre moi. Eminem est provocateur, et pour la pousser à son paroxysme, il utilise et continuera à utiliser par la suite, son double "Slim Shady" dans des registres racistes, sexistes, misogynes, homophobes, narcissiques et xénophobes. Et même dans la pire des provocations, Eminem reste un artiste qui fait de la vulgarité une poésie. Reconnu pour avoir popularisé le hip-hop parmi les classes moyennes et supérieures des États-Unis, Eminem est considéré comme l'un des plus grands rappeurs de tous les temps. Sorti il y a plus de vingt ans, "The Marshall Mathers LP" n'a pas pris une ride, il est et reste un incontournable du rap américain et une pièce maîtresse dans la discographie d'Eminem (ex aequo pour moi avec "The Eminem Show"). Un gros 5/5 et si ma note vous déplaît... "So you can suck my dick if you don't like, my shit"

Sorti sur l'excellent label Warp en 1998, l'album "Music Has the Right to Children" de Boards of Canada reste à ce jour leur album le plus facile d'accès. "Music Has the Right to Children ", c'est 17 morceaux que l'on écoute sans le moindre effort. Des boucles qui se répètent, des beats lents, des touches subtils de synthé, des voix robotiques et métalliques, un sample de Sesame Street. La mélancolie profonde des morceaux ravive des souvenirs d'enfance et nous touche en plein coeur. La froideur de la pochette se retrouve dans la quasi-intégralité des titres avec son atmosphère glaciale. Suite à cet album, Boards Of Canada est devenu une énorme source d’inspiration et de respect. Un album hors du temps et un gros 5/5 pour un pur moment de bonheur.

En 1968, l’avenir semble scellé, la pop est out et le rock est in. Pourtant en 1969 un album mythique va voir le jour celui de Dusty Springfield. Enregistré à Memphis (comme Elvis la même année), Dusty In Memphis est un album de chansons blanches livrées à la magie noire. Un album où l'émotion et l'intensité sont au rendez-vous. Un album où les mélodies douces et belles cotoient une voix magnifique celle de la reine de la soul britannique. Une note de 4/5

Le 3eme album des Pogues est un album incontournable composé de titres entraînants et inspirés, de chansons rebelles, poétiques, punk et politiques. Un album qui s'ouvre également à des sonorités inédites comme le jazz, la musique mexicaine voir orientale. Cet album est l'un des meilleurs des Pogues et certainement le plus accessible. Gonflé de hits comme Fairytale in New York, Lullaby in London, Broad Majestic Shannon, Birmingham Six, Bottle of Smoke. Un album à écouter au moins une fois dans sa vie et qui est l'un de mes albums préférés du groupe avec Hell's Ditch et The Pogues in Paris. Un 4.5/5 soit un beau 5/5

À partir de 1991, l'étiquette grunge va coller à la peau de nombreux groupes comme Nirvana, Soundgarden, Alice in Chains, Rage Against the Machine et bien entendu Pearl Jam. Concernant Pearl Jam et je vais être clair, au début des années 90, j'étais plus punk que metal donc Nirvana m'a tout de suite beaucoup plus intéressé et j'ai délaissé les autres groupes. Je découvre donc et avec 30 ans de retard, le 1er album de Pearl Jam et je suis, j'avoue déconcerté. Autant l'album est rempli de très bons morceaux puissants autant le son trop heavy année 70, le son trop metal, le son trop tout ce que je n'aime pas me fait immédiatement détester ce groupe qui sonne par moment comme du led zeppelin et led zep est bien un des groupes que je ne supporte pas. Au final, j'ai pris plaisir à écouter ce disque malgré tous les préjugés que j'ai eu durant son écoute. Un disque que je ne réécouterais pas et qui ne me donne pas envie d'en découvrir plus (pourtant Vitalogy serait le meilleur album). Mais bon, trop c'est trop, et je préfère refermer la parenthèse. Un 2/5 car malgré de très bons titres je n'ai pas du tout accroché.

1996, la vague brit-pop commence doucement à s'effondrer, Oasis a dépassé Blur qui offre désormais une image de has-been et des rumeurs de séparation commence à circuler. Au final, ça va mal dans la bande à Damon Albarn. 1997, l'album éponyme est celui de la maturité. Enregistré en Islande sous l'influence décisive de Graham Coxon, l'album de Blur surprend en embrassant l'influence du rock américain qu'il méprisait tant à ses débuts. Les influences virevoltent au cours des morceaux : Pavement (groupe préféré de Coxon), Pixies, Beck, Neil Young... Tout y passe. Alors que les journalistes anglais annoncent le suicide commercial de Blur, l'album cartonne. Il devient le disque du groupe le plus vendu aux USA et en Europe. Finis les Boys and Girl, bonjour les Strange news for another star, beetlebum... et le tubesque Song 2. Un des meilleurs albums de l'année 1997, un des meilleurs albums du groupe, un album à conseiller et à écouter au moins une fois dans sa vie. Un beau 4/5

Aja on l'aime ou on ne l'aime pas, mais il ne laisse pas indifférent car Aja est un disque classieux et luxueux, un ovni avec un genre bien à lui entre jazz et rock. Mais Aja est froid, trop propre, il offre une oeuvre presque chirurgicale où chaque morceau, chaque instrument, chaque note, chaque silence est calculé afin d'atteindre la perfection sonore. L'album est d'une précision millimétrique que l'on ne retrouve que dans deux styles musicaux : le classique et le jazz. Aja malgré sa froideur clinique due à sa production parfaite recevra d'ailleurs un Grammy Award en 1977 mais il sera critiqué par la vague punk. Et on comprend pourquoi les punks crachaient sur ce groupe ainsi que sur Fleetwood Mac et sur les groupes de rock progressif car tout ce luxe, cette production, ne collaient pas avec leurs idéaux. Pour terminer, je ne sais pas sur quel pied danser, car d'un côté le disque grâce à sa production est un chef d'oeuvre, mais à contrario le son trop 70's a beaucoup trop vieilli à mon goût. Je mets à petit 3/5 car il est ni bon ni mauvais, il est juste un très bon disque à écouter au moins une fois dans sa vie.

Tres Hombres est le disque qui a permis aux ZZ Top de se hisser pour la première fois dans le Top 10, faisant d’eux des stars. À première vue, ce disque n’a rien de vraiment spécial, puisqu’il s’agit juste d’un album de blues-rock entraînant d’un groupe de bar du Texas, mais c’est ce qui le rend si spécial. Un blues rugueux ponctué par moment de riff hargneux. Le groupe quitte les sentiers du blues-rock pour se diriger vers un rock direct et efficace. Tres Hombres propose un titre mythique qui va lui permettre de rentrer dans la postérité et de qualifier ce troisième album de "meilleur opus" du groupe voire, de l’histoire du blues-rock. Un joli 3/5

Odelay est un ovni, un objet hiphop-electro-funk-rock-folk-rnb-noisy-experimental qui sous la gouverne des Dust Brothers est devenu un album phare, proposant un fourre-tout stylistique étonnamment cohérent. Odelay est une série de collages conceptuels qui donne un résultat totalement fluide. Odelay est un album à écouter, à découvrir, à aimer Un gros 4/5

Comment donner un avis TOTALEMENT objectif quand je vais parler de l'un de mes albums préférés des années 90, de l'un des albums que j'ai pu écouter des dizaines et des dizaines de fois ? Fuzzi est un disque admirable qui est marqué par des influences folk, americana, noise et classic rock. Mais surtout par la voix de Grant Lee Philips, une voix sombre, parfaite, d'une justesse implacable dans les aigus comme dans les graves. Fuzzi est un disque qui ne vieillit pas ou qui vieillit bien comme le bon vin. Mais à la différence du bon vin, on peut y retourner avec plaisir pour s'y enivrer sans aucune modération. Un disque magnifique, triste et décalé à écouter impérativement au moins une fois dans sa vie. Pour finir, ce sera un beau 5/5 qui est, je l'avoue une note sans aucune objectivité.

Sur le papier, l'idée même d'un tel projet est fort plaisante, car écouter 1001 albums tirer au hasard sur une période s'étalant sur 50 ans ne peut qu'ouvrir de nombreux horizons. Mais la réalité est tout autre, car cela peut devenir un vrai sacerdoce et quand on doit porter sa croix et bien, on la porte jusqu'au bout. Close to the edge est un résumé de tout ce que je n'aime pas... Un groupe, un genre, une décennie ou plus exactement le son d'une période. Et ici, le trio gagnant sera Yes, le progressive rock et le son des années 70. Après une écoute complète du meilleur album du groupe (sic). Je ne peux conclure l'affaire que par un "Ce fut 38 minutes d'efforts que je ne renouvellerai pas, et même si l'album a des qualités indéniables où les frontières du rock sont franchies. Mais quand c'est trop long, trop chiant, trop tout ce que je n'aime pas et bien, on ne peut rien faire de plus pour changer la note." Au final, ce sera une note de 1/5 pour un album pompeux et prétentieux.

Sorti en 1969, Stand est un album explosif avec des titres puissants de funk psychédéliques. Un album avec un mélange de cultures entre soul, funk, gospel et rock psychédélique, le tout baignant dans un esprit peace & love propre à l'époque. Un 4/5 pour l'album de la maturité pour le groupe et qui est devenu depuis un classique absolu.

A la question "Etes vous Beatles ou Rolling Stones ?", j'ai toujours (par anticonformisme) déclaré Velvet Underground. Mais passons car ce n'est pas la question du jour... Sticky Fingers avec sa pochette controversée tourne la page des sixties pour offrir un album résolument rock en véhiculant derrière lui l'image de tous les excès qui est les filles, l’alcool et les drogues (le fameux triptyque "sex, drugs and rock’n’roll"). En 1971, les Beatles qui se sont séparés depuis maintenant un an laisse un boulevard aux Stones qui vont sortir l'un de leur meilleur album, le mieux produit. Peut-être LE meilleur tout simplement ! Un 4/5 pour un album résolument rock.

Cet album, sorti en 2015, a été une découverte pour moi et surtout une très bonne et agréable surprise. Songboy Blues est un groupe malien qui, suite à l'invasion d'islamistes radicaux, a été obligé de fuir la région de Tombouctou pour débarqué à Bamako. Découvert par Damon Albarn via l'équipe de son projet "Africa Express", ils ont enregistré leur premier album mélangeant les genres entre chants maliens, guitares électriques et rythmes tribaux. A défaut d'avoir un blues poisseux du bayou de la Nouvelle Orléans, nous découvrons avec l'album de Songhoy Blues un blues aride du désert de Tombouctou. Music in exile est une très belle surprise qui mélange allègrement musique malienne, blues et rock & roll... Un beau 4/5 pour un disque à écouter au moins une fois dans sa vie (et plus si affinité)

En 1987, The Cult sort Electric qui porte bien son nom, car après deux albums post-punk gothique, leur 3eme album est un album de Hard Rock. Electric est court et montre que The Cult est un vrai grand groupe de hard rock et qui en un album incarne le rock mieux que certains groupes en toute une carrière. Après Love qui est le sommet artistique et Sonic Temple le sommet commercial, Electric de part son coté très brut prouve que le groupe est capable de changer de style avec un talent incroyable. Un gros 3/5 car malgré que cela soit un très bon album, j'ai toujours un peu de mal avec le Hard Rock.

En 2008 et après 10 ans de silence, sort le 3eme album de Portishead le bien nommé Third. Third est un album sombre et désespéré, âpre et puissant avec une rythmique, froide, artificielle et presque industrielle. Une rythmique qui entre en dissonance avec la voix éthérée et fragile de Beth Gibbons. Third est un album poétique et très inspiré, il faut d’ailleurs noter la cohérence et l’homogénéité de ce disque qui a pourtant été enregistré sur trois ans par des musiciens qui n’avaient pas joué ensemble depuis six années. Third est un chef d'œuvre à écouter et réécouter en attendant un possible 4eme album. Un 4,5 sur 5 soit un beau 5

2eme album de Steely Dan a écouter depuis le début de ce projet et cette fois, on se dirige vers le 1er album du groupe. Autant Aja, grâce à une production digne des plus grands orfèvres, ne m'a pas laissé indifférent, autant avec leur 1er album, j'ai eu beaucoup de mal à aller jusqu'au bout des 10 titres. Malgré la présence de 2 ou 3 bons titres, j'ai failli abandonner l'écoute et j'ai dû m'y reprendre à 3 fois pour en voir le bout car à aucun moment, j'ai trouvé le petit déclic, ce fameux effet kisscool 😁 Un disque que je ne conseille pas et une toute petite note de 1 sur 5.

Avec un album de blues rock et un Jim Morrison qui a l'étrange idée d'arrêter soudainement sa carrière, 1971 est l'année des Doors. L.A. Woman est le disque le plus mature et abouti du groupe avec de grands morceaux d'anthologie comme The Changeling, L.A. Woman et bien entendu Riders on the Storm qui est devenu depuis un vrai classique du répertoire des Doors. L.A. Woman est à juste titre le chant du cygne des Doors, car moins de trois mois après sa sortie, Jim Morrison disparaissait. Oeuvre testamentaire, il reste un des meilleurs albums du groupe et l’un des plus gros classiques du Rock. Un 3/5 pour un album à écouter.

En 1966, sort le 1er album de The Mamas and The Papas que tout le monde ou presque ne semble connaître que par le biais de leur plus gros tube. Cet album (classique du rock US) s'ouvre avec un morceau qui ressemble à un énième ersatz des Beatles et autres Beach Boys. Avant de s'ouvrir à une douceur rock qui semble propre au groupe. Quatuor vocal, les Mamas and Papas deviennent des stars grâce au tube California Dreamin' qui deviendra par la même occasion l'hymne de tous les hippies californiens. Un 1er album réussi et d'ailleurs les autres albums du groupe souffriront continuellement de la comparaison avec lui. Un joli 4/5 pour un classique de la pop américaine.

En 1973, sort le 1er album du multi instrumentiste Mike Oldfield qui deviendra à la fois pour lui une bénédiction et une malédiction. Une bénédiction, car les premières minutes de l'album, ayant servi de thème principal au film "l'exorciste", ont déclenché un engouement planétaire qui lui a permis de se vendre à des millions d'exemplaires. Une malédiction, car pour beaucoup de personnes Mike Oldfield ne se limite qu'au thème du film et surtout, il ne retrouvera plus jamais un tel succès. Tubular Bells est un album de rock progressif, une sorte de "symphonie rock" qui en deux pistes (ou deux faces d'un disque) de 25 minutes associe musique planante et rock progressif. Les deux associations et le rock progressif dans son ensemble me laissant de marbre, je salue tout de même l'effort et l'excellent musicien qu'est Mike Oldfield, mais je lui laisse un petit 2/5.

1965 est l'année du changement, Bob Dylan a branché sa guitare et il vient de passer de l'acoustique à l'électrique, de chanteur de folk à celui de rocker électrique. Les puristes de la folk music hurlent et pleurent de désespoir, les autres exultent. Highway 61 Revisited est considéré par beaucoup comme étant le meilleur album de Bob Dylan avec son plus grand succès "Like a Rolling Stone" qui a été élu plus grande chanson de tous les temps par un jury issu des rédactions des plus grands magazines de rock Cet album, brûlot vengeur et visionnaire, est l'un des plus importants de la culture pop/rock et Bob Dylan y brasse toutes ses influences allant du folk aux ballades et surtout en passant par le blues. Un bon 4/5 et un album a été au moins une fois dans sa vie.

En 1970, ne supportant plus la pression médiatique, Joni Mitchell, la star du folk californien, décide d'arrêter les concerts et de retourner dans son Canada natal. C'est là que naîtront trois albums majeurs, dont Court and Spark qui sortira en 1974. Le succès fut immédiat aussi bien pour les critiques que pour le public. Il devient son disque le plus vendu. 50 ans après sa sortie, Court and Spark reste un bon disque de jazz-pop des années 70 avec quelques bons morceaux. Mais dans l'ensemble, le disque baigne dans la naphtaline avec un petit spleen dont seules les chanteuses folk de l'époque avaient le secret. Une note de 2/5 pour un album à écouter au moins une fois dans sa vie.

Je n'ai jamais réussi à aimer Pink Floyd. Ce sont des génies, leur talent est indéniable, et c'est sûrement un des groupes qui ont le plus apporté à la musique durant le dernier demi-siècle. Mais j'ai toujours trouvé leur musique prétentieuse et vide de sentiment. Alors quand j'ai reçu "l'ordre" d'écouter ce Wish You Were Here, j'ai tout de suite posé quelques réserves. Wish You Were Here est un album qui parle du vide, de l'absence, celle de Syd Barrett. Un album profond, un album où l’émotion y est présente, un album où la composition musicale est parfaite. Pour autant, et malgré toutes les qualités que je peux trouver à celui-ci, je n'ai pas accroché plus que cela. Je lui laisse une note de 3/5 qui est une note totalement neutre. Ce n'est ni bon ni mauvais. C'est juste un album à écouter une fois dans sa vie.

Après de nombreuses années passées dans l'ombre des plus grands à faire les background vocals lors des tournées de Michael Jackson, Sting ou Stevie Wonder, Sheryl Crow va passer de l'ombre à la lumière au début des années 90. Avec la sortie de son premier album, Tuesday Night Music Club, la chanteuse tient enfin sa revanche en trustant les charts US avec son tube « All I Wanna Do ». Mêlant des compositions aux influences folk et country à une pop léchée et efficace, ce premier opus va s'imposer comme un incontournable de son époque. Un joli 3.5 soit un 4/5 pour un album plaisant à écouter.

Après le décès de Bon Scott, qu'on a retrouvé noyé dans son vomi suite à une nuit de tous les excès. Et d'ailleurs (petite parenthèse), je trouve que Bon Scott a connu une des morts les plus rock'n'roll qu'on puisse avoir à la différence de celle de Nico qui quelques années plus tard va se vautrer à vélo lors d'une balade à Ibiza. Mais revenons à nos moutons ou plutôt à nos kangourous... Donc suite à la mort très rock'n'roll de Bon Scott, les spéculations allèrent bon train concernant l’avenir d’AC/DC, certains n’hésitant d’ailleurs pas à annoncer que le groupe ne pourrait pas se relever de la perte de son merveilleux frontman. Et pourtant, il ne faudra pas plus d’un an aux frères Young pour donner une suite au légendaire "Highway To Hell". Dès les premiers accords, il apparaît évident que le groupe a décidé de durcir le ton, et la voix métallique de Brian Johnson vient confirmer cette première impression. Le son AC/DC a changé et ces changements n’empêchent en rien cet album d’être un nouveau chef d’oeuvre dans la discographie du groupe. Un gros 5/5 pour un album mythique à écouter plus d'une fois dans sa vie.

J'ai toujours aimé Björk et ceci depuis la fin des années 80 avec The Sugarcubes. Et même si (je l'avoue) j'ai fait l'impasse sur certains de ses projets. Vulnicura est un album personnel et mélancolique qui, entre musique électronique et cordes, transmet une émotion pure, triste mais optimiste. « break up album », c’est-à-dire un disque qui puise dans une rupture amoureuse pour construire sa cohérence au fil des titres qui le composent. Vulnicura ouvre les vannes de sa peine comme de son amertume. Pour terminer, Vulnicura est un très bon album à écouter et qui s'en sort avec un joli 4/5

Je vais l'avouer dès le début mais je ne suis pas un grand fan de soul music, et même si je connais quelques classiques de la Motown ou de Stax. Alors quand le hasard fait que cette nouvelle écoute est pour un album du Prince de la Motown ou du Prince de la Soul, je ne peux que me lancer. Ce 12eme album de Marvin Gaye est un vrai album de soul qui est exclusivement composé de chansons d’amour. Ça croone et ça roucoule et les love, babe, sugar et autres honey se comptent par centaines. Romantisme, sensualité et sexualité jalonnent un disque où des balades obsédantes côtoient des chansons suggestives ou solennelles. Après une première écoute de cet album qui fut pour moi également une découverte, je n'ai pas accroché plus que cela, mais je lui mets tout de même une note de 3/5.

Comme je l'ai déjà dit entre Beatles et Rolling Stones, j'ai toujours préféré le Velvet Underground et entre McCartney et Jagger ma préférence va naturellement vers Lou Reed. Conclusion, je suis le moins bien placé pour donner un avis objectif sur ce 3eme album solo de Paul McCartney. Pourtant et après une écoute attentive, je peux le dire... Putain, c'est un bon album et qui, en 3 titres "Jet", "Mrs. Vandebilt" et "1985", permet à McCartney (après un 1er album solo décevant) de se rapprocher à nouveau de son talent au sein des Beatles. Un album qui reste comme étant le meilleur album de McCartney en solo. Un bon album à écouter et à réécouter et une de note de 4/5.

Sorti en 1962 et en deux volumes, Modern Sounds fait office de chef-d'oeuvre et réconcilie le rhythm and blues avec la country et la pop. L'album est une collection de classiques de la country remaniés, Ray Charles avec sa voix soul, apporte un nouveau souffle à ces morceaux en y ajoutant un mélange unique de gospel et d'arrangements de big band. Cet album de fusion récupère une jolie note de 3/5.

Sorti en 1970, le 2eme album du supergroupe américain de folk rock (David Crosby ex-Byrds, Stephen Stills de Buffalo Springfield, Graham Nash ancien Hollies et Neil Young) voit le jour et deviendra leur disque le plus réussi en tant que groupe de quatre musiciens. Plus qu'une formation, le groupe est une association de quatre leaders aux caractères forts, ce qui explique pour cet album des titres hétéroclites avec des ballades de Graham Nash, du rock de Stephen Stills et David Crosby et du "Neil Young" pour Neil Young. Déjà Vu est un excellent album de folk rock qui aura nécessité plus de 800 heures d'enregistrements pour le réaliser avec un jeu précis, des harmonies riches et des rythmes forts. Proposant des chansons remarquables telles que "Carry On", "Teach Your Children" et "Almost Cut My Hair", Déjà Vu est un excellent album à écouter et à réécouter et il s'en sort avec un gros 4/5.

Après le succès de All the Young Dudes (1972) produit par David Bowie, qui leur avait même écrit le titre éponyme, Mott the Hoople sort en 1973 l'album Mott. Ce Mott, et Mott the Hoople d'ailleurs, est pour moi une belle découverte. Comme quoi ce projet, qui va me tenir en haleine durant les prochaines années m'apporte autant de plaisir que d'ennui. Ce petit jeu de la roulette est ainsi fait et nul ne sait quel album on me demandera d'écouter demain. Mott, album de Rock ou plus exactement de Glam Rock, est fascinant et gorgé d'excellent titres qui, presque un demi-siècle après sa sortie, est toujours capable de nous toucher. Et ceci dès l’ouverture du fantastique "All the Way from Memphis" qui est un rock endiablé avec des tonnes de guitares saturées et le sax venu directement de Roxy Music. Suivi de "Whizz Kid" avec un riff basique mais terriblement efficace ou encore le venimeux "Violence" avec son violon qui sonne désaccordé est un titre très aventureux et fort réussi. Malgré cet excellent disque, Mott the Hoople ne connaît pas le succès qu’il mérite. Un très bon album à découvrir et un beau 4/5

Qualifié de groupe Art-Punk, Yeah Yeah Yeahs sort son premier album en avril 2003 et confirme par la même leur son unique. Une voix distinctive et l'excentricité de Karen O, les riffs de guitare de Nick Zinner et la batterie de Brian Chase créent un son brut et énergique qui oscille entre un rock intense et énervé et des expériences sonores oscillant entre musique électronique et pop. Fever To Tell est un très bon album, à découvrir ou à réécouter et qui, 20 ans après reste un album viscéral et passionnant. Un album qui s'en sort avec un petit 4/5.

Sorti en 1979, Unknown Pleasures est le premier disque de Joy Division. Album culte, il porte à lui seul la symbolique de tout un courant appelé post-punk. Ce qui frappe d’entrée de jeu, c’est le son froid, avec une section rythmique mise en avant et une basse qui attire tout de suite l’oreille. Les dix chansons de l'album sont caractérisées par leur atmosphère sombre et morose, avec des paroles qui explorent les thèmes de l'aliénation, de la dépression et de la mort. Joy Division c'est Ian Curtis, car l'importance du chanteur dépasse le groupe. Une voix sombre, sépulcrale, très peu chantée qui sonnera le départ du mouvement gothique et cold wave. Unknown Pleasures est aussi le seul disque sorti du vivant de Ian Curtis qui se suicidera l'année suivante. Véritable ovni dans le paysage musical de l'époque, ce disque, qui n'a pas pris une ride, se doit d'être écouté et réécouté. Et pour ceux qui ne le connaissent pas, de le découvrir tout simplement. Unknown Pleasures, est tout simplement un GRAND disque. Un 5/5 amplement mérité tout comme pour le 2eme album (posthume) du groupe "Closer" qui est d'ailleurs lui aussi dans le classement des 1001 albums à écouter avant de mourir.

Sorti en 1973, le double album d'Elton John "Goodbye Yellow Brick Road" est une oeuvre tentaculaire et ambitieuse qui met en valeur ses talents musicaux divers. Il présente certains de ses succès les plus emblématiques, dont "Candle in the Wind", "Bennie and the Jets", et la chanson-titre, qui sont devenus des incontournables. Malgré son succès commercial, l'album n'est pas sans défauts, avec quelques pistes de remplissage et une seconde moitié qui n'est pas tout à fait à la hauteur du bon départ. Cependant, les meilleurs moments de l'album sont vraiment exceptionnels, mettant en valeur la capacité de John à mélanger le rock, la pop, le glam et le music-hall dans un son cohérent et vivifiant. Bien que ce ne soit peut-être pas un album parfait, "Goodbye Yellow Brick Road" est toujours une oeuvre importante et agréable qui capture Elton John à l'apogée de ses pouvoirs créatifs et qui reste 50 ans après l'un de ses meilleurs albums. Un 4/5 pour un très bon album à découvrir ou à réécouter.

Comme je l'ai déjà précisé il y a des genres musicaux dont j'ai une profonde aversion et le progressive rock en fait parti. Sorti en 1973, Selling England By The Pound est le disque de Genesis, période Peter Gabriel, le plus abouti. Porté par "The cinema show" qui est peut-être la meilleure chanson de Genesis et par sa production polie, sa musicalité exceptionnelle et son mélange captivant d'éléments de rock progressif, cet album a consolidé la position de Genesis comme l'un des principaux groupes de son époque. Un petit 3/5 pour un album qui, même s'il ne m'a pas rabiboché avec le genre, ne m'a pas laissé un mauvais souvenir. Un album à écouter au moins une fois dans sa vie.

Sorti en 1962, l'album "Jazz Samba" mélange les rythmes de la samba et de la bossa nova avec le génie improvisé du jazz, créant ainsi un son vraiment unique. "Jazz Samba" est l'un des meilleurs enregistrements du jazz brésilien, mettant en vedette les mélodies de saxophone de Stan Getz et la guitare de Charlie Byrd. L'album contient de très bons titres dont "Desafinado", qui illustre l'interaction entre Getz et Byrd, et "Samba Triste", qui capture l'essence du désir brésilien. Même si "Jazz Samba" est un excellent disque, il s'en sort avec un petit 3/5, car même si cela reste un album intemporel, le son a tout de même pris quelques rides.

En 1972 sort le premier album des Eagles et ses harmonies vocales ainsi que son oscillant entre country et rock, le rendent accessible au grand public. Immédiatement, "Taxe It Easy" et "Witchy Woman" deviennent des tubes radiophoniques et vont permettre à Eagles de prendre son envol grâce à un Rock US générique. Dans l'ensemble, l'album est bon, mais il a du mal à se renouveler et il tourne rapidement en rond avec des titres très/trop mélancolique. La vraie surprise du disque reste "Earlybird" avec sa mélodie au banjo. Une note de 3/5 soit une note mi-figue mi-raisin pour un disque qui se laisse facilement écouter. Une note de 3/5 pour un album de rock fait pour ceux qui n’aiment pas le rock.

Après avoir été longtemps considéré comme un simple projet annexe de Stephen Malkmus (ancien leader de Pavement), le 4eme album de Silver Jews sort en 2001. Dorénavant sans Stephen Malkmus, l'album "Bright Flight" de Silver Jews est moins folk, mais plus country grâce à une pédale steel qui enrobe la plupart des titres de l’album. Mais ici, il s'agit d'une country lo-fi et nonchalante, dans la plus pure tradition du rock underground américain de ces dernières années. Dirigé par David Berman, l'album est une collection de chansons spirituelles, poignantes et rassurantes et ceci grâce à sa voix étincelante et ses paroles intelligentes, allant des jeux de mots stupides à l'imagerie évocatrice. Bien qu'il ne soit pas aussi essentiel que "Starlite Walker" ou "American Water", ce 4eme album reste un album à découvrir. Un petit 3.5 soit un 4/5 pour un bon album de rock indépendant.

En 1990 sort "Pills'n'Thrills and Bellyaches" des Happy Mondays (groupe joyeux, amusant et surtout ultra drogué). Groupe de Manchester et tête de file du mouvement musical "Madchester", Happy Mondays propose avec "Pills'n'Thrills and Bellyaches" un mélange de rock, de house et de funk où le cocktail "Sexe, drogues et rock'n'roll" connaît ici un paroxysme à la fois dans la musique et les paroles. Cocktail auquel il faudrait rajouter le mot "dance" mais pas au sens péjoratif du terme. Enregistré à la Barbade, la maison de disques ayant souhaité éloigner le groupe dans l'espoir qu'il freine quelque peu sur la défonce, cet album est un véritable album de... défoncés. Toute le groupe y a foutu le bordel et a surtout consommé sans aucune limite les spécialités locales illicites. Résultat, le chanteur Shaun Ryder chante comme un branleur et Bez qui habituellement n'est présent que pour danser et jouer des maracas et plus illuminé que jamais et secoue ses maracas comme un possédé. "Pills'n'Thrills and Bellyaches" est un album de qualité, dansant et funky à souhait, incluant les prémices de ce que sera le son baggy made in Manchester. Un album qui mérite un gros 3/5 ou un petit 4/5 car même si c'est un très bon album, je n'ai jamais été assez défoncé à l'époque pour l'apprécier à sa juste valeur. Un album à découvrir et ou à réécouter en étant sobre ou complètement défoncé ;-)

J'ai découvert XTC à la fin des années 80 avec les albums "Black Sea" et "The Big Express" et comme de mémoire, ils ne m'avaient pas laissé un souvenir impérissable, je n'ai jamais eu l'idée d'en savoir réellement plus sur ce groupe. Et quelle erreur je n'avais pas fait, car en 1986, est sorti "Skylarking" album conceptuel sur les saisons et le changement. Un album accouché dans la douleur dans une cabane à Woodstock. Un album bucolique et d'une beauté pastorale qui est composé de quelques-unes des plus belles chansons de la pop anglaise. "Summer's Cauldron" et "Grass" à l'ambiance psychédélique et relaxante. "Dear God" qui est peut-être la meilleure chanson jamais écrite sur l'athéisme. "Ballet For A Rainy Day/1000 Umbrellas" sur la solitude liée aux aléas amoureux. "Skylarking" est le sommet d'un groupe fascinant, ambitieux et malheureusement méconnu. Qui n'a toujours eu que l'obsession de composer l'album pop ultime des années 80. Un album qui serait comparable aux chefs-d'œuvre sixties des Beatles & consorts. Grâce à ce "Skylarking" de toute beauté, on peut affirmer que le but est désormais atteint. Un gros 4/5 pour un album à découvrir et à écouter au moins une fois dans sa vie.

Malgré un nom digne d'un groupe gothique ou de death metal, les Zombies sont les artisans d'un album intemporel et incontournable de la pop psychédélique et baroque de la fin des années 60. "Odessey and Oracle" qui n'aurait d'ailleurs pas à rougir face à un "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band", un "Pet Sounds" ou un "The Piper At The Gates Of Dawn". En enregistrant l'album à Abbey Road, le groupe a profité des possibilités extraordinaires offertes par le studio. Les voix sont posées tout en délicatesse sur une instrumentalisation riche, avec des rythmiques imparables et une simplicité et une efficacité pop qui n'a rien à envier aux best-sellers du genre. "Odessey and Oracle" (la faute d'orthographe est due à une erreur du graphiste qui a mis un E à la place du Y sur la pochette.) reste l'un des plus beaux disques pop de tous les temps. Un disque méconnu que les vrais connaisseurs conseillent depuis presque 60 ans tel un héritage qui passe de main en main. Un beau 4/5 pour une petite pépite que ceux qui ignorent encore son existence doivent découvrir.

Michael Kiwanuka et son album "Kiwanuka" a été une découverte musicale pour moi. Album sorti en 2019 et produit par Danger Mouse et Inflo, "Kiwanuka" est un disque de soul ambitieux grâce à ses mélodies intemporelles et ses arrangements rétro. En mélangeant rock psychédélique flamboyant, blues hypnotique, soul éclatante et folk lancinant, Michael Kiwanuka propose un excellent 3eme album qui pourrait rivaliser avec les grandes sorties musicales soul des années 1970. Un 3/5 pour un album à découvrir.

En 1966, Aretha Franklin est lâchée par Columbia qui ne croit plus en elle et signe chez Atlantic. Entourée par d’excellents musiciens, elle rentre en studio d'où la "Lady Soul" va sortir en 1967 "I Never Loved A Man the Way I Love You" qui sera un tournant dans sa carrière. Emmener par les tubes "I Never Loved A Man" et la reprise d'Otis Redding "Respect", l'album s'impose dans le Top 10 seulement quelques semaines après sa sortie. Un album qui révolutionna la soul musique en étant dès sa sortie un énorme succès et qui fit d'Aretha sans doute la chanteuse la plus célèbre et cotée de la fin des années 60. Un album qui s'en sort avec un gros 3/5.

Formé en 1993, Red Snapper fait partie de ces groupes qui au fil des ans n’ont su acquérir qu’une poignée de fans et une estime polie de la critique. Découvert en 1995 pour ma part, avec leur premier album, le très jazzy Reeled And Skinned sur Warp, j'ai tout de suite fait partie de cette petite poignée de fans qui suit avec intérêt le travail des Britanniques, soit un mélange de jazz, funk, jungle, trip hop, hip-hop et breakbeat avec des influences provenant du rock psychédélique et du rock progressif. Durant l'année 2000 et après avoir quitté Warp pour Matador, le groupe offre à nos oreilles l'excellent "Our Aim is to Satisfy", album sombre et mélancolique où acoustique et électronique fusionnent avec évidence. Un gros 4/5 pour un très bon album à écouter et un très bon groupe à découvrir.

1996, Eels sort son premier album "Beautiful Freak" et par la même occasion, devient le premier groupe à signer sur Dreamworks Records (le label de Steven Spielberg et David Geffen). "Beautiful Freak" est une véritable petite merveille, une mine d'innovations et d'inventions, un souffle rafraîchissant et intelligent dans le milieu pop-rock. "Beautiful Freak" c'est un album avec des samples et du bidouillage sonore qui côtoient des guitares saturées et un piano Wurlitzer. "Beautiful Freak", c'est un univers, pas toujours très gai, un peu déprimé et torturé, mais avant tout profondément humain et peuplé de personnages attachants. Un gros 4.5 soit un 5/5 pour un classique du genre et qui devant une telle réussite pose une simple question... Pourquoi Eels reste aujourd'hui encore un groupe si peu connu ? Une petite merveille à découvrir et à réécouter, un album qui fait partie de mes albums préférés des années 90.

Je vais être honnête, j'ai découvert Metallica sur le tard (genre fin des années 90) car durant les années 80, j'étais plus punk/post punk que metal, mais au fil de mes écoutes et de mes découvertes, mes goûts musicaux ont évolué et je me suis naturellement dirigé vers des courants musicaux dits plus extrêmes. Sorti en 1986, "Master of Puppets" est considéré par les fans du groupe comme étant un monument, un monstre, un chef d’oeuvre... Les Beatles ont leur "Sgt. Pepper's", Pink floyd leur "Dark Side of the Moon", Michael Jackson son "Thriller", Metallica a "Master of Puppets", c’est-à-dire une pièce unique et qui restera à jamais comme un tournant dans l’histoire de la musique. De la première note, à la guitare sèche de "Battery", aux derniers accords de "Damage Inc.", le groupe pond ce qu’il a de meilleur en termes d’inspiration, de solos, de rythmiques, de lignes de chant. Avec "Master of Puppets", Metallica confirme le son et le style qu'il a été défini sur l'album précédent. Un mélange de saturation ultra-compressé, de riffs épais ; des césures de chansons qui abandonnent la saturation pour des plages acoustiques qui viennent étoffer la chanson et donner à l’oeuvre une dimension épique. "Master of Puppets" est l’oeuvre maîtresse de Metallica, d'ailleurs le 23 mars 2016, il est le premier enregistrement de Metal à faire son entrée à la Bibliothèque du Congrès du fait de son importance historique et de son influence sur le genre. "Master of Puppets" est à écouter au moins une fois dans sa vie, mais ne soyez pas frileux sur le volume, car il doit s'écouter fort... très fort. Au final, ce sera un gros 4/5 pour un monument du metal, leur premier meilleur album qui sera suivi quelques années après par le "Black Album" (album éponyme sorti en 1991). Un gros 4/5 et je me suis longtemps tâté pour lui mettre un 5/5, mais ce n'est pas un disque que je réécoute aussi souvent que certains albums d'AC/DC ou de Sunn O))) pour ne citer qu'eux.

En 1970, sort "Layla and Other Assorted Love Songs" le seul et unique album de Derek & The Dominos (groupe de blues rock formé par Eric Clapton). Chef d’oeuvre de la discographie imposante d’Eric Clapton, "Layla and other assorted love songs" est un album dédié à une femme : Pattie Boyd, mannequin et femme du Beatle George Harrison, grand ami de Clapton. Oeuvre profondément marquante, poignante, mélancolique et émouvante. "Layla and other assorted love songs" est un album clé dans l’histoire du rock et le plus beau travail de Clapton. Un gros 3/5 pour un album à écouter.

Robert Wyatt est musicien, il a du talent, beaucoup de talent, et en 1974, il sort son 2eme album solo, mais surtout son 1er album depuis, son terrible accident qui va le clouer pour le restant de ses jours dans un fauteuil roulant, et depuis sa séparation avec Soft Machine. "Rock Bottom" est un véritable OVNI dans le paysage musical. Ce n'est pas du rock (progressif ou expérimental), ni du jazz, ni de l'ambient. C'est tout et rien à la fois et l'atmosphère générale du disque est en même temps dépressive et légère, servie par des arrangements qui vont à l'essentiel, mais qui n'oublient pas d'être très émouvant et surtout intimistes. Et d'ailleurs, une question se pose, est ce que sans son terrible accident, Robert Wyatt aurait pû créer une telle oeuvre ? Avec "Rock Bottom", Robert Wyatt déstructure, déconstruit, pour ensuite restructurer, reconstruire et proposer quelque chose d’incroyablement beau et unique. La voix, les samples, les expérimentations, les structures des chansons en font un chef d'oeuvre musical. Un beau 4/5 pour un album à découvrir absolument.

La critique va être difficile, tellement je suis fan... Mais je vais, tout de même, essayer de faire preuve d'un peu d'objectivité. 1971, le génie d'un art mineur sort un album abouti, sulfureux, voire scandaleux pour certains. Taillé dans le son anglais de l’époque, l'album est un ovni sonore. Et comme beaucoup d’albums avant-gardistes, il a eu bien du mal à trouver son public Et d'ailleurs, l'album sera un flop commercial qui attendra 12 ans pour être certifié disque d'or. Le grand Serge Gainsbourg sort en 1971 l'album "Histoire de Melody Nelson", album-concept imprégné du rock anglais et des écrits de Vladimir Nabokov. L'Histoire de Melody Nelson est un chef d'oeuvre dans la longue et quasi-irréprochable discographie de Serge Gainsbourg. C'est un album mythique, un album culte qui sera N°1 au pays de Jane. Un beau 5/5 soit une note méritée au vu de l'oeuvre et une note donnée sans aucune objectivité.

En 1982, Kate Bush, la sorcière du son, nous offre "The Dreaming" qui reste sa plus belle porte d'entrée dans son mode onirique. Son 4e album, mais le 1er sur lequel elle exerce un contrôle artistique absolu, est une oeuvre singulière et personnelle où Kate Bush s’efforce de revenir aux origines du rythme. Celui du tam-tam, des battements de coeur, des sonorités tribales et slaves où violon, rhombe, mandoline, bouzouki et didgeridoo viennent se greffer sur des instruments électroniques et traditionnels. "The Dreaming" est un rêve éveillé, rempli de sons, de textures, de couleurs, mais "The Dreaming" malgré toutes ses qualités sera un échec commercial cuisant. Le disque deviendra par la suite un véritable objet de culte et tous les fans s'accordent aujourd'hui pour admettre que c'est le sommet de sa discographie. "The Dreaming" est une oeuvre d'art où Kate Bush change le registre sa voix, l’emmenant dans des tessitures graves, déchirantes, inédites, sur des morceaux d’une beauté fascinante. Un gros 5/5 qui j'espère vous donnera envie de rentrer dans le monde de Kate Bush.

Mélange de punk hardcore, de heavy metal et de rock indépendant, le grunge a surtout servi au début des années 90, de "tiroir" où les critiques ont pu classer facilement des groupes qui ne rentraient pas dans leurs cases pré-établies. C’est en 1992 qu’Alice in Chains sort l’album "Dirt". Un disque emmené par la guitare lourde et acérée de Jerry Cantrell et le chant de Layne Staley dont les textes torturés et mélancoliques rentreront dans la légende. Décrit par le chanteur comme étant un album à la fois beau, laid et sombre, "Dirt" est un exutoire où Layne Staley exprime le cercle nuisible que sa dépendance à l’héroïne lui a fait prendre. Solitude, colère, dépression et, surtout, addiction à l'héroïne et ses conséquences tel est le constat effrayant que le frontman, conscient de sa lente autodestruction dont il n’a de cesse de tenter de s’extirper sans succès, aborde au travers des textes de "Sickman", "Junkhead" et "God Smack". "Dirt" est aussi un disque émouvant, car dans un monde où la réussite fait figure de nouvelle religion, la fragilité de certains a été un fardeau trop lourd à porter ; et comme souvent dans ces cas-là, la drogue fût une réponse... Le 5 avril 2022, Layne Staley succombera à une overdose, 8 ans, jour pour jour après un certain Kurt Cobain. Un album à écouter et un gros 4/5 pour un disque d'une époque révolue, où grunge et metal passaient aux heures de grande écoute sur les chaînes généralistes.

En 1969, The Who sort un album concept qui raconte l'histoire d'un garçon sourd, muet et aveugle nommé Tommy. "Tommy" est considéré comme l'un des opéras rock les plus influents de tous les temps, mélangeant une musique puissante avec un récit complexe et introspectif. L'album présente un large éventail de styles musicaux allant des hymnes hard-rocking comme "Pinball Wizard" aux ballades acoustiques délicates comme "Listening to You". Les thèmes de "Tommy" explorent les traumatismes de l'enfance, l'illumination spirituelle et le pouvoir de la musique à guérir et à transformer. L'album est un véritable reflet socio-économique d’une époque d’après-guerre. Il reste à ce jour une oeuvre majeure dans le monde du rock et elle apportera aux Who et à son créateur, Pete Townsend, un statut de légende. Un 3/5 pour un album à écouter au moins une fois dans sa vie

En 1970, Paul McCartney lance sa carrière solo après avoir quitté les Beatles. Son premier album, simplement intitulé "McCartney", a mis en valeur son talent brut et ses prouesses d'écriture de chansons, libre des contraintes de son groupe précédent. Multi-instrumentiste, McCartney a joué de tous les instruments sur l'album, démontrant sa polyvalence musicale et son indépendance. Un album à écouter et un tout petit 3/5 pour un album qui ne restera pas dans mes annales.

En 1966, John Mayall propose à Eric Clapton de le rejoindre au sein de son groupe. Le résultat est un excellent album de blues rock nommé simplement "Blues Breakers With Eric Clapton" Eric Clapton, au sommet de son art, obtiendra d'ailleurs son surnom de "God" grace à cet album de 12 titres où il mélange les reprises (Ray Charles, Robert Johnson, Otis Rush) et des titres spécialement écris pour l'occasion. Dès le premier titre, Eric Clapton nous offre un son limite agressif et hyper saturé avec les potards à fond sur son ampli. De cet intermède musical entre les Yardbirds et Cream, il en résultera un chef d'oeuvre entre stoner, rythm’& blues et cuivres représentant l’apogée du blues-rock british. Un gros 3/5 pour un très bon disque de blues rock.

Lors de sa sortie en 1986, "Graceland" de Paul Simon a été acclamé par la critique grâce à son mélange harmonieux de rythmes et mélodies sud-africains et du style d'écriture de Paul Simon. "Graceland" est la rencontre de deux mondes, il est à la fois rétro et innovant, multiculturel et intime. Il reste le plus grand succès commercial de la carrière de Paul Simon. "Graceland" est sans conteste l'un des meilleurs albums des années 80 tous genres confondus et récupère un gros 4/5 pour un excellent album de World Music.

J'adore Eminem et noter l'un de mes albums préférés va être difficile tellement je prends du plaisir à chacune de ses écoutes. En 2000, quand "The Marshall Mathers LP" sort, ce fut l'effet d'une bombe. Comment un petit blanc sur 18 titres pouvez lancer des flows aussi dévastateurs ? Comment un blanc est arrivé si rapidement au même niveau que les pointures "black" du rap US ? Pour sortir du lot, le réponse est simple "I don’t do black music/I don’t do white music", comme il le précise sur le titre "Who Knews". "The Marshall Mathers LP" est avant tout un album de combat où tout le monde en prend pour son grade... "I make fight music, for high-school kids"... la presse, ses fans, ses collègues rappeurs, la musique pop en général, le gouvernement, sa mère, la télévision, sa petite amie, ses amis, sa maison de disques, la radio, d'autres membres de sa famille, Dieu, son propre moi. Eminem est provocateur, et pour la pousser à son paroxysme, il utilise et continuera à utiliser par la suite, son double "Slim Shady" dans des registres racistes, sexistes, misogynes, homophobes, narcissiques et xénophobes. Et même dans la pire des provocations, Eminem reste un artiste qui fait de la vulgarité une poésie. Reconnu pour avoir popularisé le hip-hop parmi les classes moyennes et supérieures des États-Unis, Eminem est considéré comme l'un des plus grands rappeurs de tous les temps. Sorti il y a plus de vingt ans, "The Marshall Mathers LP" n'a pas pris une ride, il est et reste un incontournable du rap américain et une pièce maîtresse dans la discographie d'Eminem (ex aequo pour moi avec "The Eminem Show"). Un gros 5/5 et si ma note vous déplaît... "So you can suck my dick if you don't like, my shit"

En 2000, Linkin Park débarque dans les charts avec le single fusion rap metal "One step closer" qui sera suivi par l'album "Hybrid Theory". Symbole des années 2000 et de la démocratisation du nu metal (fusion mêlant metal, hip-hop, electro, rock, funk et pop), "Hybrid Theory" est considéré comme un chef d'oeuvre par les fans et reste un énorme succès critique et commercial avec 27 millions de copies vendues à travers le monde. Pour ma part et après une écoute difficile de ce "Hybrid Theory", et malgré quelques légers dodelinements de la tête, j'ai surtout vu face à moi un album neo-métal commercial et aguicheur pour ados en manque de sensations. "Hybrid Theory" n'a donc rien de bien révolutionnaire, le groupe s'étant contenté de reprendre à son compte tous les ingrédients brassés par les Korn, Slipknot et autres Deftones. Au final, ce sera un petit 1/5, car je n'ai absolument pas accroché ce trip "nu metal".

Ce projet d'écouter 1001 albums (et quelques bonus) vient de m'apporter de nouveau une très belle découverte. Sorti en 2019, "GREY Area" de Little Simz est un album de rap anglais percutant. Avec un débit élastique, un flow nerveux, une voix uppercut et souple, cet album est un concentré parfait de modernité et d’influences old school. Produit par Inflo, cet album est tantôt brut et puissant, tantôt mélodique et envoûtant. Piochant dans des influences parfois punk, parfois R’n’B/Soul/Lounge, voire carrément horrifiques et cinématographiques, et même dans des sonorités qu’on penserait tout droit venues du continent asiatique, "GREY Area" surprend continuellement. Little Simz y aborde sa vie, ses propres névroses en faisant son auto-thérapie et, par la même occasion, en profite pour fermer quelques bouches. Elle assume également son énorme égo, et se défend de travailler dur et de ne pas avoir volé sa réussite. Au final, j'ai été agréablement surpris par cette artiste que je ne connaissais pas et je commence sérieusement à m'y intéresser en écoutant ses autres productions. Un beau 5/5

En 2007, sort le 1er album de MGMT "Oracular Spectacular" qui a connu un véritable buzz sur Internet et qui a fait une entrée fracassante dans le monde de la musique. La critique comme les fans se sont prosternés devant cette oeuvre indie-pop. Duo de la scène néo psyché de Brooklyn, le groupe joue une électro-pop psychédélique, portait par le single pardon l'hymne générationnel "Time to Pretend" puis par les tubes "Electric Feel" et "Kids". Une note de 3/5 pour un album d'une génération qui a marqué l'année 2008 et qui est considéré comme l'un des meilleurs albums de sa décennie.

Je ne suis pas un grand fan de techno ou d'électro, mais je ne suis pas réfractaire non plus au genre. Le plus souvent, je résume mes goûts dans l'électronica par une poignée de noms... Autechre, Underworld, Chemical Brothers, Fatboy Slim, Daft Punk, Portishead et j'en passe... donc pas de jungle, pas de trance goa, pas de house, pas de merde radiophonique... En 1997, Prodigy groupe de rave britannique sort "The Fat of the Land". Porté par les tubes "Breath", "Firestarter" et le très controversé "Smack My Bitch Up" aux paroles misogynes, "The Fat of the Land" a connu un succès commercial en devenant l'un des albums les plus influents du genre. "The Fat of the Land" reste une oeuvre révolutionnaire et emblématique dans l'histoire de la musique électronique avec textes contestataires, cadence infernale, guitares saturées et hip-hop subversif. "The Fat Of The Land" est la naissance d'une techno furieuse qui revisite le punk des années 70. Conçue pour être écoutée à des niveaux sonores que la raison ignore, la musique de Prodigy prend aux tripes quitte à s'en rendre malade avec son lot d'infrabasses. Un gros 4/5 pour un album à écouter très fort ;-)

L'album live de Muddy Waters, enregistré au Newport Jazz Festival en 1960, est doté d'une énergie débordante et de rythmes puissants. Il est tout simplement l'un des meilleurs albums de blues. Muddy Waters a été l'un des premiers à introduire la guitare électrique dans le blues, et cet enregistrement live est l'une des meilleures vitrines de son talent. Beaucoup d’artistes qui suivront (Rolling Stones, Jimi Hendrix, Led Zeppelin…) s’inspireront de ce blues électrique, sauvage et brut incarné par ce disque incontournable qui mènera vers le hard rock. Un gros 4/5 pour un grand album de blues.

En 1997, Talvin Singh, célèbre joueur de tabla et producteur, sort "OK" son premier album solo. Pionnier du genre "tabla-tronics", cet album est important dans la fusion techno/asiatique, car Talvin Singh mélange magistralement les instruments traditionnels asiatiques avec des "beats de bhangra" et des rythmes électroniques. Réinterprétation de musique classique indienne avec une abondance de flûtes, sitar et évidemment tabla, l'une des percussions les plus difficiles à jouer, "OK" est un album innovant qui prouve que le mélange de sons électro avec la musique classique asiatique est une des meilleures trouvailles musicales de ces dernières années. Pour autant et malgré sa production 5 étoiles, je n'ai pas accroché plus que cela cet album. Le voyage est là, le dépaysement musical aussi, mais j'ai trouvé que l'ensemble tournait en rond. J'ai eu l'impression étrange d'écouter le même morceau. Dans le genre fusion, je préfère beaucoup plus des groupes comme Asian Dub Foundation, Cornershop ou Badmarsh and Shri pour ne citer qu'eux. Un petit 3/5 pour un album à écouter au moins une fois dans sa vie.

Parmi les groupes "punk" de la deuxième moitié des années 70, il y a les incontournables "Sex Pistols", les plus commerciaux "Clash", et puis il y a les autres... Sorti en décembre 1977, le premier album de Wire est un chef d'oeuvre punk de 21 morceaux et 35 minutes (le morceau le plus court ne fait que 29 secondes). Album révolutionnaire et minimaliste, album fondateur de la culture punk, "Pink Flag" ouvrira par la suite la voie aux groupes "hardcore" avec ses 21 morceaux taillés à la hache. Plus de 45 ans après, "Pink Flag" reste toujours aussi frais et efficace et s'impose comme un bon et grand disque de punk anglais. Et nous prouve que le plus important n'est pas la musique en elle-même, mais plutôt comment on la joue. Un gros 5/5 pour un incontournable du punk Britannique.

Sorti en 1998, le deuxième album de Fatboy Slim, "You've Come a Long Way, Baby" est un mélange étonnant de rythme funky-house, de scratch et de boucles d'échantillons. Malgré son âge, "You've Come a Long Way, Baby" a résisté à l'épreuve du temps et reste une oeuvre agréable et influente dans le monde de la musique dance. Un 4/5 pour un album Big Beat, Scratch and Sample qui est (peut être) le chef d'oeuvre du style "Big Beat".

En 2003, Outkast sort "Speakerboxxx/The Love Below", un double album qui met en valeur le talent du duo d'Atlanta. D'un côté, nous avons, "Speakerboxxx" de Big Boi qui offre un rap old school, provocant et calibré. Big Boi frime, il la ramène, il nous parle de filles, de Cadillacs, de fringues et de godasses, parfois de choses plus sérieuses comme la guerre, le péché ou la solitude. De l'autre "The Love Below" d'André 3000, un album sur le thème de l'amour avec un grand A. Soit l'amour sous toutes ses formes, les crues, les touchantes ou les fleurs bleues. Un album expérimental qui nous rappelle par moment un certain Prince. "Speakerboxxx/The Love Below" est un album révolutionnaire et influent qui reste un point de repère dans l'histoire du hip-hop. Un gros 4/5 pour un album fou et créatif... Un gros 4/5 pour 2h15 de plaisir.

Sorti en 1993, son premier (*) album solo mélange des éléments de dance, de jazz et de pop. (* le 2eme si on compte son disque enregistré en 1977 quand elle avait 12 ans). "Debut" est un album qui alterne singles efficaces et qu'on retient encore après autant d'années ("Human Behaviour", "Venus as a boy", "Violently Happy" ou "Big Time Sensuality") et des titres beaucoup plus anecdotiques. Si musicalement, "Debut" a pris un coup de vieux, il reste avant tout un beau témoignage de la naissance d'une artiste qui deviendra l’une des plus importantes de son époque, entre pop expérimentale, rock et musiques électroniques. Un 4/5 pour un album à découvrir.

Sorti en 1974, "Country Life" le 4e album de Roxy Music est un mélange de glam rock, d'art rock et de pop. Malgré sa pochette controversée, qui a été interdite aux États-Unis. L'album qui explore les thèmes de l'hédonisme, du désir et de la poursuite de sensations fortes, a été encensé par le public. Album audacieux, "Country Life" est un très bon album, plus dense que son prédécesseur, et qui est le dernier de la grande époque du groupe. Un 3/5 pour un classique du glam rock.

Après le carton mondial du single "Creep" extrait de leur 1er album, Radiohead sort en 1995 "The Bends" qui a marqué les esprits avec un changement radical vers le mouvement rock artistique expérimental et progressif. Avec son chant plus affirmé et ses compositions plus solides, Radiohead a confirmé ses prouesses musicales en laissant une marque indélébile dans le paysage musical. Avec ses explorations musicales, "The Bends" est un chef d'oeuvre au même titre que leur album culte "OK Computer". Un 5/5 pour un album majeur des années 90.

En 1966, The Monks (groupe de GI américains basé en Allemagne) a sorti "Black Monk Time" son seul et unique album. Pionniers du proto-punk, du proto-krautrock et du proto-VU, ce groupe au style provocateur (tout de noir vêtu et avec une tonsure de moine) a ouvert la voie à des centaines de groupes qui officieront par la suite dans des styles pourtant très éloignés les uns des autres. Cités en tant que référence autant par les White Stripes que par The Fall (excusez du peu), leur musique décomplexée et très corrosive pour l’époque au son très brut fait des Monks un excellent groupe de rock garage voir un groupe punk avant l'heure. Voix déglinguée, paranoïaque ou explosives, guitares saturées, enregistrement lo-fi et rythmique en avant, les Monks se font plaisir en jouant leur musique. Comme les Beatles, ils ont joué dans les mêmes salles de concert et les mêmes bars à putes d'Hambourg et certainement attrapé les mêmes maladies vénériennes. Mais à la différence des Beatles, ils resteront totalement inconnus du grand public. Un album à écouter, un groupe à découvrir et un joli 4/5... Allons, soyons fou et rendons à César ce qui appartient à César… Ce sera à un beau 5/5.

Le premier album éponyme de The Specials, sorti en 1979 résume parfaitement avec leur mélange de ska, de punk, de reggae, de rocksteady et de dancehall, le mouvement ska 2-Tone. Avec des titres comme "A Message to You Rudy", "Do the dog", "(Dawning of A) New Era", "Too Much Too Young" et l'immense "Monkey Man", l'album est un condensé de tubes. Dans l'ensemble, le premier album de The Specials est un classique intemporel avec sa musique contagieuse et ses paroles engagées. L'album est un incontournable pour les fans de ska, de punk et de reggae, ainsi que pour tous ceux qui s'intéressent à l'histoire de la musique et de la culture britanniques. Un gros 4/5 et pour continuer l'aventure du Ska, je ne peux que vous inviter à piocher dans des labels comme Trojan Records, Studio 1 et 2 Tone Records pour ne citer qu'eux.

Jimmy Smith, le pionnier du "soul jazz", a connu dans les années 60 un immense succès chez Blue Note Records. "Back At The Chicken Shack" sorti en 1963 en est le parfait exemple. Il met en vedette son Orgue Hammond ainsi que les talents du saxophoniste Stanley Turrentine et du guitariste Kenny Burrell et propose un album intemporel. Un bon album à écouter au moins une fois dans sa vie et un 2/5, car malgré la présence de bons titres, l'album dans l'ensemble ne m'a pas plus enthousiasmé que cela.

En 1983, ZZ Top sort son 8eme album "Eliminator", qui est certainement l'album le plus connu du groupe avec son mélange de guitares blues, de synthétiseurs et de séquenceurs. "Eliminator" a été un tournant important dans leur carrière, en leur apportant un immense succès commercial et une reconnaissance mondiale. Car "Eliminator" est une usine à hits avec cinq singles dont trois qui vont terminer leur course dans le top 10 des charts américains. Et avec les vidéos qui ont tourné en boucle sur les chaînes américaines, ZZ Top a changé carrément de statut en devenant un groupe énorme. Mais "Eliminator" n'est pas un excellent album, "Eliminator" est juste un bon album de Boogie Rock. Il n'ira donc pas au-dessus d'un 3/5

Formé en 1988 par Stephen Malkmus, Pavement sort en 1994 son 2e album "Crooked Rain, Crooked Rain". "Crooked Rain, Crooked Rain" est un album fantastique et avec des titres comme "Gold Soundz", "Silence Kit", "Cut Your Hair" et "surtout "Range Life", Pavement a pris à contre-pied la scène grunge du début des années 90 et a fait de cet album un indispensable. Pavement, le groupe le plus cool des années 90 a sorti avec "Crooked Rain, Crooked Rain" des chansons pop, mélodiques, décontractées et biscornues aux influences californiennes, surf-pop, surf rock. "Crooked Rain, Crooked Rain" est un album majeur des années 90, un album plus travaillé, mieux produit avec un son un peu moins crade que le précédent, mais bien plus puissant. Un beau 5/5 pour un album indispensable.

En 2004, les Scissor Sisters ont sorti leur 1er album qui est un mélange de pop, de disco et de rock. Avec des influences aussi multiples que les Bee Gees, David Bowie, Elton John, Queen, Chic... Leur premier album nous donne, dès les premières secondes, une folle envie de nous déchaîner sur les dance floor. Bourré de tubes en puissance, ce premier album est une machine ouvertement gay, exubérante et flamboyante. Un excellent premier album et un gros 4/5

1970 est l'année de ma naissance, mais surtout en ce qui nous concerne, l'année de sortie de "Cosmo's Factory" le 5e album de Creedence Clearwater Revival. "Cosmo's Factory" résume à lui seul toutes les facettes du groupe un mélange de rock, de blues et de country. En alignant un nombre stupéfiant de classiques intemporels, l'album offre l'image d'un groupe au sommet de son art. "Cosmo's Factory" reste un immense succès populaire et donne au rock (de bouseux) ses lettres de noblesse. Un grand disque que je ne peux que conseiller et un grand 4/5

Je ne suis pas un grand fan des guitar hero comme Santana, mais je dois bien l'avouer, il est un excellent guitariste et son 2e album reste un classique. Sorti en 1970, soit 1 an après sa révélation auprès du grand public lors du festival de Woodstock. L'album est un mélange de musique latine, de jazz, de salsa et de solos aux accents psychédéliques. 3 des meilleurs morceaux de Santana sont disponibles sur l'album, "Oye Como Va", "Samba Pa Ti" et "Black Magic Woman". Un 3/5, car comme précisé je ne suis pas un grand fan des guitar hero.

En 1973, l'album "Head Hunters" a marqué la carrière d'Herbie Hancock en le propulsant des clubs de jazz enfumés à la célébrité. Album Jazz-Funk par excellence, "Head Hunters" est surprenant, envoûtant, mélodique, voir même psychédélique à certains moments. Je ne suis pas un grand amateur de jazz, et même si je ne suis pas hermétique non plus. "Head Hunters" reste un bon album, mais je n'ai pas accroché plus que cela. Un 2/5 pour un disque à écouter au moins une fois dans sa vie.

Sorti en 1996, le premier album du trio new-yorkais Fun Lovin' Criminals, intitulé "Come Find Yourself", a eu un énorme impact sur la scène musicale avec son mélange de beats hip-hop, de rock et de blues. Porté par leur premier single "Scooby Snacks" (célèbre pour ses extraits des films Reservoir Dogs et Pulp Fiction de Tarantino), l'album a rapidement atteint le sommet des charts. Un album qui (presque) 30 ans après n'a pas pris une ride et qui se doit d'être découvert. Un 3/5 pour un bon album de rap rock.

Groupe incontournable dans l'histoire post-70, Depeche Mode est devenu au fil des ans un groupe culte. En 1990, "Violator" sort dans les bacs et propose un album très sombre en abordant les thèmes du sexe, de la dépendance, de la culpabilité et des conséquences des mensonges. Considéré comme une référence pour sa fusion entre danse, rock gothique, synth-pop, funk Motown et rock'n'roll. "Violator" est considéré par les fans comme leur meilleur album voir comme un chef d'oeuvre. Album de la maturité, "Violator", en enfonçant les clous du cercueil des années 80, a permis à Depeche Mode de rentrer dans les années 90 par la grande porte. Un gros 4/5 pour un album de référence.

En 1971, sort "Tapestry" le 2e album de Carole King qui met en évidence la transition d'une auteure-compositrice à succès à une auteure-compositrice-interprète célèbre, rompant par la même occasion la chaîne de production conventionnelle de l'époque. "Tapestry" est un joyau de la pop et un chef-d’oeuvre de la musique américaine. La performance vocale de haute volée de Carole King s’impose comme une véritable claque envers toutes les pseudo-chanteuses des 30 dernières années, ces fameuses chanteuses kleenex que les médias nous abreuvent. "Tapestry" reste un classique intemporel totalement indémodable, un album référence. Il a été aussi l'album solo le plus vendu de tous les temps jusqu'en 1982 et la sortie de "Thriller" de Michael Jackson. Un 4/5 pour un excellent album et un grand classique de la musique américaine.

Sorti en 1977, "Out of the Blue" de Electric Light Orchestra est un album de rock orchestral avec sons synthétiques et vocodés. "Out of the Blue" est également la meilleure contrefaçon des Beatles avec les mêmes enchaînements harmoniques, les mêmes mélodies, les mêmes arrangements et par moment le même timbre de voix. Au final et après une écoute (difficile), je ne conseille pas cet album que j'ai trouvé trop long et trop mou. Un 2/5 pour un album pompeux et prétentieux.

En 2002 sort le premier album de The Coral qui est un incroyable album fourmillant d'idées et de créativité. Album jeune et plein de fougue grâce à son mélange de mariachis mexicains, de psychédélisme californien, de dub jamaïcain, de groove drogué de Madchester, de pop scintillante de Liverpool, de rock extrême. Cet album lors de sa sortie fut une véritable bouffée d'air pur. Un premier album à découvrir et un gros 4/5

Le premier album éponyme du supergroupe de folk-rock Crosby, Stills and Nash, sorti en 1969, est un classique du rock américain. L'album contient certaines des chansons les plus connues du groupe, dont la chanson d'amour épique "Suite : Judy Blue Eyes", la chanson folk-pop "Pre-Road Downs", et la puissante mise en accusation de l'assassinat de Robert Kennedy "Long Time Gone". Un 3/5 pour un bon album à écouter, mais que je trouve en dessous du très bon "Déjà Vu" sorti sous le nom Crosby, Stills, Nash & Young

Pour une fois, je vais commencer directement par la note en mettant un tout petit 1/5 Pourquoi cette note ? J'ai toujours aimé les albums live, car ils offrent une prestation brute et sans filtre d'un groupe. Une prestation qui se veut excellente car elle sera gravée dans le marbre pour l'éternité. J'aime beaucoup les enregistrements live (officiels ou non) mais ceux des groupes que j'affectionne au plus haut point et dont je connais leur discographie. Ceci afin de pouvoir situer un titre sur un album ou une époque ou le rapprocher d'un souvenir voir d'un sentiment (comme une petite madeleine de Proust). L'album des Who "Live at Leeds" sorti en 1970 et tout l'inverse de ce que j'ai précédemment avancé. Les Who sont pour moi un groupe anecdotique, et même s'il est et restera un grand groupe qui a toute sa place dans l'histoire du rock. J'ai vaguement écouté leur discographie et j'ai d'ailleurs posé un petit 3/5 au fameux "Tommy" qui est juste un bon album. Les Who ne me représentent pas, car ils n'appartiennent pas et surtout, ils n'appartiendront jamais à la bande son de ma vie donc le "Live at Leeds" est pour moi sans aucun intérêt et il ne mérite pas plus que 1/5. Je pourrai finir en paraphrasant la chanson "My Generation", mais à celle-ci, je préfère l'une de ma bande son : Burn down the disco Hang the blessed DJ Because the music that they constantly play It says nothing to me about my life Hang the blessed DJ

U2 c'est un peu mon côté bipolaire, d'un côté, j'adore le groupe pour ses nombreux morceaux emblématiques et de l'autre, je le déteste pour ce qu'il est devenu. En 1991, quand U2 sort "Achtung Baby", nous n'attendons plus plus grand chose d'eux à part un air de déjà vu. Mais quelle erreur car "Achtung Baby" apporte un changement significatif à la ligne créatrice du groupe avec ses influences électroniques et industrielles. Dès le 1er titre de l'album, le ton est donné et avec sa guitare déformée et ses voix abrasives, l'album se veut comme un pont entre les années 80 et la décennie à venir. Enregistré à Berlin, "Achtung Baby" est une réelle prise de risque. Album froid, théâtral, industriel et accouché difficilement et dans le doute, il est aussi l'album le plus courageux de la discographie du groupe. Une note de 5/5 pour le meilleur album du groupe ou (selon moi) le meilleur ex aequo avec "The Joshua Tree". Petit bémol tout de même, l'album manque cruellement d'énergie. Seul "Acrobat" sur ce point sort du lot en offrant une rythmique digne de ce nom.

Sorti en 1987, l'album "Introducing the Hardline According to Terence Trent D'Arby" de Terence Trent D'Arby est un album remarquable de Soul Music et ceci malgré l'arrogance de l'artiste. Arrogant, l'artiste l'est par ses déclarations... "Mon album est meilleur que le Sergent Pepper's des BEATLES", "Je suis un génie"... et suite à celles-ci, la presse l'attendra au tournant et ne le loupera pas pour son 2eme album. Mais revenons au 1er album qui avec son écriture exceptionnelle, sa voix soul et sa production de premier ordre, en font un chef d'oeuvre intemporel. Véritable succès commercial et acclamé par la critique, l'artiste sera récompensé d'un Grammy Award pour la meilleure performance vocale R&B masculine. Un 4/5 pour un excellent album de Soul à écouter ou à découvrir.

3 mois après que Janis Joplin ait décidé (2 semaines après Jimmy Hendrix), d'arrêter sa carrière pour faire son entrée dans le club très sélect des 27 (comme Hendrix d'ailleurs et Morrison quelques mois plus tard); "Pearl" sort en 1971. Considérée comme la plus grande chanteuse de rock, soul et blues des années 60, Janis Joplin nous livre avec "Pearl" dix titres incontournables qui bénéficient d’une superbe production qui met parfaitement ses qualités vocales en avant. "Pearl" est son chef-d'oeuvre. Un disque testament, rempli de titres iconiques et qui sont parmi les meilleurs qu'elle aura jamais enregistrés. Baptisé Pearl en référence au surnom qui était donné à l'artiste, l'album présente sa voix unique qui se brise sur des titres rock, soul, folk, country et bien entendu blues. Sur "Pearl", c'est la diversité qui domine comme pour nous prouver que sa voix s'adapte à tous les genres. Pearl est toujours 50 ans après un grand disque de blues rock soul psychédélique et à qui je donne une note de 4/5

En 1977, sort le premier album de Television "Marquee Moon". Television c'est l'un des groupes les plus fascinants de la période punk et "Marquee Moon" c'est l'excellence du rock new-yorkais. Television c'est aussi un ovni dans le paysage punk de l'époque. Pas vraiment punk, pas complètement rock, flirtant avec le jazz, Television c'est avant tout une esthétique post-punk mélodique. Television c'est aussi un jeu de guitare extraordinaire de deux solistes. Quand la guitare de Tom Verlaine, torturée et chaotique rencontre celle de Richard Lloyd, lumineuse bien que plus classique. Le mélange des deux procure une atmosphère à la fois sereine et bucolique, alternant arpèges, riffs et solos. Un 5/5 pour un album culte d'un groupe encore beaucoup trop méconnu du grand public.

Sorti en 1982, l'album "Rio" de Duran Duran a propulsé le groupe vers la célébrité mondiale grâce à des titres emblématiques comme "Rio", "Hungry Like the Wolf" et "Save a Prayer". L'album est un mélange de pop et de new wave grâce à ses mélodies accrocheuses, ses rythmes dansants et sa production soignée. Un très bon disque et peut être le meilleur album du groupe, un 3/5 pour un disque à découvrir.

En 2000, sort "Kid A" le chef d'oeuvre expérimental de Radiohead. Musique introspective et minimaliste, travail sur la texture du son, effets électroniques, "Kid A" signe l'abandon du rock au profit d'une approche expérimentale. Avec un son détaché, clinique, dépourvu de structures de chant traditionnelles et motivé par une énergie rythmique. "Kid A" intègre des influences de la musique électronique, en particulier des artistes de Warp Records, et présente des instruments non-conventionnels. "Kid A" est un album exceptionnel qui demande de nombreuses écoutes avant d'apprécier à sa juste valeur les différents morceaux. Un beau 5/5 pour un véritable ovni de musique avant-gardiste.

Sorti en 1975, l'album "Red Headed Stranger" de Willie Nelson est considéré comme une oeuvre majeur dans la musique country. Album conceptuel sur un prédicateur en fuite après avoir assassiné sa défunte épouse et son nouvel amant, "Red Headed Stranger" est conté à l'aide de brefs poèmes. Ses arrangements épurés mettent en valeur la voix pleine d'émotions de Willie Nelson et le récit captivant, qui explore les thèmes de l'amour, de la perte et de la recherche du réconfort. En 1975, rien de tel n'avait été tenté dans le genre country et malgré l'inquiétude de Columbia, l'album s'est vendu à des millions d'exemplaires en se classant numéro 1 dans les charts country. Un beau 4/5 pour l'un des meilleurs albums de Willie Nelson. Un beau 4/5 pour du pur americana.

Sorti sur l'excellent label Warp en 1998, l'album "Music Has the Right to Children" de Boards of Canada reste à ce jour leur album le plus facile d'accès. "Music Has the Right to Children ", c'est 17 morceaux que l'on écoute sans le moindre effort. Des boucles qui se répètent, des beats lents, des touches subtils de synthé, des voix robotiques et métalliques, un sample de Sesame Street. La mélancolie profonde des morceaux ravive des souvenirs d'enfance et nous touche en plein coeur. La froideur de la pochette se retrouve dans la quasi-intégralité des titres avec son atmosphère glaciale. Suite à cet album, Boards Of Canada est devenu une énorme source d’inspiration et de respect. Un album hors du temps et un gros 5/5 pour un pur moment de bonheur.

En 1968, sort "In-A-Gadda-Da-Vida" de Iron Butterfly. Grâce à cet album, Iron Butterfly se détachera immédiatement des autres formations de rock psychédélique et marquera par la même occasion le rock, grâce à son titre principal de plus de 17 minutes. Pour le reste de l'album, les morceaux sont intéressants, mais ils seront toujours systématiquement supplantés par le terrible morceau qui a attiré toutes les attentions et qui continue à fasciner encore des décennies plus tard. Au final un 2/5 pour un album qui a marqué l'histoire grâce à un seul titre mais qui dans l'ensemble a bien mal vieilli.

Sorti en 1968, "Electric Ladyland" a marqué un moment charnière dans la carrière de Jimi Hendrix, mettant en valeur son génie musical et sa liberté créative. Malgré les défis des tournées sans fin et le départ de son manager, Hendrix a canalisé son énergie dans la création d'un album exceptionnel. L'album explore tous les genres qu’affectionne le guitariste. La soul, le blues, le rock, le psychédélisme, la pop et enfin le funk. L'album contient deux titres épiques qui résument les divers talents de Hendrix : "Voodoo Chile" (une jam session de 15 minutes), tandis que "1983... (A Merman I Should Turn To Be) est un chef-d'œuvre psychédélique avec des éléments expérimentaux. Un gros 4/5 pour un album majeur.

Sorti en 1981, le premier album des Go-Go's "Beauty and the Beat" est un excellent album pop/punk. Né de la vague punk, c'est à Los Angeles que The Go-Go’s (groupe 100% féminin) a pris à rebours les attentes du public punk en s'orientant vers un son plus pop et des chansons accrocheuses. "Beauty and the Beat" est un album efficace qui a bien supporté le poids des années. Un album entre power pop, surf rock et riot grrrls, un mix entre pop et punk. Un album qui 40 ans après est toujours aussi frais et qui gagne un joli 4/5

Sorti en 1983, "Hearts and Bones" de Paul Simon est, bien qu'il soit un échec commercial, l'un des albums les plus personnels et ambitieux. Musicalement, l'album mélange les diverses influences de l'artiste, jazz fusion, doo-wop et rock & roll tout en incorporant des sons contemporains grâce à ses collaborations avec le producteur de musique de danse Nile Rodgers et le compositeur minimaliste Philip Glass. L'album le plus sous-estimé de Paul Simon, offre une exploration unique de la croissance personnelle et de l'expérimentation musicale de l'artiste. Un beau 4/5 pour un chef d'oeuvre sous-estimé.

Sorti en 1994, "Dookie" de Green Day est un classique punk-pop qui en 15 morceaux et 38 minutes offre une attitude punk, des guitares bruyantes, des basses funky et des paroles énervées. 30 ans après, l'album garde, surtout si vous étiez en ce temps-là le genre à aimer le rap mais sans plus et qui ne pouvait saquer les musiques électroniques, une place dans ce pays merveilleux qu’on appelle la nostalgie. Mais la nostalgie ne fait pas tout, car les 15 morceaux offrent sensiblement la même recette. Il y a bien quelques variations de tempo, quelques approches un peu différentes, mais ça ne sert pas à grand chose, car au final, l'album est devenu au fil du temps trop gentil. Au final, "Dookie" est juste un bon album quand on est jeune en 1994 car en 2024, on devient un vieux con qui attend autre chose d'une bande de gosses. Une note qui tourne autour de 3/5

Sorti en 1994, le premier album de Portishead "Dummy" est une expérience sonore unique et immersive. Avec ses paysages sonores étranges, son électronique troublante et la voix obsédante de Beth Gibbons, l'album vient de fêter ses 30 ans. Malgré sa nature non conventionnelle, "Dummy" a connu un succès commercial et a été acclamé par la critique. Il reste une oeuvre déterminante du genre trip hop et continue de captiver les auditeurs par son originalité et sa profondeur émotionnelle. Grâce à "Dummy", Portishead est devenu l'un des groupes les plus innovants et influents des années 1990. Un beau 5/5 pour album novateur.

Encore une belle découverte avec "São Paulo Confessions" l'album posthume de Suba. Sorti en 1999, "São Paulo Confessions" met en valeur le travail de Suba qui est de mélanger des sons traditionnels avec des techniques de production modernes soit une musique électronique imprégnée de rythmes brésiliens, de bossa nova et d'acid jazz. "São Paulo Confessions" a contribué à établir la scène électronique brésilienne et 25 ans après sa sortie, il continue d'être une référence pour les musiciens qui cherchent à mélanger la musique électronique avec des sons organiques. Un gros 4/5 pour un très bon album innovant.

Sorti en 1986, "So" de Peter Gabriel est considéré comme l’un de ses meilleurs albums. Album de tous les tubes avec "Sledgehammer", "Don't Give Up", "Big Time", "Red Rain" et "In Your Eyes", on retrouve dans "So" le sens mélodique de Peter Gabriel, ainsi que l’influence de la musique africaine, de la pop jangly et de la soul music, apportant à sa musique une fraîcheur nouvelle. Un 4/5 pour l'un des meilleurs albums de Peter Gabriel.

Sorti en décembre 1965 (soit juste à temps pour Noël), le 6eme album des Beatles "Rubber Soul" est l'album de la maturité. Après l'excellent "Help" qui sonnait comme une apothéose de la première partie de leur carrière avec de grands titres pop, les Beatles décident d'être encore plus inventifs et audacieux avec "Rubber Soul". Nouvelles structures musicales, nouveaux instruments, nouvelles techniques, nouvelle coupe de cheveux… Les Beatles sont en profonde mutation. "Rubber Soul" expérimente pour la première fois le son nasillard et acide de la pédale fuzz pour jouer les lignes de basses et les instruments exotiques (sitar et bouzouki). L’album est une nouvelle base sur laquelle le groupe s’appuiera pour enregistrer "Revolver", "Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band" ou encore "The Beatles". Un 4/5 pour l'album de la maturité.

L'album "C'est Chic" de Chic sort en 1978 et il est immédiatement salué par la critique comme étant l'un des meilleurs albums des années 70. Presque 50 ans plus tard, l'album a pas trop mal vieilli. Album incontournable de la musique "black" avec ses arrangements soignés, l'album respecte à la fois les codes de la musique "soul" et qui est, de surcroît, une véritable machine à danser. Porté par le tube planétaire et indémodable "Le Freak", l'album est un exemple convaincant de musique faite pour bouger son corps. Un 3/5 pour la bande-son d’une époque de liberté avec la pilule et avant le sida où Noir·e·s, Blanc·he·s, homos et hétéros se frottaient sur la piste.

Avec ses paroles positives, inspirantes et son ambiance décontractée, le premier album de A Tribe Called Quest contraste fortement avec les thèmes agressifs et violents de la musique rap de la fin des années 80. Sorti en 1990, "People's Instinctive Travels & The Paths of Rhythm" est un album ambitieux avec une approche innovante grâce à des lignes de basse, des percussions, des cuivres et des samples de jazz. L'album a considérablement influencé les artistes hip-hop et les techniques de sampling devenant par la suite une référence. Malgré quelques morceaux en deçà, l'album est considéré par beaucoup comme l'un des meilleurs de A Tribe Called Quest, il met en valeur le talent, le style et les compétences individuelles des MC Q-Tip, Phife Dawg et Jarobi. Un 4/5 pour un album de rap innovant.

Sorti en 2010, le 5eme album de The National, "High Violet" est un album à la fois sombre et chaleureux. La voix rauque et désenchantée du chanteur est accompagnée par des guitares évoluant en spirales aériennes et des rythmes à la fois martiaux et souples. "High Violet" est un chef d'oeuvre de pop rock sombre et mélancolique lardé de post rock et de touches bruitistes. Un gros 4/5 pour un album à découvrir.

Malgré la présence de 2/3 titres qui sortent du lot, j'avoue que l'album éponyme de The Band m'a dans l'ensemble laissé de marbre. Sorti en 1969 en pleine guerre du Vietnam, les chansons de l'album résonnent avec des thèmes liés à la guerre civile, à la famine et au malheur. Un album agréable à écouter mais dont la production a bien mal vieilli. Un 2/5 pour un classique du roots rock américain.

Sorti en 1994, le premier album de Nas, "Illmatic" est considéré comme un classique du hip-hop, mettant en valeur les compétences lyriques et narratives de l'artiste. Avec 10 morceaux en 39 minutes, "Illmatic" propose une cohérence avec des morceaux qui se suivent et s'emboîtent facilement. "Illmatic" est un album intemporel, qui à l'inverse de nombre d'albums de rap ne vieillit absolument pas. Un album sans aucune fausse note, avec un tempo et un flow qui nous prend pour ne plus nous lâcher. Un gros 4/5 pour un album mature.

Sorti en 2002, le 2eme album de Doves "The Last Broadcast" offre une musique douce, parfois cotonneuse, psychédélique et chargée de mélodies superbes. "The Last Broadcast" est un album pop comme seuls les Anglais savent en faire, un album pop classique et indémodable. Un 3/5 pour un album à découvrir.

Album sombre et torturé, pièce maîtresse dans la longue discographie de The Cure, "Pornography" sort en 1982. "Pornography" est une exposition brute de désir, de sexe, de violence et de mort. Premier ou troisième volet d'une trilogie débutée ou terminée par celui-ci (nous ne savons plus vraiment), je peux sans erreur affirmer que "Pornography" est la fin d'un triptyque commencé par "Seventeen Seconds", triptyque constituant la "période noire" du groupe. "Pornography" avec ses percussions martiales, froides, répétitives, ses guitares distordues, sa basse omniprésente, offre une expérience sonore rarement atteinte dans la discographie du groupe. Il reste à ce jour l'album le plus difficile d'accès. "Pornography" à travers ses textes et sa musique est un album noir, malsain, torturé et déprimant. "Pornography" est à l'image de son créateur, un Robert Smith dépressif et paranoïaque qui ne voyait qu'une réponse à son mal être soit se suicider soit exorciser ses démons à travers cet album. Un 5/5 pour l'un des meilleurs albums du mouvement coldwave, un 5/5 pour l'un des meilleurs album des années 80 et un 5/5 pour l'un des meilleurs albums du groupe.

Créé sur les cendres de Human League, Heaven 17 sort en 1981 son premier album "Penthouse and Pavement". "Penthouse and Pavement" possède une particularité, car il est à la fois un vrai album et une démo, un vivier de singles et un terrain de jeu. Album (presque) fini pour la face A, album expérimental pour la face B, "Penthouse and Pavement" s'appuie sur un son Synthpop ou électro-pop. Au final, "Penthouse and Pavement" est un disque plus intéressant qu'agréable. Une note de 3/5 soit une note presque finie ou une note expérimentale.

"Here's Little Richard" est le premier album de Little Richard, sorti en 1957 et il faut bien avouer qu'à l'époque personne n'avait jamais rien entendu de tel. Avec ses hurlements, son piano cavaleur, son enthousiasme contagieux et ses tenues flamboyantes, il inventait avec quelques autres le rock'n'roll. Avec son hit dévastateur "Tutti Frutti", Little Richard fut le premier à recevoir des petites culottes durant ses shows, dès 1956, quand ce n'était pas des spectateurs rendus fous qui tentaient de sauter des balcons. Un 3/5 pour un pilier du rock'n'roll.

Je n’aime pas les Beatles ou plus exactement, je supporte les Beatles dans mon paysage musical. Excepté l’album “Blanc” et quelques morceaux deci delà, je n’ai jamais trouvé une quelconque raison à m’adonner au culte des 4 de Liverpool. L’album “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” sorti en 1967 ne m’a pas estomaqué et excepté 2 voir 3 morceaux qui sortent du lot, je n’arrive pas à comprendre l’engouement que cet album suscite 60 ans après sa sortie. Malgré sa complexité et sa recherche créatrice, malgré la cohérence entre les titres, je ne suis pas fan du travail accompli. Malgré son classicisme, l’album innove avec ses textures psychédéliques car l’album “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band” incorpore des éléments de la tradition anglaise avec l’exotisme oriental. Un 3/5 pour un album à découvrir.

Pas un grand disque mais un bon disque, voici comment je pourrais résumer cet avis. Sorti en 1974 sur le label Motown, "Fulfillingness' First Finale" de Stevie Wonder est le quatrième des cinq albums réalisés pendant sa "période classique" au cours des années 1970 avec "Music of My Mind", "Talking Book", "Innervisions", et "Songs in the Key of Life". Loin de l'étiquette de "black music (trop reductrice), "Fulfillingness' First Finale" propose avec ses rythmes latinos, samba funky, reggae, funk, cool, soul/swing, gospel, un "bon" disque mais moins énergique, moins cohérent, moins parfait que "Innervisions". Un disque qui commence à exploiter les sons électroniques et synthétiques et la programmation du moog. Un bon disque à écouter et à découvrir et une note de 3/5

Le premier album de Patti Smith, "Horses", sorti en 1975, est un mélange de poésie, de spoken word et d'énergie musicale brute. Produit par John Cale, "Horses" présente la voix puissante de Patti Smith et ses paroles personnelles qui explorent les thèmes du sexe, de la religion, de la mort et de l'aliénation. "Horses" comprend des morceaux remarquables comme le provocateur "Gloria : In Excelsis Deo", "Redondo Beach" infusé de reggae, et l'épopée "Land : Horses", inspiré de Hendrix. Avec son mélange de rock and roll brut, de paroles poétiques et de narration intensément personnelle, "Horses" est considéré comme un album marquant des années 70. Un beau 4/5 pour un album majeur des années 70.

Après Method Man et Ol’ Dirty Bastard, Raekwon est le troisième membre du Wu-Tang à sortir, le 1er août 1995, son album solo produit par RZA. Considéré comme l'un des plus grands albums de rap de tous les temps, "Only Built 4 Cuban Linx…" met l'accent sur la mafia américaine et le crime organisé. Pionnier du rap mafioso, "Only Built 4 Cuban Linx…" a eu un impact énorme sur la production musicale rap des années 2000. L'album propose un arc narratif qui suit Raekwon et les autres membres du groupe comme des criminels naviguant dans le trafic de drogue, la production de RZA est elle fortement influencée par les films de John Woo, créant un paysage sonore sombre et cinématographique. "Only Built 4 Cuban Linx…" est un classique du Clan qui, comme tous les classiques du Clan, est un classique du rap. Un beau 4/5 pour un album majeur du rap US.

En 2004, le plus sombre des compositeurs rock contemporain sort le double album "Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus". Un double album qui comme les deux faces d'une même pièce, montre les deux visages de Nick Cave. D'un côté "Abattoir Blues" est son rock intense, incantatoire et rageur. De l'autre "The Lyre of Orpheus" qui est majoritairement composé de ballades. Au final, ce sera un 4/5 pour un double album qui aurait mérité d’être condensé en un seul disque d’une petite dizaine de chansons... Car sur 18 morceaux, seul un petit nombre peuvent être qualifiés de vraiment indispensables.

Sorti en 1956, le "Ellington at Newport" de Duke Ellington, a relancé sa carrière en déclin. Duke Ellington est un génie musical dont la carrière a été confrontée à des limitations raciales et esthétiques quand il s'est produit au Newport Jazz Festival. En effet le début de sa performance a eu lieu face à un public indifférent. Celle-ci a néanmoins changé d'une façon spectaculaire quand a été présenté une pièce de blues mettant en vedette le solo de saxophone ténor de Paul Gonsalves. Cette performance de Newport a marqué un moment important dans la carrière de Duke Ellington, démontrant sa résilience artistique et le pouvoir durable de sa musique pour captiver et unir un public diversifié. Au final ce sera un 2/5 pour un disque à découvrir.

Sorti en 1956, "The Wildest !" de Louis Prima est un disque où règne le swing, la bonne humeur et le plaisir. L'album emmené par le titre "I just a gigolo", offre des versions retravaillées des plus anciennes chansons de Louis Prima comme "The Lip" et "Oh Marie", ainsi qu'un remake de son single de 1950, "Buona Sera". Suite à sa performance en 1954 au Sahara de Las Vegas, Walt Disney lui offrira le rôle du Roi Louie du Livre de la jungle. Un beau 4/5 pour un bon disque de jazz plein de bonne humeur.

Le premier album de The Good, The Bad & The Queen, nouveau super groupe avec Damon Albarn (Blur), Paul Simonon (The Clash), Simon Tong (The Verve) et Tony Allen (batteur de Fela Kuti), sort en 2007. Ce premier album se veut comme un "Parklife 2" centré sur la vie dans l’Ouest de Londres et se révèle être une collection de chansons mélancoliques, à l’ambiance feutrée. L'album est servi par un son aéré, inventif et produit par Danger Mouse qui a su insuffler une chaleur soul aux compositions de Damon Albarn. Mais ce disque de ce "super-groupe" tourne un peu en rond et ne décolle jamais vraiment et les morceaux donnent parfois l'impression de se ressembler tous un peu. Au final, ce sera une note mitigée de 4 sur 5 car même si l'album ne décolle jamais vraiment, il reste plaisant à réécouter.

En 2009, sort le 3e album des Yeah Yeah Yeahs "It’s Blitz !". L'album produit par David Sitek, le sorcier de TV On The Radio tranche radicalement avec les deux précédents. Adieu la période "guitare ", car l’électronique et des sonorités eighties sont venues s’inviter sur une grande majorité des morceaux. Malgré un son électro-pop entrainante, je ne sais pas sur quel pied je dois danser. Il y a bien 2 ou 3 très bons titres, mais dans l'ensemble l'album ne décolle jamais vraiment. Au final, ce sera un 3/5, soit une note mi-figue mi-raisin pour un album qui n'est pas un mauvais album. Un album commercial oui, un mauvais album non...

Enregistré entre 1966 et 1968, le 4eme album de Simon & Garfunkel "Bookends" sort en 1968. "Bookends" est un album-concept sur la vieillesse et grâce au titre "Mrs Robinson", Simon & Garfunkel atteindront le sommet de leur carrière. Minutieusement travaillé, qu'il s'agisse des paroles, de la mélodie, du son, de l'harmonie, des voix, ce quatrième album est d'une qualité sonore irréprochable. Un très bon album et un gros 4/5